Boticcelli.

Donatello.

Michelangelo.

Tintoretto.

O grafite e a pichação constituem as linguagens específicas da arte urbana.

A inclusão de nomes como os irmãos Pandolfo (Os Gêmeos), nos circuitos artísticos, tem contribuído para a difusão do grafite em diversas esferas, incluindo a educação, em que constitui recurso para o desenvolvimento artístico e expressivo do aluno.

O caráter individual e a obediência a padrões estéticos prédefinidos marcam a linguagem do grafite.

O fato de os autores estarem associados exclusivamente a questões específicas de grupos e comunidades a que pertencem limita a expansão da arte urbana.

A cultura urbana e a popular têm em comum o fato de suas manifestações artísticas serem aceitas como tal somente a partir do reconhecimento acadêmico.

Tunga e Adriana Varejão.

Romero Brito e José Lins do Rego.

Hélio Oiticica e Almeida Júnior.

Lígia Clark e Victor Brecheret.

Vick Muniz e Mestre Valentim.

Além da ânsia pela modernização da arte no país, a Semana de 1922 significou uma tentativa de firmar uma identidade brasileira por meio da valorização dos tipos nacionais e da cultura popular.

Antes mesmo de anunciar o Modernismo na Semana de 1922, Tarsila do Amaral, Anita Malfatti, Di Cavalcanti e Oswald de Andrade haviam se dirigido a Paris para, assim como os acadêmicos do século 19, afirmar os cânones da arte predominantes no país.

A realização da Semana de 1922, em São Paulo, foi um provocativo contraponto em relação à cidade então tradicionalista e sem o desenvolvimento urbano característico de outras capitais à época.

Assim como a vanguarda europeia, o Modernismo brasileiro surgiu dotado de forte apelo popular, fato decorrente da própria origem de grande parte dos integrantes da Semana de Arte Moderna de 1922, vindos das classes baixas da sociedade, filhos de operários e camponeses.

Tarsila do Amaral foi a artista que melhor incorporou o espírito modernista brasileiro. Primeira a ter contato com a vanguarda europeia, teve participação fundamental na Semana de Arte Moderna de 1922 e nos movimentos Pau-Brasil, de 1924, e Antropofágico, de 1928.

valorização do artesão e o uso de motivos orgânicos nos objetos elaborados.

desenvolvimento de propostas racionais funcionalistas como norteadoras do design.

enaltecimento ao desenvolvimento da indústria e da sociedade capitalista.

recusa ao apelo estético e aos materiais inovadores oferecidos pela indústria.

retorno ao modelo de produção artesanal medieval e o uso de formas racionais nos objetos.

perspectiva oblíqua por Leonardo da Vinci na pintura A última ceia, para distribuir as formas em planos distintos.

a técnica do trompe l’oeil pelos três artistas como recurso para criar ilusão de ótica e propiciar ao observador a sensação de estar diante de um objeto real, tridimensional.

contraste entre claro e escuro por Goya para gerar distinção entre figura e fundo e a sensação de profundidade espacial.

perspectiva linear por Tarsila para propiciar a diminuição das formas e a percepção de distância em sua pintura.

técnica do trompe l’oeil por Tarsila em sua obra para planificar a paisagem.

Cubismo.

Simbolismo.

Fovismo.

Impressionismo.

Realismo.

criação da técnica do afresco e da pintura a óleo sobre tela.

descoberta da perspectiva linear e da proporção áurea.

conjugação das perspectivas aérea e linear para aumentar o sentido de realidade física.

estudo da teoria das cores de maneira científica e a eliminação da objetividade figurativa nas pinturas.

desenvolvimento da técnica do esfumado e a criação da tinta acrílica.

dinamismo na composição de Rafael e o predomínio estático na de Rubens.

contraste cromático da primeira representação e a harmonia das cores, luzes e sombras da segunda.

apelo teatral e expressivo na obra de Rafael e a contenção emotiva e expressiva na pintura de Rubens.

distribuição simétrica dos elementos visuais na primeira representação e a assimetria na segunda.

distribuição das formas em planos hierárquicos na composição renascentista e a eliminação da profundidade espacial na barroca.