Observe a imagem.

Alexander Calder. The hostess, 1928.

(https://www.moma.org/collection/works/81349)

Ana Mae Barbosa (A imagem no ensino da Arte) apresenta a perspectiva de Edmund Feldman a partir do livro Becoming Human Through Art: Aesthetic Experience in the School (1970). Nele, o autor aponta para o entendimento da obra de arte do ponto de vista da relação entre os elementos visuais. Para Feldman, a obra “The hostess” serve para mostrar a diferença entre a construção por massa e a construção por

“Mas logo se evidenciou a coerência formal de um núcleo mais reduzido. Caillebotte, Monet, Pissarro, Sisley e uma boa parte da produção de Renoir recusam o desenho que estrutura, privilegiam o gesto espontâneo e preferem pintar ao ar livre, diante do motivo, tomando como preocupação central os efeitos produzidos pelos fenômenos puramente luminosos (reflexos, transparências, fumaças, brumas) sobre os volumes. O assunto do quadro tinha pouca importância: o organizador do catálogo da exposição de 1874 desconsola-se ao receber a lista dos títulos de Monet: eram Entrada de aldeia, Saída de aldeia, Tarde na aldeia, Manhã na aldeia, Marinha, a não mais acabar. E quando ele pinta sua série de Freixos, de Montes de feno, ou a catedral de Ruão ao meio-dia ou no crepúsculo, mostra bem que seu interesse reside não na representação das árvores, do feno ou da catedral, mas nas variações de efeitos luminosos sobre esses volumes, que funcionam essencialmente como suportes.”
(Jorge Coli. O que é Arte, p. 32-33. Adaptado)

O trecho de Coli descreve as características visuais do movimento

Segundo Coli (O que é Arte), o princípio de uma inter-relação de constantes formais no interior da obra de arte define a noção de

Heinrich Wölfflin (1864-1945), na virada do século XIX para o XX, tenta construir uma metodologia rigorosa no interior da história da Arte, comparando obras dos períodos do Renascimento/Clássico e Barroco. Seu método

Observe a imagem.

(enciclopedia.itaucultural.org.br/obra24762/a-soma-de-nossos-dias)

Ana Mae Barbosa (A imagem no ensino da Arte) descreve e comenta a recepção crítica que as crianças visitantes do Museu de Arte Contemporânea (MAC-USP) demonstravam sobre a escultura A Soma de Nossos Dias (1954-55). Essa obra é de autoria de

Costa, em Questões de Arte, afirma que a ideia de uma arte sem a finalidade de produção de objetos, mas com uma relação legítima e ativa com o público caracteriza a produção do movimento

Segundo A. M. Barbosa, em A imagem no ensino da Arte, Edmund Burke Feldman desenvolve em 1970 proposta de metodologia de leitura da obra de arte denominada “método comparativo de análise” que supõe as seguintes etapas:

Segundo Jorge Coli (O que é Arte), os “happenings” (do verbo inglês to happen, acontecer) foram organizados pela primeira vez nos anos sessenta, por Allan Kaprow, em galerias de pintura de Nova York. A definição lapidar do “happening” foi dada por Salvador Dali: “realizar um ‘happening’ é criar uma situação que não pode se repetir”. Com outras palavras, é, num lugar determinado, a reunião de pessoas que fazem acontecer coisas através do gesto, da voz, de atitudes diversas – tudo baseado no impulso instintivo, irracional, inconsciente, com a utilização eventual de drogas do tipo LSD, desenvolvendo uma nova forma de percepção, novos modos de relação com outrem e com as coisas.
Para o autor, o “happening” é um exemplo de manifestação artística contemporânea que se caracteriza por ser

Segundo Costa (Questões de Arte), a performance é um tipo de arte que integra várias linguagens como dança, música e interpretação. Tem caráter experimental e reduzido a um pequeno número de apresentações, ainda que, nos dias de hoje, utilize o suporte do vídeo e da televisão. Para a autora, a performance foi criada nos anos

Observe a imagem.

A pintura de Anita Malfatti Torso/Ritmo (1915/1916) demonstra a influência de seu mestre Homer Boss, pintor americano que foi seu professor na Art Students League, em Nova York. O trabalho pode ser caracterizado por

“A Abordagem Triangular não é uma metodologia, como às vezes é chamada. Os três eixos de aprendizagem artística que a compõem delimitam claramente conjuntos possíveis de ações complementares e interconectadas. Ações que podem se manifestar em redes intermináveis de relações”.

(Regina Stela Machado em Barbosa e Cunha, Abordagem Triangular no ensino das artes e culturas visuais, p. 64)

Os três eixos indicados pela autora são:

Para Bredariolli (em Barbosa e Cunha, Abordagem Triangular no ensino das artes e culturas visuais, p. 29), um dos fundamentos da Abordagem Triangular no ensino de Arte é

No livro John Dewey e o ensino da Arte no Brasil (p. 40-41), Barbosa elabora um quadro que denomina “cronologia da dependência”, no qual indica características do ensino artístico no Brasil ao longo dos séculos. No que diz respeito aos anos 1914-1927, a autora definiu esse período como marcado por

Segundo Ana Mae Barbosa (A imagem no ensino da Arte, p. 84), o primeiro museu a criar a função de arte-educador em 1852 foi o

Criar peças artísticas a partir de materiais que iriam para o lixo é uma prática que pode oferecer oportunidade com baixo custo e resultados surpreendentes, transformando o que era visto como “lixo” em peças de decoração e utilidade doméstica. Aliar artesanato à conscientização ambiental é uma forma de:

A variedade de produtos artesanais no Brasil contempla inúmeras técnicas e segmentos, influenciados pela vocação artesanal e artística local e pela disponibilidade de matéria prima de cada região, que vai de materiais tradicionais até os inusitados e alternativos. Esses materiais ao receberem a marca do homem, tornam-se:

A dança é manifestação social, fenômeno estético, cultural e simbólico que expressa e constrói sentidos através dos movimentos corporais. Como expressão de uma cultura, está inserida em um(a):

A Terapia Ocupacional desenvolve a habilidade do indivíduo de conhecer-se, pelo desenvolvimento da percepção de si próprio no contexto dos outros, possibilitando, assim, a:

A mediação da arte na comunicação apresenta algumas vantagens, entre as quais a expressão mais direta do universo emocional, pois não passa pelo crivo da racionalização que acompanha o discurso verbal. Além disso, com a atividade artística, facilita o(a):

“Desenhar é designar, escolher, ir além. A consciência do desenho desígnio se manifesta na vida do professor e do aluno concomitantemente. A mudança de visão ocasiona transformação em outras áreas da vida das pessoas e não apenas na produção artística. Desenhamos nossa vida ou somos desenhados por ela. A compreensão do significado de desenhar é fundamental no ensino e aprendizagem da arte. O desenho é reconhecido comumente como desenho gráfico, mas seu significado vai além, identifica-se, originariamente, com a palavra desígnio e está ligada a projetar (lançar para a frente)” (SOARES. In: ROSENTHAL; RIZZI, 2013, p. 20-21).

Em relação ao desenho – desígni-, conceituado pelas autoras, considere as afirmativas a seguir.

I. A nutrição estética do professor amplia as possibilidades de compreensão e partilhamento com os estudantes. Se o professor for capaz de designar suas escolhas, desenhar sua vida, provavelmente será apto a colaborar para que os seus alunos façam o mesmo.

II. Os estudantes repetem desenhos estereotipados por se sentirem seguros com imagens aceitas por professores e pela sociedade, para não ter que pensar ou por fuga da realidade.

III. É importante criar situações de observação e diálogo sobre o entorno, estimular o olhar, possibilitar experimentações individuais e coletivas, com materiais variados, proporcionar leitura de imagens e apreciação de formas, marcas ou representações significativas para os alunos, como meio de expressão e pesquisa.

IV. Destacar o aluno que “faz os cartazes”, o que “sabe desenhar” etc., comumente reconhecido com “habilidade artística” ou “talentoso”, representa uma atitude discriminatória do professor, que pode inibir a expressão dos outros alunos.

De acordo com os conceitos apresentados pelas autoras, estão corretas as afirmativas