Observe a imagem:


(Sem título. 1962. Disponível em https://vogue.globo.com/lifestyle/cultura/Arte/noticia)

      Essa concepção da plástica do movimento propiciou a invenção de móbiles pelo artista, que associou os retângulos coloridos das telas de Mondrian à ideia de movimento. Seus primeiros trabalhos eram movidos manualmente pelo observador. Mas, depois de 1932, ele verificou que, se mantivesse as formas suspensas, elas se movimentariam pela simples ação das correntes de ar.
(Proença, 1994. Adaptado)

Texto e imagem indicam a obra de autoria

Observe a imagem: 


(Victor Vasarely. Triond. 1973. Serigrafia. Disponível em https://desahome.pl/victor-vasarely-triond-1973-89189.html)

      As obras desse movimento apresentam diferentes figuras geométricas, em preto e branco ou coloridas, combinadas de tal modo que provocam no espectador sensações de movimento. Além disso, se o observador mudar de posição, terá a impressão de que a obra se modifica: os traços se alteram e as figuras se movimentam, formando um novo conjunto pictórico. Enfim, trata-se de uma arte que, da mesma forma que a vida contemporânea, está em constante alteração.
(Proença, 1994. Adaptado)

O trecho e a imagem são exemplos do movimento artístico denominado

Os níveis de desenvolvimento estético que propõem quatro etapas – denominadas descrição, análise, interpretação e julgamento – na relação entre estudante e imagem ou obra de arte são de autoria de

Observe a imagem: 

A Estudante

(A Estudante, 1916. https://pt.wikipedia.org/wiki/A_Estudante)

Antes dos anos 20, são feitas em São Paulo duas exposições de pintura que colocam a Arte Moderna de um modo concreto para os brasileiros: a de Lasar Segall, em 1913, e aquela que vai apresentar, entre outras, a tela A estudante, 1916.

Sua autoria é de

Para Proença (1994), o interesse da Pop-art refere-se a

Segundo Iavelberg (2017), na contemporaneidade, em arte, privilegia-se a ideia em vez do fazer, incorporando objetos encontrados prontos no cotidiano como nos readymades de Marcel Duchamp ou, na Pop Art, com as caixas de sabão em pó Brilllo, de Andy Warhol, que, apropriados pelos artistas, são colocados em espaço expositivo, diferente de sua origem, passando a ser arte por deliberação poética.

Para Iavelberg (2017), esse procedimento é assimilação

Observe a imagem.

Disponível em: https://www.cartacapital.com.br/sociedade/caso-borba-

gato-o-que-fazer-com-a-homenagem-a-figuras-historicas-condenaveis/

A destruição de monumentos históricos é um tema complexo e polêmico. Pedestais e esculturas foram destruídos em todo o mundo, inclusive no Brasil. Na cidade de São Paulo, em 2016, a estátua do bandeirante Manoel Borba Gato foi depredada por pessoas que defendem 

Observe a imagem.

Fascinação, 1909. Disponível em: https://artsandculture.google.com/asset/fascina%C3%A7%C3%A3ofascination-pedro-peres/TgH9xBfcetk7mA?hl=pt-br

Pedro Peres (1850-1923) retratou fatos do cotidiano e do universo brasileiro. Em Fascinação, o registro pictórico apresenta 

“Inicialmente, a ideia de expor suas obras desta forma, era algo muito malvisto pelos artistas, que achavam uma desvalorização de sua arte. Contudo, em 1673, patrocinado pela monarquia e organizada pela Academia Real de Pintura e Escultura, uma divisão da Academia de Belas Artes, tivemos a primeira exposição semipública da história.  Acredita-se que esta tenha sido a primeira vez que obras de arte de variados artistas estavam acessíveis aos olhos do público, mas não em geral, pois seu acesso era restrito. O local escolhido foi o Salon Carré. A partir dela, começaram a surgir outras com o mesmo conceito: o de que qualquer artista poderia submeter suas obras a serem expostas”. 
Fonte: https://abra.com.br/artigos/exposicao-de-arte-conheca-algumas-das-mais-importantes-da-historia/ Acesso em 15/11/2024.
Dessa época para cá, as exposições ganharam o mundo e ocorrem frequentemente em muitas partes do planeta. Muitas delas merecem destaque pela importância. Aqui estão exemplos de duas que ocorreram no ano de 1913:
I- Em março daquele ano, ocorreu, em um salão alugado, em São Paulo, o que muitos consideram a primeira exposição de Arte Moderna do Brasil. Esse evento ficou marcado pela vinda de um jovem artista russo que veio para visitar os irmãos e aproveitou a ocasião para apresentar alguns de seus trabalhos. As obras trazidas eram marcadamente influenciadas pelo impressionismo alemão e pela pintura holandesa.
II- Também conhecida como “Exposição Internacional de Arte Moderna”, foi a primeira grande exposição de Arte Moderna a acontecer nas Américas. A sua origem é semelhante à de outros eventos desse tipo, já que nela artistas estadunidenses pretendiam desafiar os ideais estéticos da época e questionar a política excludente da National Academy Of Design. Obras fauvistas e cubistas foram apresentadas, gerando pesadas críticas e chocando o público. Essa mostra serviu como impulso para os artistas do país desenvolverem com mais liberdade as suas próprias identidades criativas.

Os itens I e II referem-se, respectivamente, à

As obras abaixo são exemplos de trabalhos de um(a) artista pós-impressionista e litógrafo(a) francês(a) nascido(a) em 24 de novembro de 1864 e falecido(a) em 9 de setembro de 1901. Ele(a) ficou famoso(a) por retratar a vida boêmia, da qual também fez parte, de Paris do final do século XIX. Mesmo tendo vivido por poucos anos, esse(a) artista ficou famoso(a) não só pela vasta produção, mas também pela qualidade e inovação presentes em suas criações. Não à toa, ficou conhecido(a) como um(a) revolucionário(a) no design gráfico dos cartazes publicitários, ajudando a definir o estilo que seria conhecido posteriormente como Art Nouveau. 

Analise os itens abaixo com base no exposto.
I- As obras acima foram criadas por Eugène-Henri-Paul Gauguin. Amigo de van Gogh, esse famoso artista demonstrou influência das gravuras japonesas, como fica evidente na Imagem 2. Sua vida e obra ficaram marcadas pelas viagens a países do terceiro mundo, no intuito de retratar as culturas daqueles lugares em busca de uma arte primitiva, como sugere a Imagem 3.
II- Henri Marie Raymond de Toulouse-Lautrec Monfa é o autor das obras das imagens 1, 2 e 3. Além delas, Toulouse-Lautrec retratou van Gogh em uma de suas obras. Ele tinha a habilidade de capturar as pessoas em seus ambientes de trabalho e costumava transferir para suas obras a atmosfera elétrica da vida noturna. Assíduo frequentador do Moulin Rouge, tornou-se personagem de alguns filmes que retratam esse famoso cabaré. Usava silhuetas em suas obras, como fica evidente na imagem 2.
III- Vincent Willem van Gogh foi um pintor e escultor pós-impressionista que se tornou uma das figuras mais famosas do mundo das artes. Além das obras apresentadas nas imagens 1, 2 e 3, van Gogh foi o autor de “O grito”, uma das obras expressionistas mais marcantes de todos os tempos. Sua vida foi extremamente conturbada pela depressão. As imagens 1 e 3 são exemplos explícitos da obscuridade e sofrimento de sua vida pessoal.
IV- Paul Cézanne e Hilaire Germain Edgar Degas, conhecido como Edgar Degas, foram pintores que, trabalhando detalhes técnicos de suas obras (como o traço mais forte para realçar as emoções), passaram do Impressionismo para o Pós-Impressionismo após terem contato com a obra revolucionária e inspiradora de Vincent van Gogh. As imagens 1 e 3 são exemplos do trabalho de Degas como autor pós-impressionista; já a obra da imagem 2 é um trabalho conjunto que mostra como esses dois artistas puderam unir forças para realizar um cartaz. O texto do enunciado, porém, refere-se apenas a Degas, pois este teve uma vida boêmia, enquanto Cézanne era padre.
V- Marie-Clémentine Valade, mais conhecida como Suzanne Valadon, após ser modelo de Vincent van Gogh, Jean Renoir e Toulouse-Lautrec, resolveu realizar autorretratos, como o da imagem 2, na qual ela está ao fundo, rodeada por homens que admiravam a sua beleza, um desses está retratado em primeiro plano e é o famoso compositor Eric Satie, seu amante. Na imagem 3, ela apresenta a ideia de um casal em discussão em um bar. Completando a trilogia, conhecida como “Da glória ao exílio”, na imagem 1, ela se retratou solitária.

É CORRETO o que se afirma apenas em:

Observe as imagens abaixo.

Marque a alternativa CORRETA, a partir do que é apresentado nas imagens acima.

As imagens abaixo correspondem a obras de arte de duas das mais reconhecidas artistas da história da Arte brasileira.

As autoras das imagens acima são, respectivamente 

Observe a imagem. (Unidade Tripartida, 1948-49. Max Bill. Museu de Arte Contemporânea da USP (MAC-USP). Disponível em https://acervo.mac.usp.br/ acervo/index.php/Detail/objects/16840)
A obra de Max Bill, Unidade Tripartida, premiada na 1ª Bienal de São Paulo, mostra a influência desse artista sobre os jovens artistas brasileiros que desenvolveram o Concretismo e o Neoconcretismo. Para Bill, havia a necessidade de pensar a arte sob uma perspectiva da

Observe a imagem. (Moema, 1866. MASP. Disponível em https://pt.wikipedia.org/wiki/Moema)

Segundo Barcinski (2015), a pintura Moema reformulou em termos nacionais um dos grandes gêneros da tradição europeia, o da paisagem histórica, permitindo a união do indianismo ao romance sentimental e erotismo, por meio da imagem feminina. Seu autor é:

A independência do Brasil de Portugal, em 1822, levou à construção de uma nova iconografia política e, mais uma vez, foi fundamental o papel dos artistas na realização das pinturas e na decoração das festas, na criação da nova indumentária imperial, na produção dos novos cetro e coroa. Para a construção dessa iconografia, Jean-Baptiste Debret usou modelo político já exaltado por ele.
(Barcinski, 2015. Adaptado)
Qual foi a imagem-referência utilizada na fabricação da iconografia do Império?

A trajetória artística de Anita Malfatti (1889-1964) foi desenhada a partir de dicotomias que fizeram dela uma das mais complexas e interessantes da história da arte brasileira. Entre questões práticas e espirituais, vivendo momentos de conflito e de superação, com dificuldades financeiras e inquietudes sobre sua arte, transitando entre a vanguarda e a tradição e tensionada entre o nacional e o universal, Anita sofreu duros questionamentos no ambiente artístico paulista da primeira metade do século XX.
Das obras abaixo, é de autoria da Anita Malfatti:

Para esses artistas, não interessava a representação de um corpo em movimento, mas, sim, a expressão do próprio movimento. Como pretendiam evitar qualquer relação com a imobilidade, recusaram toda representação realista e usaram, além de linhas retas e curvas, cores que sugerissem convincentemente a velocidade.

(Proença, 1994)

Essa utilização das linhas nesse contexto que enfatiza a representação da velocidade, segundo a autora, caracteriza qual movimento do início do século XX na Europa?

Observe a imagem.


(Ernst Kirchner – Cinco mulheres na rua, 1913. Museum Ludwig. Disponível em https://pt.m.wikipedia.org/wiki/Ficheiro:Kirchner_ -_F%C3%BCnf_Frauen_auf_der_Stra%C3%9Fe.jpg)

Cinco mulheres vestidas com roupas elegantes parecem imobilizadas numa calçada, observando uma vitrina. As extremidades de suas figuras são alongadas nas linhas dos sapatos e nos enfeites dos chapéus. Isso lhes confere um ar maldoso e arrogante, que é reforçado pelas expressões duras de seus rostos. Além disso, as vestes escuras contra os tons verdes do fundo enfatizam a sugestão de aspereza e de dificuldade de comunicação no relacionamento entre os seres humanos, ou ainda a atitude orgulhosa da burguesia, que elas parecem representar.

(Proença, 1994)

Proença (1994) apresenta a obra de Ernst Kirchner como um dos exemplos do Expressionismo.

Assinale a alternativa que apresenta uma característica do movimento.

Observe a imagem.


(Duas Taitianas com flores de manga, 1899. Metropolitan de New York. Disponível em https://commons.wikimedia.org/)

Na década de 1890, viveu no Taiti e produziu uma série de telas que registram o espaço natural e a vida simples das pessoas livres do peso da civilização ocidental, como pode ser observado em sua obra.
(Proença, 1994. Adaptado)

Trata-se de uma obra de

Iavelberg (2017) caracteriza a arte contemporânea, por sua organização: mais complexa, do que a arte moderna, em função da diversidade de modos e meios de ordenação dos objetos artísticos com a inclusão do espectador em interação no espaço da obra como parte da poética.

Nessa perspectiva, dentre as alternativas a seguir, assinale aquela que apresenta o movimento ou a escola artística que seria contemporâneo.