Segundo os Parâmetros Curriculares Nacionais – Arte, o fenômeno artístico possui características que o definem como objeto do conhecimento. Ensinar Arte significa articular três campos conceituais: a experiência de fazer, de fruir formas artísticas e de refletir sobre a arte.
O conhecimento artístico como reflexão delimita o fenômeno artístico como:

As novas ferramentas tecnológicas disponíveis oferecem um campo fértil para a diversidade de produções, principalmente por tornar possível: 

A Base Nacional Comum Curricular – Arte propõe que os alunos mobilizem recursos tecnológicos como possibilidade de:

Segundo os Parâmetros Curriculares Nacionais – Arte, um dos conteúdos gerais do Ensino Fundamental em Arte está explicitado na seguinte alternativa: 

Na Base Nacional Comum Curricular (BNCC, Lei n° 13.415/2017), o componente curricular Arte define cada uma das linguagens – Artes Visuais, Dança, Música e Teatro – como unidades temáticas próprias que reúnem objetos de conhecimento e habilidades específicas. Além das quatro linguagens da arte, uma quinta unidade é proposta ao referido componente e denomina-se: 

Apesar da obrigatoriedade da Educação Artística no currículo escolar, definida no artigo 7º da LDB n° 5692/71, os professores passam a atuar em todas as áreas artísticas, independentemente de sua formação e habilitação, produzindo o chamado “professor polivalente”. Ressaltamos que, apesar da “obrigatoriedade” definida pela referida Lei, a Educação Artística é considerada como atividade educativa e não como disciplina, o que resultou, sobretudo, na:

O artista espanhol Pablo Picasso foi influenciado pela liberdade criativa da arte africana, provocando uma revolução na arte, no início do século XX. O movimento artístico inaugurado pelo referido pintor espanhol ficou conhecido pela seguinte denominação: 

Observe o conjunto de princípios que sustentavam o ensino da Arte num determinado período da história da educação brasileira:
I. O que importa é o processo criador da criança e não o produto que realiza;
II. Aprender a fazer, fazendo;
III. Deixar a criança fazer arte, sem nenhum tipo de intervenção;
IV. A arte adulta deveria ser mantida fora da escola, pelo perigo da influência que poderia macular a genuína e espontânea expressão infantil;
V. Desenvolvimento do imprescindível conceito de criatividade.

Esse conjunto de princípios que fundamentavam a prática de muitos professores recebeu a seguinte denominação:

“No Ensino Fundamental, o componente curricular Arte está centrado nas seguintes linguagens: as Artes Visuais, a Dança, a Música e o Teatro. A BNCC propõe que a abordagem das linguagens articule seis dimensões do conhecimento que, de forma indissociável e simultânea, caracterizam a singularidade da experiência artística, quais sejam: criação, crítica, estesia, expressão, fruição e reflexão.” (BNCC) A dimensão estesia refere-se:

“A Unidos de Vila Isabel levou para a Marquês de Sapucaí no Carnaval 2026 o enredo ‘Macumbembê, Samborembá: Sonhei que um Sambista Sonhou a África’, uma homenagem a Heitor dos Prazeres.” (Revista Exame)
Além do papel fundamental que exerceu no mundo do samba e de diferentes agremiações musicais, Heitor dos Prazeres produziu quadros – mais de 620 obras – que retratavam o cotidiano das comunidades mais pobres, das festas populares, sobretudo do samba e do carnaval, além das celebrações religiosas de matriz africana. O conjunto de sua produção plástica é classificado, por suas características formais, como parte da seguinte tendência: 

“Além do conhecimento artístico como experiência estética direta da obra de arte, o universo da arte contém também um outro tipo de conhecimento, gerado pela necessidade de investigar o campo artístico como atividade humana.” (PCN – Arte)
Segundo o referido documento, o fenômeno artístico é delimitado, portanto, como produto:

“Arte não consegue reproduzir natureza, nem este é seu fim. Todos os grandes artistas, ora conscientes (Rafael das Madonas, Rodin de Balzac, Beethoven da Pastoral, Machado de Assis do Braz Cubas) ora inconscientes (a grande maioria), foram deformadores da natureza. Donde infiro que o belo artístico será tanto mais artístico quanto mais se afastar do belo natural. Outros infiram o que quiserem. Pouco me importa”. (Mário de Andrade)
O texto acima, prefácio do livro Pauliceia Desvairada (1922), faz referência às ideias que fundamentaram a Semana de Arte Moderna, em fevereiro de 1922, no Theatro Municipal de São Paulo. Consideramos como precursoras do referido marco na história da arte brasileira as exposições dos seguintes artistas plásticos, nos anos de 1913 e 1917, respectivamente: 

“O termo Renascimento é comumente aplicado à civilização europeia que se desenvolveu entre 1300 e 1650”. (Graça Proença). No que diz respeito à história da arte, esse período é caracterizado, principalmente, pelos seguintes aspectos:  

“É necessário que as pessoas se defrontem com uma situação exterior de tal modo que suas capacidades de aprender, interpretar, elucidar, aperfeiçoar-se sejam mobilizadas”. Citando Arnheim, Miriam Celeste Martins sugere que o ensino da Arte tenha como ponto de partida o que denominou de “desafios estéticos”, compreendendo o papel do professor, fundamentalmente, como:  

A professora Lívia, de Educação Artística, organizou um projeto de trabalho com seus alunos. A partir de uma pesquisa na comunidade, os alunos trouxeram para a escola vídeos do interior das três igrejas da cidade, feitos no celular. Tendo como base os vídeos e vários outros dados significativos coletados pelos alunos, a professora promoveu atividades que levaram a discussões e análises importantes para o reconhecimento, valorização e compreensão dos códigos estéticos e da história daquela comunidade. Como culminância, organizaram uma exposição com o material recolhido e as informações e dados coletados. O trabalho por projetos em Arte é uma proposta que favorece a aprendizagem significativa, criando muita motivação e a oportunidade de desenvolver nos alunos a seguinte habilidade: 

“A arte nem sempre se apresenta no cotidiano como obra de arte. Mas pode ser observada na forma dos objetos, no arranjo das vitrines, nos pregões de vendedores, na dança de rua executada por meninos e meninas, nos jardins, nas vestimentas etc.” (PCN – Arte) Sob essa perspectiva, orienta-se que os conteúdos da área de arte considerem o seguinte aspecto:

As aulas de Arte ainda são vistas, por muitos profissionais, como uma sucessão de experiências técnicas descontextualizadas, sem significado de ordem cultural, nem traços autorais. Tal assertiva refere-se à seguinte abordagem do ensino da Arte:

O fotojornalismo constitui uma vertente da fotografia voltada para o registro e a comunicação de acontecimentos reais de relevância social, política ou cultural, articulando informação visual e narrativa jornalística. Ao longo do século XX, diversos fotógrafos contribuíram decisivamente para a consolidação dessa prática, produzindo imagens que documentam eventos históricos e revelam aspectos significativos da vida social. 

Observe as imagens de fotografias, com as respectivas legendas, abaixo, e responda ao que se pede.

 

 

  

A partir do exposto e considerando que o fotojornalismo não é necessariamente produzido como arte, mas pode tornar-se arte dependendo do context

I- As Imagens 23 e 24, do fotojornalista José Medeiros, são a prova definitiva de que o fotojornalismo sempre se distingue da fotografia artística porque sua função central é informar e documentar acontecimentos de interesse público, estando vinculado ao contexto da imprensa e à narrativa jornalística.
II- A questão sobre se o fotojornalismo é ou não Arte não possui uma resposta única e consensual na teoria da fotografia. A maior parte dos estudiosos afirma que o fotojornalismo tem finalidade primordialmente informativa e documental, ligada ao campo do jornalismo; contudo, reconhece-se que determinadas imagens fotojornalísticas podem alcançar valor estético e artístico, sendo posteriormente incorporadas ao campo da Arte e exibidas em museus e galerias.
III- Quanto à discussão de ser o fotojornalismo Arte ou não, as Imagens 25 e 26 são diferentes da 27. Esta é uma fotografia artística, pois Ray Giubilo fez uso de teorias de enquadramento para conseguir o resultado artístico; já as outras, 25 e 26, encaixam-se apenas no conceito de fotojornalismo, sendo exemplos consagrados do que é fotojornalismo, e não podem ser consideradas como Arte por serem capturas manipuladas esteticamente e possuírem evidências de construção de narrativas ficcionais.
IV- O fotojornalismo consiste na produção de imagens que documentam acontecimentos relevantes e são destinadas à circulação em  meios de comunicação, como jornais e revistas. Fotógrafos como José Medeiros tiveram grande importância no Brasil ao registrar temas sociais e culturais, especialmente nas revistas ilustradas do século XX, como O Cruzeiro. Já Henri Cartier-Bresson contribuiu para o desenvolvimento da narrativa fotográfica jornalística com o conceito de “momento decisivo”. As Fotografias 25, 26 e 27 são exemplos desse conceito.

É CORRETO o que se afirma apenas em:

Observe atentamente as imagens e textos abaixo e responda ao que se pede.



Observações:
Algumas tarjas com legendas foram adicionadas à Imagem 19 para efeito desta questão. A respeito delas tem-se: “H” está abaixo de um mural de Banksy; “G” está abaixo de uma obra do trio MACLAIN; “R” está abaixo de um mural de ESCIF; “U” está abaixo de uma obra de Mirko Reisser (DAIM); e “L” está abaixo de um mural de Mark Bodé.

Agora, observe as próximas imagens:



A partir do exposto, avalie as assertivas abaixo:

I- As obras de legenda “H”, “R” e “L”, imagem 19, encaixam-se no que se define como Mural. Já as obras de legenda “G” e “U”, da mesma imagem 19, não são murais, pois: “G” é hiper-realista, por isso, foge do padrão exigido no universo do grafite; e “U” é uma obra interna a um ambiente, o que fere a definição de Arte Urbana. 
II- A Imagem de legenda “R”, bem como a imagem 20 (obras de ESCIF) demonstram que esse artista, ao ocupar muros de forma estratégica, transforma o espaço público em um campo de reflexão, onde a simplicidade da forma serve para amplificar o peso da mensagem. Há ainda, na imagem 20, uma forte ideia sobre a violência estatal (representada pela força policial) contra o conhecimento (representado pelo livro).
III- Não importando a técnica, estilo e material utilizados (grafite, rolo e tinta, surrealismo, hiper-realismo, desenho, caricatura etc.), as mensagens políticas, anticonsumistas ou satíricas são frequentes na Arte Urbana.
IV- A obra do trio super-realista MACLAIN, cuja legenda é “G” e isolada na imagem 22, demonstra que a técnica refinada supera a mensagem quando se trata do campo da Arte Urbana. Exatamente por isso essa obra configura ato de vandalismo, uma vez que não está em Museu. 
V- O mural de Banksy (Imagem de legenda “H”) possui técnica/estilo diferente da utilizada por Mirko Reisser (DAIM), da obra da Imagem de legenda “U” e da imagem 21. As citadas obras de DAIM, conforme as imagens exemplificadas, são chamadas de grafite 3D e parecem flutuar na parede, sendo, ainda, consideradas abstratas; enquanto a obra de Banksy, Imagem de legenda “H”, é figurativa.

É CORRETO o que se afirma apenas em

A arte contemporânea frequentemente desafia os limites entre artista, obra e público, transformando a experiência estética em um campo de experimentação conceitual e social. Nesse contexto, diversas artistas mulheres alcançaram reconhecimento internacional ao desenvolver obras que exploram a participação do público, a memória histórica e as relações de poder. Entre essas artistas destacam-se Marina Abramović, autora da performance Ritmo 0; Adriana Varejão, conhecida por obras como Azulejões e exposições internacionais como Otros cuerpos detrás no Museo Tamayo, no México; e Rosana Paulino, criadora da obra Bastidores. Essas obras exploram diferentes linguagens — performance, pintura/instalação e fotografia costurada — para discutir temas como violência simbólica, colonialidade e identidade.

Observe atentamente as imagens e textos a seguir.



Fonte: Disponível em: https://www.singulart.com/blog/ Acesso em: 27 fev.2026. 



Fonte: Disponível em: https://d7hftxdivxxvm.cloudfront.net/ Acesso em: 27 fev. 2026.




Fonte: Disponível em: https://mam.org.br/wp-content/ Acesso em: 27 fev. 2026.


É uma obra composta por um conjunto de fotografias de mulheres negras, reproduzidas sobre tecido e presas em bastidores em formato circular.

Considerando o contexto, analise os itens a seguir.

I- Os episódios de violência registrados em Ritmo 0, Imagem 20, evidenciam a vulnerabilidade do artista e a dimensão ética da interação artística. Essa é uma Performance e não pode ser considerada body art, pois o corpo da artista não constitui o principal suporte material da obra, embora a ação explore diretamente os limites físicos e simbólicos do corpo diante do público.
II- A obra da Imagem 21, de Adriana Varejão, utiliza o padrão ornamental dos azulejos coloniais portugueses para evocar a herança visual da colonização no Brasil. Ao rasgar simbolicamente essa superfície decorativa e expor uma massa que remete à carne, a artista cria uma metáfora visual que associa a estética refinada da cultura colonial às violências históricas que sustentaram o processo de colonização. Dessa forma, a obra confronta o observador com a contradição entre a aparência ornamental da tradição luso-brasileira e as relações de poder, exploração e conflito que marcaram o período colonial, transformando o azulejo em signo crítico da memória histórica.
III- Na obra Bastidores, Rosana Paulino utiliza fotografias de mulheres negras costuradas em bastidores de bordado, criando uma imagem na qual linhas atravessam ou suturam os rostos retratados. Essa estratégia visual transforma uma técnica tradicionalmente associada ao espaço doméstico em instrumento de crítica social, abordando racismo estrutural, memória histórica e a condição das mulheres negras.
IV- Observando as imagens , 17 e apresentadas, percebe-se que as três artistas utilizam linguagens distintas — performance 16 18 participativa, instalação com referências históricas e fotografia bordada — para discutir relações entre Arte e sociedade. Apesar das diferenças formais, suas obras convergem ao estimular reflexão crítica sobre violência simbólica, memória cultural e relações de poder.

É CORRETO o que se afirma apenas em: