Marque a opção que apresenta dois artistas trazidos ao Brasil por D. Pedro em 1816 para fundarem a Escola Real de Ciências, Artes e Ofícios, a qual posteriormente se transformou na Academia Imperial de Belas Artes do Rio de Janeiro. A produção artística deles era voltada para a catalogação dos “exotismos” tropicais que correspondiam a tudo que era diferente ao que chamavam de “normal” segundo a cultura europeia.

A transição do período Barroco para o período Clássico na história da música foi marcada por significativas mudanças estilísticas e estruturais. Considerando as obras de Johann Sebastian Bach (1685-1750), representante do Barroco, e Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791), representante do Clássico, qual das seguintes afirmações melhor descreve uma diferença fundamental entre as práticas composicionais destes dois períodos?

Considere as características e influências dos diversos períodos da história da música ao analisar a seguinte afirmação: "O período Barroco, conhecido por sua complexidade ornamental e contrapontística, teve um impacto significativo no desenvolvimento de formas musicais posteriores, influenciando compositores e estilos até o século XX." Qual das seguintes opções melhor exemplifica essa influência, considerando a evolução estilística e as características dos períodos subsequentes?

De maneira geral, os estilos musicais são uma espécie de categorização que diferencia formas de expressão musical pelo ritmo, melodia, temática, estética, contexto cultural, técnicas, entre outras coisas. O estilo da primeira fase do período Clássico é chamado de:

Foi a partir da Idade do Bronze, aproximadamente cinco mil anos atrás, que começaram a desenvolver a metalurgia e é onde data-se o nascimento dos instrumentos musicais mais tecnológicos como a trompa, a lira e a harpa. Dentro do contexto da História da música, no século XVII, há a seguinte característica:

Complete o parágrafo com a palavra correta:

“No campo do ensino da arte a pedagogia ________ se associa a teoria estética mimética que pressupõe regras e princípios universais. Tem como fundamento metodológico a imitação e a progressão das dificuldades para a aquisição da perfeição tanto das formas como da destreza para executar tais formas. É associada ao padrão de beleza neoclássico e se fundamenta na historiografia da arte construída desde o Renascimento”. (Ensino da arte no Brasil: Aspectos históricos e metodológicos. São Paulo, 2011, p.42)

No contexto da arte indígena contemporânea, que exalta a ancestralidade e se posiciona como uma forma de resistência política e social, surge uma intersecção entre expressões artísticas e lutas por reconhecimento e direitos. Essa prática artística se torna-se uma arma contra tentativas de apagamento histórico, contribuindo para reforçar a identidade e a resistência étnica dos povos originários. A arte, assim como a língua, as crenças e as narrativas míticas, funciona como um mecanismo ideológico que fortalece a etnicidade e, por conseguinte, a resistência à dissolução étnica. Surge, então, a surpresa na incorporação do elemento 'indígena' no conceito de arte contemporânea, evidenciando uma falta de reconhecimento por parte do sistema de arte ocidental. Na literatura especializada sobre arte contemporânea no Brasil, não há presença significativa de autores indígenas. Diante desse cenário, a produção artística indígena contemporânea se revela como uma narrativa vibrante que vai além da tradição, desafiando e expandindo a concepção ocidental de arte. Nesse contexto, assinale a alternativa que reflete a abordagem contemporânea da arte indígena.

Com a inserção da tecnologia na arte, emergiram diversas correntes de pensamento, e alguns estudiosos consideravam esse fenômeno de forma positiva, enquanto outros questionavam a presença da máquina no meio artístico, uma vez que esta desafiava as concepções tradicionais de arte. Um desses pensadores notáveis foi o autor que abordou a perspectiva da modernidade na arte em seu livro de 1936. Uma obra de arte, vista como um culto que evocava, de certo modo, aspectos religiosos, passou por questionamentos com o advento da fotografia e do filme, que são formas artísticas originadas da tecnologia. A interrogação sobre a consideração do digital como arte foi posta em discussão, implicando uma reavaliação do valor de culto presente na fotografia e nos filmes. Explorando as reflexões presentes no trabalho de 1936, que discute a modernidade na arte, questiona-se se o digital pode ser categorizado como arte. Nesse meio, o autor perde a interatividade com o público, passando a se dirigir a uma câmera. O autor ressalta que, no cinema, a realidade é completamente manipulada, enquanto no palco essa manipulação não é possível. A introdução da tecnologia resultou em um novo padrão de consumo artístico, associado por esse autor à industrialização e aos interesses econômicos, por exemplo, quando a realização de um filme tem o intuito de servir a propósitos políticos. Além disso, na era digital, a obra pode ser reproduzida e distribuída em diversas cópias pelo mundo, facilitando o acesso a ela. Outro aspecto crucial na discussão sobre a obra de arte é a aura e o culto. No contexto cinematográfico, a obra perde seu foco principal na história e nos autores, culminando na ausência de ênfase em detalhes fundamentais que poderiam ser facilmente percebidos em uma peça teatral. Na perspectiva desse autor, os meios de comunicação alteraram significativamente a concepção de arte, provocando um impacto substancial tanto no campo artístico quanto na sociedade. Qual autor, discutido no texto apresentado, expressa a perspectiva de que a integração da tecnologia na arte desafia a definição tradicional de arte, particularmente no contexto do digital?

A Música Popular Brasileira (MPB) é um gênero musical extremamente diversificado e influente, resultado da rica mistura de diferentes estilos, ritmos e culturas presentes no Brasil. Sobre a MPB, identifique e assinale a alternativa incorreta:

A  história da música ocidental é vasta e abrange um desenvolvimento rico ao longo de milênios. Sobre esse tema, assinale a alternativa correta sobre o Período Clássico da história da música ocidental:

“Baseado na palavra italiana para “rabisco” graffiti são palavras, desenhos, expressões ou garatujas rabiscadas em muros e paredes. Encontrado até nas tumbas do Egito, o graffiti foi levado aos estúdios pelos pintores Cy Twombly, Jean Dubuffet e Antoni Teipes. A verdadeira arte do graffite é a arte das ruas. Armados com pincel atômico e latas de spray, milhares de grafiteiros marcaram a cena urbana nas décadas de setenta e oitenta, cobrindo vagões inteiros do metrô de Nova York com palavras e imagens derivadas de quadrinhos e desenhos animados. (...)”.
STRICKLAND, Carol. Arte comentada: da pré-história ao pós-moderno – tradução Angela Lobo de Andrade. Rio de Janeiro: Ediouro, 2004.

“(...) Arte Rupestre è o nome que se dá ao tipo de arte mais antigo da história, baseado principalmente nas pinturas, desenhos ou representações artísticas gravadas nas paredes e tetos das cavernas. Esse tipo de arte teve seu início no período Paleolítico Superior. (...)
Pichação é o ato de escrever ou rabiscar sobre muros, fachadas de edificações, asfalto de ruas ou monumentos, usando tinta em spray aerosol, dificilmente removível, estêncil ou mesmo rolo de tinta. No geral, são escritas frases de protesto ou insulto, assinaturas pessoais ou mesmo declarações de amor, embora a pichação seja também utilizada como forma de demarcação de territórios entre grupos - às vezes Ganges rival. Já na antiguidade é possível encontrar elementos de pichação. A erupção do vulcão Vesúvio preservou inscrita nos muros da cidade de Pompéia, que continham desde xingamentos até propaganda política e poesias. Na Idade Média, padres pichavam os muros de conventos rivais no intuito de expor sua ideologia, criticar doutrinas contrárias às suas ou mesmo difamar governantes. Com a popularização do aerosol, após a Segunda Guerra Mundial, a pichação ganhou mais agilidade e mobilidade. Na revolta estudantil de 1968, em Paris, o spray foi usado como forma de protesto contra as instituições universitárias e manifestação pela liberdade de expressão. Construído no início da década de 1960, o muro de Berlim ostentou por vários anos um lado oriental limpo e de pintura intacta, controlado pelo regime socialista da União Soviética, enquanto seu lado ocidental, encabeçado pela democracia capitalista dos Estados Unidos, foi tomado por pichações e de protesto contra o muro. (...)”.
ENDO, Tatiana Sechler. A pintura rupestre da pré-história e o grafite dos novos tempos. CELACC / ECA / USP 2009.

A partir da leitura dos textos e da perspectiva das autoras, analise as afirmações a seguir:
( ) Pichação e graffiti são expressões artísticas de menor valor, uma vez que produzidas sem intenção artística propriamente dita, e sim como modo de protesto, violação à propriedade privada e depredação de patrimônio público.
( ) Tanto a arte rupestre quanto as pichações são artes codificadas próprias de cada tribo e evidencia sua época, uma manifestação visual distinta, porém, desenvolvidas com significados simbólicos e culturais para aqueles que faziam ou fazem parte de sua estética e linguagem.
( ) A principal característica das duas manifestações - arte rupestre e pichação - não é a contemplação estética, e sim o fato de que demonstram processos que transmitem mensagens e códigos cifrados para os que fazem parte do mesmo grupo social.

A alternativa que apresenta a sequência correta de preenchimento dos parênteses, de cima para baixo, é:  ( ) O grafite e a pichação têm características bem definidas. No grafite o desenho é mais elaborado, enquanto que na pichação os desenhos são visualmente mais agressivos, assim também ocorre com o interesse estético onde a estética na pichação tem valor secundário enquanto no grafite há mais interesse estético e por sua vez se torna mais socialmente aceito em contraponto a degradação da paisagem urbana que ocorre com as pichações transgressivas e predatórias. 

“(...) Com o passar do tempo a arte moderna sofreu um desgaste. Por um lado, ela tornou-se tão experimental que acabou por afastar-se do público, que passou a achar suas manifestações cada vez mais estranhas e de difícil compreensão. Isso aconteceu particularmente a partir dos anos 60 e 70, em Nova York, para onde se transferiu a vanguarda artística dos centros europeus depois da Segunda Guerra, e onde várias noções modernas foram radicalizadas. No movimento minimalista, criado ali, o lema era “Menos è Mais”; a arte não deveria ter autoria, nem passado ou futuro, apenas a ação do momento presente. “O que se vê è o que se tem”, diziam os minimalistas. “Não há nada por trás das formas.” Em meio a isso, as pessoas sentiam falta de histórias e da possibilidade de serem arrebatadas de emoção pelas obras de arte. Por outro lado, a noção do novo, fundamental para a vanguarda, também se tornou algo improvável, sobretudo num mundo repleto de informações e estímulos. Com a mudança global que se delineia a partir dos anos 80, torna-se mais gritante ainda a necessidade de uma modificação no conceito de arte. Mais do que isso: torna-se necessário que a arte se modifique para sobreviver. E è aí que sai de cena a arte moderna e sobe ao palco a contemporãnea. (...)”.
VIEIRA, Francisco Ponciano. CARVALHO, Carla. Arte Brasileira. UNIASSELVI 2012.
GARCEZ, Lucília e OLIVEIRA, Jô. Explicando a Arte Brasileira. Rio de Janeiro: Ediouro. 2003

A respeito da arte contemporânea, analise as afirmações a seguir:
I - Para começar, a organização prévia do mundo entre capitalismo e socialismo entra em colapso com o fim do regime socialista soviético e a queda do muro de Berlim (1989).
II - As novas realidades políticas provocam um fluxo geográfico internacional, fazendo com que os deslocamentos humanos instaurem uma nova noção de identidade e de nacionalidade.
III - A virtualização produz uma profunda modificação na maneira como as pessoas se relacionam. A relação tempo e espaço, que antes obedecia a uma proporcionalidade, agora é instável. Se os estímulos de informação proliferam sem limites temporais ou espaciais, tornando-se muitas vezes excessivos, a memória torna-se um bem maior.
IV - . A importãncia dada â moda, âs aparências e â “atitude”, aliada a uma tecnologia sofisticada de cirurgias, implantes, aparelhos de ginástica e substâncias químicas, além das possibilidades genéticas que se abrem com os sequenciamentos cromossômicos, fazem do corpo um campo de experimentações futurísticas.

Na perspectiva dos autores, estão corretas as afirmações:

“(...) Os pós-modernistas propõem a busca do novo na pesquisa de formas percorrendo outros caminhos de produções e utilizando materiais mais ecléticos para elaborar suas composições, conforme obras de Nelson Leiner (1947-1952) e Abraham Palatink (1928), apresentadas nas Figuras 149 e 150. Há uma mudança de conceito tanto social quanto filosófica, despertando, no interlocutor, uma proposta de reflexão, inserido no nosso tempo e espaço temporal. Tem como característica a busca pela “multiplicidade, a fragmentação, a desreferencialização e a entropia – que, com a aceitação de todos os estilos e estéticas, pretende a inclusão de todas as culturas como mercados consumidores. Nas artes plásticas deste período, podemos citar como forte influência o Neo-Expressionismo, que resgata os meios tradicionais de expressão, como a pintura em que há uma tendência figurativa, embora também seja forte a presença do abstracionismo e da arte conceitual. Ao mesmo tempo em que crescem as manifestações a favor da arte conceitual, surge uma profusão de outros meios que, juntamente com as novas tecnologias, são usados pelos artistas para expressarem suas ideias. Exemplo disto é a fotografia (que se eleva à categoria de arte) a minimal art, a art cinética, o grafite, as instalações, a arte postal, a arte ambiental, a performance, entre outras estéticas. Grafite (pintura por meio de spray em lugares públicos), instalações (disposição de elementos no espaço com a intenção de estabelecer uma relação com o espectador), arte postal (que se utiliza do meio postal para a criação e a divulgação), arte ambiental (que modifica e se relaciona com elementos da paisagem natural, principalmente por meio da escultura e da instalação) e performance (execução momentânea de uma ação espontânea ou teatral que pode envolver a participação do público).
(GARCEZ; OLIVEIRA, 2006, p. 141). (...)”

VIEIRA, Francisco Ponciano. CARVALHO, Carla. Arte Brasileira. UNIASSELVI 2012.
GARCEZ, Lucília e OLIVEIRA, Jô. Explicando a Arte Brasileira. Rio de Janeiro: Ediouro. 2003.

A partir da análise do texto base, atente-se ao trecho a seguir:
O termo _______________ encontra-se ligado à significação de ___________ até por que não faria sentido ser “pós” alguma coisa que não se sabe o que è. O _________ representa alguma espècie de reação ou afastamento do___________. Contudo, não basta apenas a análise do conceito de _________ pois o próprio prefixo “pós” articula problemáticas situadas em diversas áreas. Krishan Kumar chama â atenção que o prefixo “pós” è ambíguo: pode significar um novo estado de coisas, no sentido do que vem depois; ou pode ser usado como o post de post-mortem, sugerindo fim, término.

As palavras que preenchem adequadamente as lacunas é:

“Antes mesmo de saber escrever, o homem expressou e interpretou o mundo em que vivia pela linguagem da arte. A caverna, com sua umidade rochosa, foi o ateliê do homem pré-histórico. Diante dos mistérios do que lhe era conhecido, o artista retirava-se para ficar a sós na caverna. Por dias e dias nela habitava, desvendando, pelo fazer de suas mão e pela força imaginante, o que não compreendia, mas sonhava compreender. Na caverna, enveredando por seus corredores, os primeiros artistas fizeram grafite usando como suporte as formas estruturais das rochas. Dissolvendo pigmentos na boca e soprando-os em jatos como se fossem spray, eles pintaram e traço a traço desenharam a expressão dos movimentos de mamutes, bisões e outros animais. Somos seres simbólicos, seres de linguagem. Mais do que a mera reprodução dos animais selvagens reais, os desenhos e pinturas da arte rupestre nos falam da sensibilidade visual e da capacidade de abstração do homem pré-histórico. No dizer de Bachelard, a imaginação não é a faculdade de formar imagens da realidade; é a faculdade de formar imagens que ultrapassam a realidade. As imagens retidas nas paredes da caverna revelam um conhecimento que o homem construiu daquele mundo. No ato criador, para além da realidade imediata, apropriou-se simbolicamente daquele mundo. …)”.
MARTINS, Miriam Celeste; PICOSQUE, Gisa; GUERRA, M. Terezinha. Didática do Ensino da Arte – A Língua do Mundo. Poetizar, fruir e conhecer arte. São Paulo: FTD, 1998.

De acordo com as autoras, a respeito da arte a pré-histórica, assinale V (verdadeiro) ou F (falso) para as afirmações a seguir:
( ) As obras dos artistas pré-históricos manifestam a vocação inventiva do homem e de sua mente criadora para interpretar a realidade. O desejo de compreender e apropriar-se dela leva o homem a tentativas de interpretação através da capacidade mental de simbolizar.
( ) A construção desse conhecimento, que é estético, mesmo nos parecendo hoje tão natural, só foi possível após o surgimento da palavra.
( ) As imagens pintadas se referiam somente ao que era visível naquele mundo, não ao invisível, como instrumento de magia.
( ) Desde as pinturas nas cavernas e as palavras do homem primitivo, até as fórmulas e equações que levaram o homem moderno a visitar a lua e hoje navegar na internet, há um percurso de invenções que o ser humano fez e faz por meio de signos, sistemas simbólicos que se articulam em linguagens.

A sequência correta de preenchimento dos parênteses, de cima para baixo, é: 

Martinho de Haro foi um artista catarinense de destaque no cenário das Artes Visuais. Sua obra é marcada por características distintas que refletem sua visão artística e suas influências. Considerando o estilo de pintura de Martinho de Haro, assinale a alternativa correta: 

Acerca do ensino de Arte no Brasil, julgue as frases abaixo:
I. Em meados do século XX, com a chamada República Velha, a educação no Brasil estava restrita às elites, e o ensino de arte era voltado para o treinamento de artistas e artesãos. As escolas de artes e ofícios eram os principais locais de formação, ensinando técnicas tradicionais e habilidades práticas.
II. Durante o regime militar (1964-1985), houve um período de repressão à expressão artística. O ensino de arte foi afetado, com a imposição de currículos conservadores e censura a obras consideradas subversivas.
III. O movimento modernista das décadas de 1920 e 1930 teve um impacto significativo no ensino de arte no Brasil. Artistas como Tarsila do Amaral, Anita Malfatti e Di Cavalcanti lideraram uma busca por uma identidade artística brasileira, rompendo com as influências estrangeiras.
Está(ão) CORRETA(S) a(s) seguinte(s) proposição(ões): 

As obras dos artistas populares, geralmente provenientes das regiões rurais, embora inovadoras e pessoais, entre diversas características, comumente, apresentam reflexos de:

Considere o trecho a seguir:

“O ensino de arte está ligado à história da arte, da educação e da criança. As teorias e práticas em sala de aula são fruto de ideias, do contexto político e social de cada época, portanto, ensinar aos professores a história do ensino da área de arte na educação escolar é importante para conscientizá-los sobre o valor da memória e da origem das propostas curriculares contemporâneas.”
IAVELBERG, Rosa. O ensino de arte na educação brasileira. Revista USP, n. 100, p. 47-56, 2014.

Com relação à definição da didática do ensino de Arte na contemporaneidade e o trecho anterior, assinale a alternativa CORRETA. 

“(...) misturava a tradição da canção popular com o pop internacional e com experimentações de vanguarda, evocava as imagens estereotipadas do Brasil como paraíso tropical, e realizava crítica aguda do país com referências incisivas à repressão política, à desigualdade e à miséria social.”

SCHWARCZ, Lília M; Starling, Heloísa M. Brasil: uma biografia. São Paulo: Companhia das Letras, 2015.


O movimento artístico a qual se refere o trecho destacado é:

O futurismo é uma corrente artística que surgiu na Itália no início do século XX. Os futuristas italianos liderados por Filippo Tommaso Marinetti publicaram o manifesto futurista em 1909, no qual eles defendiam: