Participação e desenvolvimento nos jogos de atenção, observação, improvisação, etc.

Reconhecimento e utilização dos elementos da linguagem dramática: espaço cênico, personagem e ação dramática.

Experimentação e articulação entre as expressões corporal, plástica e sonora.

Experimentação na improvisação a partir de estímulos diversos (temas, textos dramáticos, poéticos, jornalísticos, etc., objetos, máscaras, situações físicas, imagens e sons).

Experimentação na improvisação, sem necessidade de regras e independente da atividade proposta.

A pop art, de Andy Warhol, era uma recusa aos elementos pop em favor de uma retomada dos cânones clássicos.

O futurismo constituiu uma vertente que privilegiava as utopias tecnicistas e o progresso, deixando de lado a preocupação política.

O abstracionismo teve em Kandinsky um dos principais expoentes no mundo contemporâneo.

O impressionismo tinha como objetivo impressionar o público, como se observa em A Fonte, de Marcel Duchamp.

O surrealismo, de Salvador Dalí, estreou na exposição de arte no Salão dos Recusados em Paris, em 1874.

A peça Eles não usam black-tie (1958), de Gianfrancesco Guarnieri, que explorou os cotidianos e os dilemas da classe operária urbana, é um exemplo do teatro politicamente engajado e do florescimento cultural das esquerdas entre os anos 1950 e 1970.

O espetáculo Opinião, dirigido por Augusto Boal, evitou a crítica direta e insurgente ao regime militar, bem como o tratamento de temas polêmicos.

O Tropicalismo, movimento ocorrido em 1967-1968, rejeitou a influência da contracultura, impulsionada nos Estados Unidos da América, ao passo que defendeu a conexão “nacional-popular” com a mais profunda brasilidade.

O Teatro de Arena foi uma iniciativa dos modernistas românticos dos anos de 1930.

A repressão desencadeada pelo AI-5 não teve impacto sobre a vida cultural do País, posto que a agitação cultural e política das esquerdas havia se encerrado antes de 1968.

O Modernismo foi um movimento formal e vanguardista associado apenas à Semana de Arte Moderna, ocorrida em São Paulo, em 1922.

Os modernismos também podem ser pensados a partir das sociabilidades e dos cotidianos urbanos, como os expressos nas revistas de humor, nos cafés literários e nos salões. A tentativa de compreender a brasilidade mostrou-se o aspecto central de diferentes iniciativas.

Organizada após o assassinato do presidente João Pessoa, a Revolução de 1930 foi composta por um grupo político homogêneo e crítico ao governo Washington Luís.

A cultura modernista dos anos de 1920 e de 1930 fez um elogio à modernidade excludente brasileira e coadunou com a imagem de descrença evolucionista perante a população negra e mestiça do País.

A “Reação Republicana” nas eleições de 1922 foi liderada pelas camadas populares urbanas, insatisfeitas com o sistema oligárquico vigente.

habilidades artísticas e culturais dos sujeitos.

vocações religiosas e pedagógicas dos mestres.

naturezas antropológica e etnográfica dos expositores.

preservações arquitetônica e visual dos conservatórios.

competências econômica e financeira dos comerciantes.

representação da nudez masculina.

distorção ao representar a figura humana

evocação de um fato da cultura clássica grega.

presença do tema da morte como punição da família.

utilização da perspectiva para integrar os diferentes planos.

O plano de aula deve ser um documento rígido, pois o planejamento prévio das aulas não deve ser alterado posteriormente.

O processo de planejar uma aula de teatro envolve tanto os pontos de partida quanto um fim preestabelecido, favorecendo a diretividade da ação.

Todo plano de aula de teatro precisa conter objetivos, metodologia e avaliação, mas não deve abordar os conteúdos, que serão construídos a partir das aulas, e os recursos didáticos, porque os professores não sabem de antemão qual tipo de estrutura e de recursos terão disponíveis.

Em todo início de processo artístico-pedagógico, a sondagem ou o diagnóstico constitui-se como a primeira etapa do planejamento de ensino que visa a conhecer a turma e as respectivas necessidades de aprendizagem.

A aplicação de jogos teatrais deve ser a única estratégia utilizada como procedimento metodológico previsto nos planos de aula.

Formação de um círculo de discussão para relembrar as práticas da aula anterior e abordar brevemente os conteúdos a serem trabalhados na aula do dia.

Roda de conversa acerca das temáticas trabalhadas em outras disciplinas em que as crianças estão matriculadas.

Avaliação final com atribuição de nota classificatória A, B, C ou D para o desempenho de cada estudante nos jogos aplicados durante a aula de teatro.

Aplicação de jogos por meio do smartphone de cada estudante, de livre escolha para cada um.

Sessão de vídeos no Youtube para municiar as crianças de parâmetros a serem seguidos nas representações que serão elaboradas a partir dos jogos.

A utilização dos jogos teatrais oportuniza aos educandos a vivência do fazer teatral profissional, a exemplo das grandes companhias teatrais brasileiras.

No formato proposto palco/plateia, não se usam os procedimentos dos jogos de foco, instrução e avaliação, sistematizados por Spolin.

O trabalho com os jogos teatrais, como experiência, provoca os jogadores a relacionar experiências presentes, mas não as passadas.

No desenvolvimento da metodologia improvisacional dos jogos teatrais de Spolin, o professor deve instruir os jogadores a todo momento e registrar o trabalho por fotos e vídeos.

Spolin propõe que o trabalho com os jogos a partir da estrutura dramática contenha o quem (personagem/relacionamento), onde (cenário/ambiente) e o quê (ação).

O ensino de teatro envolve os sujeitos em uma atmosfera de competição, em constante disputa por protagonismo nas produções teatrais escolares.

Os modos de aprender o fazer teatral na escola se constroem no uso de textos teóricos oriundos da Grécia antiga, berço do teatro ocidental.

O jogo teatral pode ser entendido como estrutura mínima para o ensino de teatro, pois mobiliza um saber por intermédio da experiência corpórea e sensível.

As estratégias para o aprendizado de teatro se constroem na ativação de linguagens específicas de expressão corporal.

Pensando em uma didática específica para o teatro, destaca-se o jogo teatral como metodologia para esse ensino, presente exclusivamente nas etapas iniciais da experiência teatral.

No ensino de teatro no ensino médio, não estão previstas demandas que contemplem o acesso dos estudantes a espaços artísticos e a teatro por dificuldade logística.

O elemento fundamental da linguagem teatral é a escrita dramatúrgica, portanto a realização de leituras dramáticas consiste na metodologia de ensino de teatro mais adequada para o ensino médio.

O ensino de teatro no ensino médio não deve admitir uma abordagem que permita a conexão com conhecimentos trazidos pelos estudantes.

A contextualização, a fruição, a apreciação estética e a produção são etapas do ensino de teatro no ensino médio, porém sem compreensão crítica do processo.

Diante da impossibilidade de abordar todos os tipos de teatro existentes a partir dos processos sócio-histórico-culturais da humanidade, a proposta é que os estudos de teatro para o ensino médio se pautem pela representação cênica.

A preparação é composta por aquecimentos (jogos para iniciar a oficina) e desaquecimento (jogos para encerrar a oficina).

O foco é o objetivo do jogo, instrumento para adquirir experiência, e pode ser lido diretamente para a classe.

A descrição diz respeito aos personagens e ao enredo da história a ser encenada.

A instrução consiste em uma série de enunciados a serem lidos por todos os participantes antes do jogo, mas não devem ser falados pelo coordenador no decorrer dessa atividade.

A avaliação é uma atribuição de nota (de 0 a 10) feita pelo coordenador quanto ao desempenho dos jogadores durante o jogo.

Investigar e experimentar as funções teatrais de diretor e de ator, uma vez que outras atribuições, como figurinista, iluminador, sonoplasta, maquiador e cenógrafo, exigem competências que extrapolam o âmbito da educação básica.

Pesquisar e analisar diferentes estilos visuais, contextualizando-os no tempo e no espaço, bem como ampliar o respectivo repertório estético e imagético.

Recorrer a possibilidades vocais e (ou) instrumentais para a expressão musical.

Criar cenas e esquetes teatrais, partindo de processos criativos individuais e coletivos, utilizando figurinos, maquiagens, adereços e objetos diversos, problematizando questões sociais, culturais, étnico-raciais, econômicas, políticas e de gênero.

Analisar e experimentar os elementos constitutivos do movimento, tais como peso, tempo, espaço, fluência, deslocamentos, níveis, formas, direções, ritmo.

É importante que o estágio se estruture na lógica da aplicação do como se faz, oportunizando ao estagiário a utilização dos conteúdos apreendidos durante sua formação.

O conteúdo adquirido em disciplinas práticas ao longo da graduação em teatro/artes cênicas, ligadas ao campo da interpretação e encenação, deve ser replicado sem adaptações no contexto da regência de aula no estágio.

O estágio curricular deve ultrapassar a noção de aplicação de um conjunto de técnicas específicas do conhecimento teatral, sendo o espaço para a imersão do aluno no ambiente escolar, na profissão docente, na prática pedagógica e nos respectivos rituais.

O estágio curricular é o espaço no qual os alunos (em formação) revelam as próprias potencialidades, camuflando possíveis falhas no processo de formação.

O momento do estágio não permite ao aluno compreender os espaços fora da sala de aula como locais possíveis de serem ocupados pela atividade teatral, tais como cursos ou oficinas regulares, pois estes devem ser ministrados unicamente no contexto das aulas do ensino básico formal.

Na educação básica, a presença de experiências com teatro, música, dança e artes visuais inviabiliza a presença e a aprendizagem de outras expressões artísticas, como as artes circenses, o audiovisual e a moda.

A experiência com as expressões artísticas na escola não necessita ser realizada por profissionais especializados nas áreas.

As artes são experiências individuais, que somente ampliam a própria percepção do artista, mas não em relação aos outros.

O campo das artes é complexo, repleto de possibilidades, opera e organiza a imaginação, a sensibilidade, a criatividade, a cognição.

Práticas artísticas/culturais relativas ao universo feminino, homossexual, afrobrasileiro, indígena, da cultura infantojuvenil e dos sujeitos com necessidades especiais não devem ser abordadas pelos professores de artes.

Ao utilizar o corpo como elemento expressivo, o fazer teatral possibilita o desenvolvimento das habilidades sensoriomotoras do educando.

A encenação de peças infantis é uma das principais estratégias de ensino de teatro em séries iniciais.

O jogo teatral visa ao desenvolvimento do senso de competição entre os educandos.

A pedagogia do teatro tem como principal objetivo a formação de atores e de atrizes mirins para atuarem comercialmente.

Os exercícios propostos por meio dos jogos teatrais somente têm plena aplicação ao serem relacionados com conteúdos de outras disciplinas.

A criação do curso de artes cênicas na Universidade Federal de Goiás (UFG), junto à Escola de Música e Artes Cênicas da UFG, no ano de 1990.

A formação de um conjunto de ópera junto à Filarmônica de Goiás na década de 1980.

O advento da construção de um teatro, o Teatro Inacabado, para servir de palco para a formação de artistas educadores em Goiânia.

A escrita e a produção de peças de teatro infantil, voltadas para o público de escolas de ensino fundamental de todo o estado de Goiás.

A implantação do primeiro curso técnico de arte dramática em Goiás, em 2008, junto ao Centro de Educação Profissional em Artes Basileu França.

A obra Improvisação para o Teatro, da teatróloga norte-americana Ariane Mnouchkine, foi fundamental para o desenvolvimento de pesquisas teatrais na educação fundamental brasileira.

A formação específica em teatro/artes cênicas proporciona ao docente uma expertise para o trabalho com jogos teatrais e com outras estratégias pedagógicas ligadas ao fazer teatral.

A oferta de formação em teatro/artes cênicas está restrita apenas às capitais brasileiras.

O teatro na educação vem se instaurando como uma importante área do saber ao longo dos últimos anos, embora ainda não existam pesquisas relacionadas à temática realizadas em pós-graduações em nível de mestrado e doutorado.

O profissional formado em educação artística exercia com maior competência a função de docente na área de teatro/artes cênicas em razão da própria formação ampla em outras linguagens artísticas.

O trabalho com um número elevado de alunos, entre 50 e 60 por turma, é um facilitador da prática teatral, pois ela necessita do trabalho coletivo com grupos numerosos.

Montagens de espetáculos em datas comemorativas, como Dia das Mães, Dia da Árvore, Proclamação da República, entre outras, representam a melhor estratégia pedagógica para o ensino da arte teatral.

As aulas de teatro podem se adaptar a qualquer espaço, portanto a sala de aula tradicional, mesmo com a presença de mesas e cadeiras, é um local adequado para o exercício dessa disciplina.

A pedagogia teatral exercida por meio de práticas corporais, de jogos, de improvisações e de dinâmicas possibilita o exercício do fazer teatral pleno, mesmo sem a montagem de espetáculos no contexto escolar.

Os jogos teatrais são ferramentas pedagógicas importantes para o trabalho com outros conteúdos curriculares.