O processo de planejamento e construção de uma escultura é totalmente diferente da elaboração de um desenho, pois acontece explorando elementos e estruturas distintos.

Materiais tradicionais, de maior plasticidade e praticidade no manuseio, como o granito e o bronze, facilitam a construção de obras ricas em detalhes e realismo.

Altos e baixos relevos em paredes e colunas diferenciam-se da escultura por se aproximarem mais do desenho e da pintura e não propiciarem a exploração do espaço tridimensional.

O uso da cor e da luz em uma escultura serve para gerar volume e também reforçar aspectos objetivos e subjetivos da obra, como o realismo ou simbolismo presente.

Embora contribua para a percepção de características como volume, textura e expressão, a escolha do material não interfere na transmissão de sensações como peso em uma escultura.

valorização do artesão e o uso de motivos orgânicos nos objetos elaborados.

desenvolvimento de propostas racionais funcionalistas como norteadoras do design.

enaltecimento ao desenvolvimento da indústria e da sociedade capitalista.

recusa ao apelo estético e aos materiais inovadores oferecidos pela indústria.

retorno ao modelo de produção artesanal medieval e o uso de formas racionais nos objetos.

A exploração das formas sobre as superfícies gera equilíbrio por homogeneidade nas três composições.

A distribuição simétrica dos elementos predomina nas três obras.

Na obra de Tintoretto, predomina o desequilíbrio decorrente da assimetria e da concentração dos pesos visuais na porção esquerda da composição.

Na gravura de Escher, o uso de formas diferenciadas e contrastantes dinamiza a composição, porém desestabiliza a imagem.

As três obras apresentam maneiras diferenciadas para obtenção do equilíbrio visual.

perspectiva oblíqua por Leonardo da Vinci na pintura A última ceia, para distribuir as formas em planos distintos.

a técnica do trompe l’oeil pelos três artistas como recurso para criar ilusão de ótica e propiciar ao observador a sensação de estar diante de um objeto real, tridimensional.

contraste entre claro e escuro por Goya para gerar distinção entre figura e fundo e a sensação de profundidade espacial.

perspectiva linear por Tarsila para propiciar a diminuição das formas e a percepção de distância em sua pintura.

técnica do trompe l’oeil por Tarsila em sua obra para planificar a paisagem.

Cubismo.

Simbolismo.

Fovismo.

Impressionismo.

Realismo.

Os estudos de Newton apontaram para a independência das cores dos corpos em relação à luz solar.

A ilustração da teoria de Newton demonstra que a luz branca decomposta não pode ser recomposta, fato decorrente da absorção dos raios luminosos pelos corpos por eles atingidos.

Embora apresentem divergências, os estudos de Newton e Goethe apresentam convergências ao defenderem a cor luz como única possível e condição essencial para a existência da cor pigmento.

No círculo cromático de Goethe, é possível perceber o fenômeno das cores complementares, demonstrado por meio do contraste de um matiz aos outros imediatamente próximos.

Entre os importantes resultados dos estudos da luz feitos por Newton, podem ser citadas a percepção da variação de grau de refração decorrente do material refrator e a descoberta da coloração dos corpos por meio da assimilação e reflexão dos raios luminosos.

criação da técnica do afresco e da pintura a óleo sobre tela.

descoberta da perspectiva linear e da proporção áurea.

conjugação das perspectivas aérea e linear para aumentar o sentido de realidade física.

estudo da teoria das cores de maneira científica e a eliminação da objetividade figurativa nas pinturas.

desenvolvimento da técnica do esfumado e a criação da tinta acrílica.

dinamismo na composição de Rafael e o predomínio estático na de Rubens.

contraste cromático da primeira representação e a harmonia das cores, luzes e sombras da segunda.

apelo teatral e expressivo na obra de Rafael e a contenção emotiva e expressiva na pintura de Rubens.

distribuição simétrica dos elementos visuais na primeira representação e a assimetria na segunda.

distribuição das formas em planos hierárquicos na composição renascentista e a eliminação da profundidade espacial na barroca.

Na litografia, assim como nos demais processos de gravação, a matriz não apresenta característica plana, pois os sulcos gerados pelo encavo inevitavelmente constroem formas em alto e (ou) baixo relevos.

Além da ponta seca e do buril, na calcogravura podem ser utilizados recursos químicos, como a água-forte e água-tinta, para a gravação do desenho da matriz.

A técnica da calcogravura surgiu em meados do século 19 e tornou-se o meio de reprodução de imagens mais adaptado ao sistema industrial.

A versatilidade e a qualidade superior das imagens criadas por meio do linóleo fez com que essa técnica se difundisse durante no início do século 20 e fosse utilizada tanto pela indústria quanto pela mídia impressa.

Embora permita a reprodução de várias cópias de um original, a gravura não elimina o caráter único da obra, uma vez que o valor artístico está somente na matriz.

A litografia consiste na fixação da imagem em uma matriz de pedra por meio de um processo químico que envolve o uso de ácidos e a repelência entre água e óleo.

A técnica do linóleo difere-se das outras técnicas por não utilizar o encavo na confecção da matriz.

Na xilogravura de topo e de fio, o corte da tábua e o encavo sobre a matriz são feitos da mesma maneira, variando somente quanto aos instrumentos utilizados.

Além da incisão sobre a matriz para a construção dos relevos, as quatro técnicas de gravação têm em comum a dependência de prensas para a transposição das imagens para o papel.

A calcogravura e xilogravura são os processos mais simples para a criação de matrizes, pois em ambas a construção dos relevos decorre unicamente de encavos feitos diretamente com hastes de perfuração e corte.