No livro “Arte Contemporânea: uma história concisa” (ARCHER, 2001), “[…] não parece haver mais nenhum material particular que desfrute do privilégio de ser imediatamente reconhecível como material da arte: a arte recente tem utilizado não apenas tinta, metal e pedra, mas também ar, luz, som, palavras, pessoas, comida e muitas outras coisas”. Considere o excerto que anuncia a diversidade de materiais em relação à Arte Contemporânea. Leia com atenção as afirmações e assinale a resposta que corresponde à referida concepção de arte: 

(FREIRE, 1995, p. 8 apud Pillar,1999, p.14) argumentou que aprender a ler, a escrever e alfabetizar-se é “aprender a ler o mundo, compreender seu contexto”, não de forma mecânica, mas numa relação dinâmica que vincula linguagem e realidade. No entanto, a leitura de uma imagem ou uma obra de arte de um artista, se faz necessário entender que foi produzida “num determinado contexto, numa determinada época, segundo sua visão de mundo” (PILLAR, 1999, p. 15). Cildo Meireles (1948), autor da obra, abaixo, denominada Inserções em circuitos ideológicos: Projeto Coca-Cola (1970), usou objetos do cotidiano, dentre eles garrafas de Coca-Cola. E inseriu mensagens críticas sobre a política brasileira e o intervencionismo americano. O propósito era gravar ou adesivar, nas garrafas, informações e opiniões críticas e devolvê-las à circulação (MEIRELES, 2006). A partir dessas informações de Meireles (2006), marque a alternativa que corresponde à obra Inserções em circuitos ideológicos: Projeto Coca-Cola (1970):

                                                        Fonte: https://www.researchgate.net/figure/Figura-4-Cildo-Meireles-insercoes-em-circuitos-ideologicos-Projeto Coca-cola-1970_fig4_345771790  

Paes Loureiro (1985) apud Fletcher (2018), discutiu sobre as Artes Visuais na Amazônia, em sintonia com alguns discursos decolonizadores, problematizando o binarismo existente no que denomina de alta cultura, como aquela vinda de fora, e a baixa cultura, para a produção local. A arte com este entendimento cultural, deveria “servir a sujeitos concretos, em especial às classes populares, aos homens da religião, aos seres dos rios e dos campos, categorias de subalternos e marginalizados do processo controlado de nosso desenvolvimento” (PAES LOUREIRO, 1985, p.114 apud FLETCHER, 2018, p. 5).
Fletcher (2018) organizou uma historiografia apontando vários teóricos e seus pensamentos sobre a arte decolonial na América Latina. Em contrapartida, cita também alguns pesquisadores na Amazônia paraense, apresentando seus argumentos numa perspectiva contra hegemônica. Nesse sentido, a arte na Amazônia, em sintonia com a abordagem decolonial, tem suas manifestações por meio de:
I. Manifestações estéticas em objetos industrializados, como: banquinhos, roda de bicicleta, garrafas de refrigerantes e latas.
II. Manifestações estéticas em objetos com resinas, pigmentos, argila, miriti, entrecascas de árvores, variedades de madeiras e cipós.
III. Manifestações estéticas em oratórios, nas casas, em barcos, em brinquedos, em tronco de árvores, em pedra sabão, mármore e argila.
IV. Manifestações estéticas em oratórios, nas casas, em barcos, em brinquedos, em tronco de árvores.
V. Manifestações estéticas em oratórios, em esculturas em aço, na fachada dos prédios, em vasos de porcelana, em tronco de árvores e em panelas de ferro.
Assinale a alternativa que corresponde às manifestações de arte, na Amazônia paraense, em sintonia com o entendimento de Arte Decolonial:

A pública, disponível nas praças e nos espaços da cidade, é uma forma democrática de expressão, onde as pessoas, de uma determinada sociedade, e visitantes têm acesso direto à arte. Essas intervenções estéticas ocorrem também em diálogo entre o urbano e a cultura dos povos tradicionais. Nesse sentido, a partir de 2014, o Projeto Street River Amazônia, iniciativa do artista visual e grafiteiro conhecido como Sebá Tapajós, vem acontecendo na Ilha do Combu, em Belém. Com relação às afirmações a respeito do Projeto Street River Amazônia, é correto afirmar:

                       Fotografia: Adalberto Rossette (2017). Fonte: https://www.redbull.com/br-pt/street-river  

Leia o excerto de Uberti (2014, p. 36) “Eduardo Kobra, ao desenvolver sua poética em Arte Pública, vivencia essa relação com o espaço e o público, desde a escolha do lugar, muro, onde a obra será produzida, assim como a imagem que pode se adequar ao espaço, dentro de critérios definidos pelo artista, em busca de uma identificação com o local de pertencimento, a partir das imagens das cidades, usadas por ele para seus murais”. Das assertivas indicadas a seguir, identifique as que são relacionadas ao artista Kobra:
I. Kobra sofreu influência, em sua arte, do hip hop, um dos movimentos artísticos do final dos anos 1960, assim como de alguns artistas como Diego Rivera (1886-1957), do brasileiro Di Cavalcanti (1897-1976) e de Jean Michel Basquiat (1960), dentre outros.
II. Kobra sofreu influência, em sua arte, do funk da periferia, um dos movimentos artísticos do final dos anos 1970, assim como de alguns artistas como Duchamp (1887-1968), do brasileiro Cildo Meireles (1948) e do ilustrador e grafiteiro Alex Senna (1983), dentre outros.
III. O que diferencia Kobra dos demais artistas é a sua temática e técnica, bem como ideias vinculadas aos conceitos de tecnologia e a maneira como entrelaça seu trabalho com cenas de diversas culturas, referentes às cidades que recebem suas obras.
IV. O que o diferencia Kobra dos demais artistas é a sua temática e técnica, bem como ideias vinculadas aos conceitos de memória e a maneira como entrelaça seu trabalho com o local, partindo das imagens de cenas do cotidiano das cidades que recebem suas obras.
V. Os murais do artista Eduardo Kobra são produzidos nos espaços urbanos das cidades, em viadutos, túneis, fachadas de prédios privados e públicos, pois o artista considera a cidade e seu espaço urbano como o ateliê e os muros como telas.
Tendo em vista o texto e as assertivas, está correto a alternativa:

No excerto a seguir, Bergman (2014) comenta algumas ideias, que circulavam entre os adeptos do Futurismo, movimento liderado pelo poeta italiano Filippo Tommaso Marinetti, bem como a relação dessas com as transformações dos valores estéticos das vanguardas europeias:
“Os futuristas chamavam-se de “os homens do futuro” e, com isso, prestaram-se à ironia dos jornalistas e dos críticos da época. Eles se consideravam, ainda, como os avant-postes (“postos avançados”) os mais expostos da vanguarda daquele tempo. Paolo Buzzi, em resposta à questão de qual classe preferia ao viajar de trem, disse seriamente: “Eu não viajo nem na primeira, nem na segunda classe. O meu posto é sobre a locomotiva”. Essa resposta parece-nos totalmente significativa da mentalidade dos jovens futuristas. Muitas vezes, os futuristas revelaram uma “inocência original”, a vontade de tudo recomeçar depois de ter-se libertado do passado e, com frequência, encontramos nos manifestos e nas obras futuristas reivindicações de possuir uma espécie de primitivismo elementar, significando a faculdade de poder olhar a realidade com olhos novos, de poder perceber o mundo através de todos os sentidos” (BERGMAN, 2014, p.220).
O mesmo autor esclarece que o termo “futurismo” fora da Itália, “torna-se uma palavra da moda com um sentido bastante vasto – melhor dizendo, a palavra quase se torna destituída de sentido – significando uma atmosfera de juventude e um espírito combativo antitradicionalista em geral”. Por meio dessa interpretação, o grupo de artistas e intelectuais, que no Brasil apoiava as tendências estéticas de vanguarda, recebeu inicialmente a denominação de “futuristas”. “De certo modo, “Futurismo” é a palavra que reúne toda a ideia de modernização de que estava carecendo a cultura nacional naquele momento. Um trecho do primeiro manifesto da estética futurista, de 1909, ajuda a apreender sua elaboração conceitual: “Admirar um velho quadro é verter nossa sensibilidade numa urna funerária, em vez de lançá-la adiante pelos jatos violentos da criação e ação” (NASCIMENTO, 2015, p.381).
A aproximação dos artistas do grupo brasileiro com o ideário futurista pode ser identificada na concepção de renovação da arte brasileira na qual: 

Cem anos depois, a Semana de Arte Moderna de 1922 continua a despertar interesse e divergência de opiniões: “Não é a Semana que sustenta sua força, mas sim os seus vetores futuros de Andrades, Malfattis e Bandeiras. A Semana em si, como todo mito de fundação, torna-se uma narrativa em repetição que demarca um espaço-tempo de algo antes e além” (COELHO, 2021, 33), esclarece Coelho. Algumas das mais importantes Instituições culturais brasileiras estão com uma vasta programação para lembrar o Centenário da Semana de Arte Moderna, que acontece em 2022. O Museu de Arte Modena do Rio de Janeiro (MAM) promoverá, no período de 2 de julho de 2022 a 29 de janeiro de 2023, a exposição “Nakoada”, com curadoria de Denilson Baniwa e Beatriz Lemos. Denilson é um dos nomes mais representativos da arte indígena contemporânea. Lê-se no site do Museu o seguinte comentário acerca da exposição:
“Nakoada é parte do conjunto de éticas de guerra Baniwa. Em seu vasto campo de significados, Nakoada seria o estudo e profundo entendimento de outra cultura para exercer a habilidade de capturar conhecimentos não-indígenas e construir narrativas que sejam radicais na continuidade da vida e dos saberes indígenas. “Em outras palavras, uma contra antropofagia ou re-antropofagia”, explica Beatriz Lemos”.  

Encontra-se nas páginas do catálogo da exposição “Ismael Nery em busca da essência”, a seguinte análise da obra do artista (1900-1934): “Dentro da produção de seus contemporâneos, locais e internacionais, talvez a única que parece emparelhar-se com a sua seja a obra de Frida Kahlo, artista que, não gratuitamente, também recebeu reconhecimento definitivo apenas nos anos 90. Embora essa artista mexicana tenha feito de seus desenhos e pinturas a ilustração de sua vida realmente vivida e também daquela sonhada – fato menos óbvio em Ismael Nery –, na obra de ambos o desencanto ou a insatisfação com os limites do corpo físico são uma constante. Daí, então, a necessidade percebida, tanto numa obra quanto na outra, de romper com esses limites, transcendê-los e estabelecer pontes ou situações de fusão com o outro, seja esse outro não uma pessoa ou o próprio cosmo” (2015, p 80).
Apesar da obra de Frida e Nery serem constantemente associadas à estética surrealista, cada um dos autores trilhou seu próprio caminho. Observando as obras Auto Retrato (1927) e A coluna partida (1944), identifica-se que a aproximação entre a obra de Nery e Frida. Ressalta-se, principalmente, na poética pessoal e intimista dos dois artistas. Nesse sentido, a aproximação à estética surrealista se apresenta:

                         
Fonte: Autorretrato: https://masp.org.br/acervo/obra/autorretrato-rio-paris. Coluna quebrada https://g.co/arts/255EUaYZrtSjna4P8 

A tendência expressionista, nas artes, é anterior ao aparecimento do movimento de vanguarda que aparece na Alemanha (1905), notoriamente, em oposição ao Impressionismo francês. O Expressionismo alemão como movimento estético estende sua influência às artes em geral: música, literatura, fotografia etc. A escola expressionista alemã marca um capítulo especial na história do cinema da década de 1920, e mudou a cena cinematográfica. Ao analisar a influência da estética expressionista, na obra de Tim Burton, Abreu (2007) descreve:
“A Cidade do Halloween, assim como Gotham City, contém vastos complexos de formas recortadas, pontudas, lembrando muito os padrões góticos. Os cenários são repletos de objetos materiais que sofreram uma representação mais emocional. A cidade parece um recorte de filmes como O gabinete do Dr. Caligari e Nosferatu ou paisagens das telas de Münch, Klee, Chagall ou Kandinsky. Os tetos e as chaminés oblíquos e confusos, janelas com arabescos distorcidos, as sombras em desarmonia com os efeitos de luz, são todos elementos constantemente presentes em obras de conteúdo expressionista. Tais características são evidentes nas obras de Burton.
As personagens de O estranho mundo de Jack não fogem desses padrões. Jack Skellington, o protagonista, é feito de ossos e se veste todo de negro, usando uma gravata que imita um morcego. Arranca sua cabeça para citar Shakespeare com naturalidade e facilmente se desfaz de uma costela para entreter o seu estimado cão Zero. A mesmice e a passividade de sua rotina assolam a personagem, deixando-o angustiado e taciturno. Sally, a boneca de trapos, se desmembra com extrema facilidade, ora para escapar de seu criador, o Dr. Finklestein, que levanta habitualmente a parte superior se seu desfigurado crânio para coçar o cérebro, ora para salvar o próprio Papai Noel das garras do hilário Oogie Boogie, um ser totalmente recheado de insetos viscosos. Ao se desmem-brar, Sally costura por sua conta as partes de seu corpo. Essa alusão à obra de Mary Shelly é a grata surpresa do filme, sendo que a personagem não existe no livro. O andar desen-gonçado, o equilíbrio precário, os olhos esbugalhados e a boca toscamente cortada encantam o filme” (ABREU, p.229).
Com seu formato alternativo, o cinema expressionista apresenta como uma característica importante:  

 Conforme Santaella (2005): “Desde o nascimento do modernismo, os artistas demonstraram uma verdadeira fascinação pelas novas tecnologias. Gradualmente, as tecnologias foram tomando a linha de frente do experimentalismo nas artes até o ponto de muitos curadores terem abandonado as formas tradicionais de arte, pintura e escultura, por não as considerar contemporâneas. A fotografia, as imagens digitalizadas, os vídeos, os filmes e, principalmente, as várias formas de instalação e arte ambiental midiática passaram a ocupar um espaço legitimizado em museus e galerias”. (2005, p.13-14).
A partir do contexto apresentado, acerca das pesquisas experimentais contemporâneas, afirma-se quanto ao uso de novas tecnologias: 

O avanço das tecnologias digitais possibilitou a aproximação de universos distantes e distintos por meio da tela do computador. Museus do mundo todo vêm criando visitas virtuais, nas quais o visitante pode acessar salas e obras do acervo e do espaço físico dos museus sem sair de casa. Por outro lado, as exposições contemporâneas tornam-se cada vez mais interativas e permitem que o expectador entre nas obras de arte para conhecê-las sob a ótica de um novo formato de experiência sensorial. Dois exemplos estão nas Exposições "O olhar mágico de Escher", uma das mais visitadas no mundo, e "Paisagens Impressionistas de Claude Monet" que, em 2022, poderá ser visitada em algumas capitais brasileiras.
Sobre a relação das novas tecnologias com a Arte, é correta a afirmativa: 

A invenção da fotografia no século IX, revolucionou e surpreendeu pela rapidez com que a nova técnica capturava a imagem com precisão e realismo, efeito que para a pintura e a escultura exigia um longo e árduo trabalho do artista. Santaella (2015) comenta: “Embora a fotografia e a arte nunca tenham deixado de manter sua autonomia relativa, também nunca cessaram de manter relações de atração e repulsa, de incorporação e rejeição. Se, durante o século XIX, era a fotografia que aspirava à condição da arte, no século XX foi a arte que se impregnou de certas lógicas formais, conceituais, perceptivas, ideológicas, entre outras, que são próprias do fotográfico”. (2005, p.23).
Discussões à parte, é correto afirmar que: