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Q3995338
Artes Visuais
O avanço das tecnologias digitais possibilitou a aproximação de universos distantes e
distintos por meio da tela do computador. Museus do mundo todo vêm criando visitas
virtuais, nas quais o visitante pode acessar salas e obras do acervo e do espaço físico dos
museus sem sair de casa. Por outro lado, as exposições contemporâneas tornam-se cada
vez mais interativas e permitem que o expectador entre nas obras de arte para conhecê-las
sob a ótica de um novo formato de experiência sensorial. Dois exemplos estão nas
Exposições "O olhar mágico de Escher", uma das mais visitadas no mundo, e "Paisagens
Impressionistas de Claude Monet" que, em 2022, poderá ser visitada em algumas capitais
brasileiras.
Sobre a relação das novas tecnologias com a Arte, é correta a afirmativa:
Sobre a relação das novas tecnologias com a Arte, é correta a afirmativa:
Q3995336
Artes Visuais
Conforme Santaella (2005): “Desde o nascimento do modernismo, os artistas
demonstraram uma verdadeira fascinação pelas novas tecnologias. Gradualmente, as
tecnologias foram tomando a linha de frente do experimentalismo nas artes até o ponto de
muitos curadores terem abandonado as formas tradicionais de arte, pintura e escultura, por
não as considerar contemporâneas. A fotografia, as imagens digitalizadas, os vídeos, os
filmes e, principalmente, as várias formas de instalação e arte ambiental midiática passaram
a ocupar um espaço legitimizado em museus e galerias”. (2005, p.13-14).
A partir do contexto apresentado, acerca das pesquisas experimentais contemporâneas, afirma-se quanto ao uso de novas tecnologias:
A partir do contexto apresentado, acerca das pesquisas experimentais contemporâneas, afirma-se quanto ao uso de novas tecnologias:
Q3995335
Arquitetura
Em 15 de abril de 2019, um incêndio de proporções assustadoras atingiu a catedral de
Notre Dame de Paris, construída entre 1163 e 1345, na Île de la Cité (Paris-França), e
tombada como patrimônio artístico e histórico da Humanidade pela Organização das Nações
Unidas para a Educação, a Ciência e a Cultura (UNESCO), em 1991. O acidente provocou
comoção internacional, pois o dano causado pelo incêndio destruiu parte do patrimônio
material, perdas irreparáveis, entre as quais obras que não serão mais recuperadas, mesmo
após a reconstrução do conjunto arquitetônico. Além de um dos monumentos mais visitados
do mundo, a Catedral de Notre Dame de Paris representa:
Q3995334
Educação Artística
As noções de patrimônio artístico e cultural não são unânimes entre os diversos segmentos sociais interessados na área. Para Canclini:
“Sempre foram problemáticas as noções de patrimônio nacional ou da humanidade; parecem ainda mais equivocadas neste tempo globalizador que difunde bens e acontecimentos culturais de todos os continentes e que acentua as disputas entre patrimônios e adversários, entre atores públicos e privados e entre locais nacionais e transnacionais. Dizíamos que historicamente os patrimônios – museus nacionais, muralhas, etc.- reafirmam algo próprio, superestimado em face dos bens de outros, reiterando, portanto, sua lógica divisora. Se por acaso tivesse sentido nomeá-los patrimônios da humanidade não seria tanto porque poderíamos todos nos orgulhar de centenas de lugares distantes que nunca conheceremos, mas porque alguns deles, graças ao turismo intercontinental, que possibilita serem filmados ou associados a acontecimentos mundiais como as Olimpíadas, são difundidos como parte de um imaginário globalizado.” (CANCLINI, 2015, p. 81)
O discurso contemporâneo da valorização de saberes e bens culturais e os conflitos entre patrimônio local e bens universalizados, levantados pelo autor no texto acima, perpassam o dilema pós-moderno. No que se refere ao patrimônio material, pode-se aferir, a partir da fala de Canclini:
Q3995333
Artes Cênicas
O Carimbó, manifestação cultural reconhecida nacionalmente como paraense, é uma forma
de expressão em que a música e a dança são simultaneamente denominadas de carimbó.
“Junção de curi (pau oco) e m’bó (furado, escavado), traduzido por “pau que produz som”,
ao longo do tempo, o termo foi adaptado e/ou transformado em curimbó, corimbó e carimbó”
(IPHAN, 2014). Muitos municípios paraenses reivindicam, para si, a origem da tradição do
carimbó. Sabe-se que, a par das diferenças entre o carimbó de cada região do Pará, seu
ritmo e suas variantes possuem como característica a marcação do curimbó e suas letras
falam do cotidiano do ribeirinho, do pescador, do agricultor, ou seja, dos saberes e fazeres
da região:
Se eu soubesse que tu vinha, eu fazia o dia maior,/ dava um nó na fita verde, prá prendê o raio de sol/
Iá, iá eu sou da lira,/ iá, iá da lira eu sou/ iá, ia eu sou da lira/ da lira meu amor
(Lucindo Rebelo da Costa – Mestre Lucindo)
Em setembro de 2014, o Carimbó, após cerca de uma década de inventário, foi inscrito no Livro de Registro das Formas de Expressão, pelo Iphan, e recebeu o título de Patrimônio Cultural Imaterial do Brasil. No conjunto das expressões culturais, desse bem imaterial, incluem-se:
Se eu soubesse que tu vinha, eu fazia o dia maior,/ dava um nó na fita verde, prá prendê o raio de sol/
Iá, iá eu sou da lira,/ iá, iá da lira eu sou/ iá, ia eu sou da lira/ da lira meu amor
(Lucindo Rebelo da Costa – Mestre Lucindo)
Em setembro de 2014, o Carimbó, após cerca de uma década de inventário, foi inscrito no Livro de Registro das Formas de Expressão, pelo Iphan, e recebeu o título de Patrimônio Cultural Imaterial do Brasil. No conjunto das expressões culturais, desse bem imaterial, incluem-se:
Q3995332
Educação Artística
No ano de 1975, a Escola de Samba G.R.E.S. Estácio de Sá (RJ) apresentou uma
homenagem ao Círio de Nazaré. O texto do Samba enredo” Festa do Círio de Nazaré”, dos
compositores Aderbal Moreira, Dario Marciano e Nilo Esmera Mendes, assim descreve a
festa:
No mês de outubro/ Em Belém do Pará/ São dias de alegria e muita fé/ Começa com intensa romaria matinal/ O Círio de Nazaré/
Que maravilha a procissão/ E como é linda a Santa em sua berlinda/ E o romeiro a implorar/ Pedindo a Dona em oração/ Para lhe ajudar.../
O trecho descreve o Círio de Nossa Senhora de Nazaré, manifestação paraense que, em 11 de outubro de 2013, recebeu o Título de Patrimônio Cultural do Brasil. Pela aquisição desse título, o Círio:
No mês de outubro/ Em Belém do Pará/ São dias de alegria e muita fé/ Começa com intensa romaria matinal/ O Círio de Nazaré/
Que maravilha a procissão/ E como é linda a Santa em sua berlinda/ E o romeiro a implorar/ Pedindo a Dona em oração/ Para lhe ajudar.../
O trecho descreve o Círio de Nossa Senhora de Nazaré, manifestação paraense que, em 11 de outubro de 2013, recebeu o Título de Patrimônio Cultural do Brasil. Pela aquisição desse título, o Círio:
Q3995331
Artes Visuais
A tendência expressionista, nas artes, é anterior ao aparecimento do movimento de
vanguarda que aparece na Alemanha (1905), notoriamente, em oposição ao
Impressionismo francês. O Expressionismo alemão como movimento estético estende sua
influência às artes em geral: música, literatura, fotografia etc. A escola expressionista alemã
marca um capítulo especial na história do cinema da década de 1920, e mudou a cena
cinematográfica. Ao analisar a influência da estética expressionista, na obra de Tim Burton,
Abreu (2007) descreve:
“A Cidade do Halloween, assim como Gotham City, contém vastos complexos de formas recortadas, pontudas, lembrando muito os padrões góticos. Os cenários são repletos de objetos materiais que sofreram uma representação mais emocional. A cidade parece um recorte de filmes como O gabinete do Dr. Caligari e Nosferatu ou paisagens das telas de Münch, Klee, Chagall ou Kandinsky. Os tetos e as chaminés oblíquos e confusos, janelas com arabescos distorcidos, as sombras em desarmonia com os efeitos de luz, são todos elementos constantemente presentes em obras de conteúdo expressionista. Tais características são evidentes nas obras de Burton.
As personagens de O estranho mundo de Jack não fogem desses padrões. Jack Skellington, o protagonista, é feito de ossos e se veste todo de negro, usando uma gravata que imita um morcego. Arranca sua cabeça para citar Shakespeare com naturalidade e facilmente se desfaz de uma costela para entreter o seu estimado cão Zero. A mesmice e a passividade de sua rotina assolam a personagem, deixando-o angustiado e taciturno. Sally, a boneca de trapos, se desmembra com extrema facilidade, ora para escapar de seu criador, o Dr. Finklestein, que levanta habitualmente a parte superior se seu desfigurado crânio para coçar o cérebro, ora para salvar o próprio Papai Noel das garras do hilário Oogie Boogie, um ser totalmente recheado de insetos viscosos. Ao se desmem-brar, Sally costura por sua conta as partes de seu corpo. Essa alusão à obra de Mary Shelly é a grata surpresa do filme, sendo que a personagem não existe no livro. O andar desen-gonçado, o equilíbrio precário, os olhos esbugalhados e a boca toscamente cortada encantam o filme” (ABREU, p.229).
Com seu formato alternativo, o cinema expressionista apresenta como uma característica importante:
“A Cidade do Halloween, assim como Gotham City, contém vastos complexos de formas recortadas, pontudas, lembrando muito os padrões góticos. Os cenários são repletos de objetos materiais que sofreram uma representação mais emocional. A cidade parece um recorte de filmes como O gabinete do Dr. Caligari e Nosferatu ou paisagens das telas de Münch, Klee, Chagall ou Kandinsky. Os tetos e as chaminés oblíquos e confusos, janelas com arabescos distorcidos, as sombras em desarmonia com os efeitos de luz, são todos elementos constantemente presentes em obras de conteúdo expressionista. Tais características são evidentes nas obras de Burton.
As personagens de O estranho mundo de Jack não fogem desses padrões. Jack Skellington, o protagonista, é feito de ossos e se veste todo de negro, usando uma gravata que imita um morcego. Arranca sua cabeça para citar Shakespeare com naturalidade e facilmente se desfaz de uma costela para entreter o seu estimado cão Zero. A mesmice e a passividade de sua rotina assolam a personagem, deixando-o angustiado e taciturno. Sally, a boneca de trapos, se desmembra com extrema facilidade, ora para escapar de seu criador, o Dr. Finklestein, que levanta habitualmente a parte superior se seu desfigurado crânio para coçar o cérebro, ora para salvar o próprio Papai Noel das garras do hilário Oogie Boogie, um ser totalmente recheado de insetos viscosos. Ao se desmem-brar, Sally costura por sua conta as partes de seu corpo. Essa alusão à obra de Mary Shelly é a grata surpresa do filme, sendo que a personagem não existe no livro. O andar desen-gonçado, o equilíbrio precário, os olhos esbugalhados e a boca toscamente cortada encantam o filme” (ABREU, p.229).
Com seu formato alternativo, o cinema expressionista apresenta como uma característica importante:
Q3995330
Artes Visuais
Encontra-se nas páginas do catálogo da exposição “Ismael Nery em busca da essência”, a
seguinte análise da obra do artista (1900-1934): “Dentro da produção de seus
contemporâneos, locais e internacionais, talvez a única que parece emparelhar-se com a sua seja a obra de Frida Kahlo, artista que, não gratuitamente, também recebeu
reconhecimento definitivo apenas nos anos 90. Embora essa artista mexicana tenha feito
de seus desenhos e pinturas a ilustração de sua vida realmente vivida e também daquela
sonhada – fato menos óbvio em Ismael Nery –, na obra de ambos o desencanto ou a
insatisfação com os limites do corpo físico são uma constante. Daí, então, a necessidade
percebida, tanto numa obra quanto na outra, de romper com esses limites, transcendê-los
e estabelecer pontes ou situações de fusão com o outro, seja esse outro não uma pessoa
ou o próprio cosmo” (2015, p 80).
Apesar da obra de Frida e Nery serem constantemente associadas à estética surrealista, cada um dos autores trilhou seu próprio caminho. Observando as obras Auto Retrato (1927) e A coluna partida (1944), identifica-se que a aproximação entre a obra de Nery e Frida. Ressalta-se, principalmente, na poética pessoal e intimista dos dois artistas. Nesse sentido, a aproximação à estética surrealista se apresenta:
Fonte: Autorretrato: https://masp.org.br/acervo/obra/autorretrato-rio-paris. Coluna quebrada https://g.co/arts/255EUaYZrtSjna4P8
Apesar da obra de Frida e Nery serem constantemente associadas à estética surrealista, cada um dos autores trilhou seu próprio caminho. Observando as obras Auto Retrato (1927) e A coluna partida (1944), identifica-se que a aproximação entre a obra de Nery e Frida. Ressalta-se, principalmente, na poética pessoal e intimista dos dois artistas. Nesse sentido, a aproximação à estética surrealista se apresenta:
Fonte: Autorretrato: https://masp.org.br/acervo/obra/autorretrato-rio-paris. Coluna quebrada https://g.co/arts/255EUaYZrtSjna4P8
Q3995329
Educação Artística
O primitivismo, como tendência estética, despontou nas vanguardas do século XX como o
interesse pelas culturas de povos autóctones e se tornou um dos pilares do modernismo.
Esse motivo ‐ que para os artistas europeus traduziu-se na concepção de que outras
culturas, chamadas de “primitivas” conservariam a pureza de suas características
originarias, por estarem mais distante do desenvolvimento da civilização ‐ foi incorporada
ao modernismo brasileiro, a partir do contato de Oswald de Andrade com artistas
primitivistas das vanguardas europeias, conforme descreve Paulo Prado no prefácio do livro
Poesia Pau-Brasil:
“A poesia "pau-brasil" é o ovo de Colombo - esse ovo, como dizia um inventor meu amigo, em que ninguém acreditava e acabou enriquecendo o genovês. Oswald de Andrade, numa viagem a Paris, do alto de um atelier da Place Clichy - umbigo do mundo -descobriu, deslumbrado, a sua própria terra. A volta à pátria confirmou, no encantamento das descobertas manuelinas, a revelação surpreendente de que o Brasil existia. Esse fato, de que alguns já desconfiavam, abriu seus olhos à visão radiosa de um mundo novo, inexplorado e misterioso. Estava criada a poesia "pau-brasil” (p.67)
No continente americano, as populações ameríndias seriam esses povos autóctones, portanto, o primitivismo brasileiro protagonizado pelo movimento Antropofágico de Oswald se configurou:
“A poesia "pau-brasil" é o ovo de Colombo - esse ovo, como dizia um inventor meu amigo, em que ninguém acreditava e acabou enriquecendo o genovês. Oswald de Andrade, numa viagem a Paris, do alto de um atelier da Place Clichy - umbigo do mundo -descobriu, deslumbrado, a sua própria terra. A volta à pátria confirmou, no encantamento das descobertas manuelinas, a revelação surpreendente de que o Brasil existia. Esse fato, de que alguns já desconfiavam, abriu seus olhos à visão radiosa de um mundo novo, inexplorado e misterioso. Estava criada a poesia "pau-brasil” (p.67)
No continente americano, as populações ameríndias seriam esses povos autóctones, portanto, o primitivismo brasileiro protagonizado pelo movimento Antropofágico de Oswald se configurou:
Q3995328
Artes Visuais
Cem anos depois, a Semana de Arte Moderna de 1922 continua a despertar interesse e
divergência de opiniões: “Não é a Semana que sustenta sua força, mas sim os seus vetores
futuros de Andrades, Malfattis e Bandeiras. A Semana em si, como todo mito de fundação,
torna-se uma narrativa em repetição que demarca um espaço-tempo de algo antes e além”
(COELHO, 2021, 33), esclarece Coelho. Algumas das mais importantes Instituições culturais
brasileiras estão com uma vasta programação para lembrar o Centenário da Semana de
Arte Moderna, que acontece em 2022. O Museu de Arte Modena do Rio de Janeiro (MAM)
promoverá, no período de 2 de julho de 2022 a 29 de janeiro de 2023, a exposição
“Nakoada”, com curadoria de Denilson Baniwa e Beatriz Lemos. Denilson é um dos nomes
mais representativos da arte indígena contemporânea. Lê-se no site do Museu o seguinte
comentário acerca da exposição:
“Nakoada é parte do conjunto de éticas de guerra Baniwa. Em seu vasto campo de significados, Nakoada seria o estudo e profundo entendimento de outra cultura para exercer a habilidade de capturar conhecimentos não-indígenas e construir narrativas que sejam radicais na continuidade da vida e dos saberes indígenas. “Em outras palavras, uma contra antropofagia ou re-antropofagia”, explica Beatriz Lemos”.
“Nakoada é parte do conjunto de éticas de guerra Baniwa. Em seu vasto campo de significados, Nakoada seria o estudo e profundo entendimento de outra cultura para exercer a habilidade de capturar conhecimentos não-indígenas e construir narrativas que sejam radicais na continuidade da vida e dos saberes indígenas. “Em outras palavras, uma contra antropofagia ou re-antropofagia”, explica Beatriz Lemos”.
Q3995327
Artes Visuais
No excerto a seguir, Bergman (2014) comenta algumas ideias, que circulavam entre os
adeptos do Futurismo, movimento liderado pelo poeta italiano Filippo Tommaso Marinetti,
bem como a relação dessas com as transformações dos valores estéticos das vanguardas
europeias:
“Os futuristas chamavam-se de “os homens do futuro” e, com isso, prestaram-se à ironia dos jornalistas e dos críticos da época. Eles se consideravam, ainda, como os avant-postes (“postos avançados”) os mais expostos da vanguarda daquele tempo. Paolo Buzzi, em resposta à questão de qual classe preferia ao viajar de trem, disse seriamente: “Eu não viajo nem na primeira, nem na segunda classe. O meu posto é sobre a locomotiva”. Essa resposta parece-nos totalmente significativa da mentalidade dos jovens futuristas. Muitas vezes, os futuristas revelaram uma “inocência original”, a vontade de tudo recomeçar depois de ter-se libertado do passado e, com frequência, encontramos nos manifestos e nas obras futuristas reivindicações de possuir uma espécie de primitivismo elementar, significando a faculdade de poder olhar a realidade com olhos novos, de poder perceber o mundo através de todos os sentidos” (BERGMAN, 2014, p.220).
O mesmo autor esclarece que o termo “futurismo” fora da Itália, “torna-se uma palavra da moda com um sentido bastante vasto – melhor dizendo, a palavra quase se torna destituída de sentido – significando uma atmosfera de juventude e um espírito combativo antitradicionalista em geral”. Por meio dessa interpretação, o grupo de artistas e intelectuais, que no Brasil apoiava as tendências estéticas de vanguarda, recebeu inicialmente a denominação de “futuristas”. “De certo modo, “Futurismo” é a palavra que reúne toda a ideia de modernização de que estava carecendo a cultura nacional naquele momento. Um trecho do primeiro manifesto da estética futurista, de 1909, ajuda a apreender sua elaboração conceitual: “Admirar um velho quadro é verter nossa sensibilidade numa urna funerária, em vez de lançá-la adiante pelos jatos violentos da criação e ação” (NASCIMENTO, 2015, p.381).
A aproximação dos artistas do grupo brasileiro com o ideário futurista pode ser identificada na concepção de renovação da arte brasileira na qual:
“Os futuristas chamavam-se de “os homens do futuro” e, com isso, prestaram-se à ironia dos jornalistas e dos críticos da época. Eles se consideravam, ainda, como os avant-postes (“postos avançados”) os mais expostos da vanguarda daquele tempo. Paolo Buzzi, em resposta à questão de qual classe preferia ao viajar de trem, disse seriamente: “Eu não viajo nem na primeira, nem na segunda classe. O meu posto é sobre a locomotiva”. Essa resposta parece-nos totalmente significativa da mentalidade dos jovens futuristas. Muitas vezes, os futuristas revelaram uma “inocência original”, a vontade de tudo recomeçar depois de ter-se libertado do passado e, com frequência, encontramos nos manifestos e nas obras futuristas reivindicações de possuir uma espécie de primitivismo elementar, significando a faculdade de poder olhar a realidade com olhos novos, de poder perceber o mundo através de todos os sentidos” (BERGMAN, 2014, p.220).
O mesmo autor esclarece que o termo “futurismo” fora da Itália, “torna-se uma palavra da moda com um sentido bastante vasto – melhor dizendo, a palavra quase se torna destituída de sentido – significando uma atmosfera de juventude e um espírito combativo antitradicionalista em geral”. Por meio dessa interpretação, o grupo de artistas e intelectuais, que no Brasil apoiava as tendências estéticas de vanguarda, recebeu inicialmente a denominação de “futuristas”. “De certo modo, “Futurismo” é a palavra que reúne toda a ideia de modernização de que estava carecendo a cultura nacional naquele momento. Um trecho do primeiro manifesto da estética futurista, de 1909, ajuda a apreender sua elaboração conceitual: “Admirar um velho quadro é verter nossa sensibilidade numa urna funerária, em vez de lançá-la adiante pelos jatos violentos da criação e ação” (NASCIMENTO, 2015, p.381).
A aproximação dos artistas do grupo brasileiro com o ideário futurista pode ser identificada na concepção de renovação da arte brasileira na qual:
Q3995326
Artes Plásticas
A Semana de Arte Moderna de 1922, evento realizado no mesmo ano das comemorações
do Centenário da Independência do Brasil, completa cem anos em 2022.
Mais do que um evento cultural de grandes repercussões, a Semana de Arte Moderna de
1922, realizada no Teatro Municipal de São Paulo, e promovida por um grupo de intelectuais
e artistas, representou um acontecimento para as novas tendências da arte brasileira. A
partir da Semana, intensifica-se o movimento pela modernização da cultura brasileira, que
vinha se anunciando desde a década de 1910. Destaca-se no contexto da Semana de 1922:
Q3995325
Educação Artística
As recentes mudanças na LDB, em decorrência da Lei 13.415/2017, em que foi substituído
o modelo único de currículo do Ensino Médio por um modelo diversificado e flexível, com a
proposição por itinerários formativos – solapando várias disciplinas de proposição crítica,
inclusive Artes –, as quais passarão a ser ofertadas mediante diferentes arranjos. No caso
de Artes, será tratada como área de conhecimento no itinerário linguagens e suas
tecnologias. De acordo com a BNCC (2017, p. 476) “na formação geral básica, os currículos
e as propostas pedagógicas devem garantir as aprendizagens essenciais definidas na
BNCC. Conforme as DCNEM/2018, devem contemplar, sem prejuízo da integração e
articulação das diferentes áreas do conhecimento, estudos e práticas [...]”. Marque a
alternativa que corresponde a essa proposição:
Q3995324
Educação Artística
O ensino da Arte, de acordo com a LDB nº 9394/1996, foi identificado como disciplina. Com
os PCN em Arte, as discussões avançaram e foram estruturados os campos conceituais, como os demais componentes na estrutura curricular no ensino no Brasil. Nesse sentido,
esse ensino vem ocorrendo na perspectiva de superação do ativismo sem fundamento, da
pulverização de tópicos, polivalência e, do ensino como área de atividade, o ganho do
ensino da Arte foi o status de disciplina. Atualmente, com a Base Nacional Comum Curricular
(2017), como ficou redimensionado o ensino da Arte e a abordagem das linguagens?
I. A BNCC (2017) propõe o ensino da Arte disciplinar com conteúdo próprio e que a abordagem das linguagens articule três campos conceituais: Produção, fruição e reflexão, para que os estudantes possam assumir o papel de protagonistas nesse processo.
II. A BNCC (2017) propõe o ensino da Arte como área de conhecimento humano e que a abordagem das linguagens articule seis dimensões do conhecimento: criação, crítica, estesia, expressão, fruição e reflexão, para que os estudantes possam assumir o papel de protagonistas nesse processo.
III. A BNCC propõe o ensino da Arte como área de conhecimento e que a abordagem das linguagens articule três dimensões do conhecimento: explorar, compreender e pesquisar, para que os estudantes possam assumir o papel de protagonistas nesse processo.
IV. A BNCC (2017) propõe o ensino da Arte como área de conhecimento, na perspectiva de contribuir para o desenvolvimento da autonomia reflexiva, criativa e expressiva dos estudantes, por meio da conexão entre o pensamento, a sensibilidade, a intuição e a ludicidade, para que os estudantes possam assumir o papel de protagonistas nesse processo.
V. A BNCC (2017) propõe o ensino da Arte como área de conhecimento, assim como a abordagem das linguagens possa promover, no Ensino Médio, o entrelaçamento entre culturas e saberes, para que os estudantes possam assumir o papel de protagonistas nesse processo.
Identifique as assertivas que correspondem ao questionamento, segundo a BNCC, e marque a alternativa correta:
I. A BNCC (2017) propõe o ensino da Arte disciplinar com conteúdo próprio e que a abordagem das linguagens articule três campos conceituais: Produção, fruição e reflexão, para que os estudantes possam assumir o papel de protagonistas nesse processo.
II. A BNCC (2017) propõe o ensino da Arte como área de conhecimento humano e que a abordagem das linguagens articule seis dimensões do conhecimento: criação, crítica, estesia, expressão, fruição e reflexão, para que os estudantes possam assumir o papel de protagonistas nesse processo.
III. A BNCC propõe o ensino da Arte como área de conhecimento e que a abordagem das linguagens articule três dimensões do conhecimento: explorar, compreender e pesquisar, para que os estudantes possam assumir o papel de protagonistas nesse processo.
IV. A BNCC (2017) propõe o ensino da Arte como área de conhecimento, na perspectiva de contribuir para o desenvolvimento da autonomia reflexiva, criativa e expressiva dos estudantes, por meio da conexão entre o pensamento, a sensibilidade, a intuição e a ludicidade, para que os estudantes possam assumir o papel de protagonistas nesse processo.
V. A BNCC (2017) propõe o ensino da Arte como área de conhecimento, assim como a abordagem das linguagens possa promover, no Ensino Médio, o entrelaçamento entre culturas e saberes, para que os estudantes possam assumir o papel de protagonistas nesse processo.
Identifique as assertivas que correspondem ao questionamento, segundo a BNCC, e marque a alternativa correta:
Q3995323
Educação Artística
Em 1980, realizou-se, na Escola de Comunicação e Arte da USP, a semana de Arte e
Ensino. Nesse evento, iniciou-se um movimento nacional de conscientização e renovação
do ensino da arte, recusando-se a polivalência em favor da interdisciplinaridade, valorizando
o conhecimento teórico e reflexivo aliado à vivência de processos construtivos (MARTINS,
PICOSQUE; GUERRA, 1998). A concepção de ensino da arte que emergiu desse
movimento, de que trata o enunciado, está presente em qual alternativa?
Q3995322
Legislação Federal
Segundo os Parâmetros Curriculares de Arte: “São características, desse novo marco
curricular, as reivindicações de identificar a área por arte (e não mais por educação artística)
e de incluí-la na estrutura curricular como área com conteúdo próprio ligado à cultura
artística, e não apenas como atividade”. (MEC-PCN: ARTE, 2000). Das alternativas a seguir,
identifique a legislação que corresponde à obrigatoriedade do ensino da Arte com essa
concepção:
Q3995321
Educação Artística
A partir da soma de estudos de vários teóricos do ensino da arte, podemos estruturar três
campos conceituais que são fundamentais para o ensino da arte: “a criação/produção, a
percepção/análise e o conhecimento da produção artístico-estética da humanidade,
compreendendo-a historicamente e culturalmente.” (MARTINS, PICOSQUE; GUERRA,
1998, p. 13). De acordo com essas autoras, esses três campos conceituais estão presentes
nos PCN-ARTE e são denominados de:
Q3995320
Artes Visuais
Leia o excerto de Uberti (2014, p. 36) “Eduardo Kobra, ao desenvolver sua poética em Arte
Pública, vivencia essa relação com o espaço e o público, desde a escolha do lugar, muro,
onde a obra será produzida, assim como a imagem que pode se adequar ao espaço, dentro
de critérios definidos pelo artista, em busca de uma identificação com o local de
pertencimento, a partir das imagens das cidades, usadas por ele para seus murais”. Das
assertivas indicadas a seguir, identifique as que são relacionadas ao artista Kobra:
I. Kobra sofreu influência, em sua arte, do hip hop, um dos movimentos artísticos do final dos anos 1960, assim como de alguns artistas como Diego Rivera (1886-1957), do brasileiro Di Cavalcanti (1897-1976) e de Jean Michel Basquiat (1960), dentre outros.
II. Kobra sofreu influência, em sua arte, do funk da periferia, um dos movimentos artísticos do final dos anos 1970, assim como de alguns artistas como Duchamp (1887-1968), do brasileiro Cildo Meireles (1948) e do ilustrador e grafiteiro Alex Senna (1983), dentre outros.
III. O que diferencia Kobra dos demais artistas é a sua temática e técnica, bem como ideias vinculadas aos conceitos de tecnologia e a maneira como entrelaça seu trabalho com cenas de diversas culturas, referentes às cidades que recebem suas obras.
IV. O que o diferencia Kobra dos demais artistas é a sua temática e técnica, bem como ideias vinculadas aos conceitos de memória e a maneira como entrelaça seu trabalho com o local, partindo das imagens de cenas do cotidiano das cidades que recebem suas obras.
V. Os murais do artista Eduardo Kobra são produzidos nos espaços urbanos das cidades, em viadutos, túneis, fachadas de prédios privados e públicos, pois o artista considera a cidade e seu espaço urbano como o ateliê e os muros como telas.
Tendo em vista o texto e as assertivas, está correto a alternativa:
I. Kobra sofreu influência, em sua arte, do hip hop, um dos movimentos artísticos do final dos anos 1960, assim como de alguns artistas como Diego Rivera (1886-1957), do brasileiro Di Cavalcanti (1897-1976) e de Jean Michel Basquiat (1960), dentre outros.
II. Kobra sofreu influência, em sua arte, do funk da periferia, um dos movimentos artísticos do final dos anos 1970, assim como de alguns artistas como Duchamp (1887-1968), do brasileiro Cildo Meireles (1948) e do ilustrador e grafiteiro Alex Senna (1983), dentre outros.
III. O que diferencia Kobra dos demais artistas é a sua temática e técnica, bem como ideias vinculadas aos conceitos de tecnologia e a maneira como entrelaça seu trabalho com cenas de diversas culturas, referentes às cidades que recebem suas obras.
IV. O que o diferencia Kobra dos demais artistas é a sua temática e técnica, bem como ideias vinculadas aos conceitos de memória e a maneira como entrelaça seu trabalho com o local, partindo das imagens de cenas do cotidiano das cidades que recebem suas obras.
V. Os murais do artista Eduardo Kobra são produzidos nos espaços urbanos das cidades, em viadutos, túneis, fachadas de prédios privados e públicos, pois o artista considera a cidade e seu espaço urbano como o ateliê e os muros como telas.
Tendo em vista o texto e as assertivas, está correto a alternativa:
Q3995319
Artes Visuais
A pública, disponível nas praças e nos espaços da cidade, é uma forma democrática de
expressão, onde as pessoas, de uma determinada sociedade, e visitantes têm acesso direto
à arte. Essas intervenções estéticas ocorrem também em diálogo entre o urbano e a cultura
dos povos tradicionais. Nesse sentido, a partir de 2014, o Projeto Street River Amazônia,
iniciativa do artista visual e grafiteiro conhecido como Sebá Tapajós, vem acontecendo na
Ilha do Combu, em Belém. Com relação às afirmações a respeito do Projeto Street River
Amazônia, é correto afirmar:
Fotografia: Adalberto Rossette (2017). Fonte: https://www.redbull.com/br-pt/street-river
Fotografia: Adalberto Rossette (2017). Fonte: https://www.redbull.com/br-pt/street-river
Q3995318
Educação Artística
A interculturalidade, sob a ótica de Ivone Richter (2003), favorece argumentos para o
entendimento sobre a estética do cotidiano, em favor de uma educação mais democrática,
que fortaleça a diversidade cultural, com a pesquisa e investigação dos fazeres especiais
(artísticos/culturais), daqueles que não se enquadram no paradigma de uma concepção e
ensino de arte conservador(a).
Identifique as assertivas que correspondem à Estética do Cotidiano, na perspectiva de um paradigma contra hegemônico:
I. O ensino da arte ancorado nos padrões estéticos como um fenômeno único, considerando os cânones e regras, já estabelecidas historicamente, favorecem a Estética do Cotidiano.
II. O ensino da arte, ancorado nas culturas e diferenças estéticas, deixaria de considerar arte como um fenômeno único, para considerar a arte como uma forma de produção e reprodução cultural que favoreceria a Estética do Cotidiano.
III. A ressignificação da estética é fundante à estética do cotidiano, bem como o entendimento sobre a diferença do binarismo na arte entre a macroestética, modelo hemogeneizante, e a microestética, modo subjetivo de organização e produção dos indivíduos em diferentes grupos étnicos.
IV. Microestética tem relação com os fazeres especiais carregados de significação. Não se trata de reduzir este fazer, mas de usar como ponto de partida para compreensão do conceito de arte, para além de uma concepção tradicional, elitista e eurocêntrica.
V. A macroestética produzida historicamente, o conceito de belo e a perfeição são as bases para a Estética do Cotidiano.
Leia com atenção as alternativas abaixo e indique a correta:
Identifique as assertivas que correspondem à Estética do Cotidiano, na perspectiva de um paradigma contra hegemônico:
I. O ensino da arte ancorado nos padrões estéticos como um fenômeno único, considerando os cânones e regras, já estabelecidas historicamente, favorecem a Estética do Cotidiano.
II. O ensino da arte, ancorado nas culturas e diferenças estéticas, deixaria de considerar arte como um fenômeno único, para considerar a arte como uma forma de produção e reprodução cultural que favoreceria a Estética do Cotidiano.
III. A ressignificação da estética é fundante à estética do cotidiano, bem como o entendimento sobre a diferença do binarismo na arte entre a macroestética, modelo hemogeneizante, e a microestética, modo subjetivo de organização e produção dos indivíduos em diferentes grupos étnicos.
IV. Microestética tem relação com os fazeres especiais carregados de significação. Não se trata de reduzir este fazer, mas de usar como ponto de partida para compreensão do conceito de arte, para além de uma concepção tradicional, elitista e eurocêntrica.
V. A macroestética produzida historicamente, o conceito de belo e a perfeição são as bases para a Estética do Cotidiano.
Leia com atenção as alternativas abaixo e indique a correta:
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