As paredes executadas em adobe possuem bom desempenho como isolante acústico, devido à sua alta densidade.

Duas placas de gesso separadas por um espaço vazio podem ser uma boa opção de parede divisória quando se pretende ter o isolamento acústico entre duas salas.

Um grande desafio atual para a tecnololgia dos materiais de construção é conciliar o bom desempenho acústico com a estética, a resistência a incêndios e a resistência à degradação biológica, pois hoje isso ainda não é possível.

Qualquer material pode ter um bom desempenho acústico, desde que seja corretamente empregado.

A madeira, mesmo não estando entre os materiais com as melhores propriedades acústicas, pode ser considerado um material com bom desempenho de absorção acústica.

Nos locais com clima úmido, as janelas devem ficar abertas durante um certo período do dia para que a ventilação natural contribua para minimizar os danos que possam vir a ser causados pela umidade excessiva.

Controlar a radição incidente direta, principalmente sobre os elementos artísticos, utilizando cortinas rolo tela com proteção solar.

Evitar ao máximo, e sempre que possível, a utilização de controle ativo de condições ambientais, como o ar-condicionado, para que não altere as condições climáticas às quais a edificação sempre esteve exposta.

Em qualquer intervenção visando à melhoria das condições climáticas da edificação, além de se considerarem as condições de preservação e conservação, devem ser observadas as características climáticas da região em que o imóvel se encontra inserido.

Em climas secos, como os desérticos, com maiores amplitudes térmicas diárias, o cuidado com a ventilação na edificação tombada deverá ser a mesma quando ela estiver localizada em clima tropical, ou seja, deve-se deixar as janelas abertas em certo período do dia.

material granulado nas proximidades da peça de madeira atacada.

manchas na cor castanho escuro na superfície da madeira.

pó fino e claro nas proximidades da peça de madeira atacada.

mancha esbranquiçada na superfície da madeira.

grandes fendas na superfície da madeira.

artista ou grupo artístico somente como pessoa física.

artista ou grupo artístico, como pessoa física ou jurídica, diretamente ou por intermédio de seu empresário.

empresário de artista ou de grupo artístico, unicamente como pessoa jurídica.

artista ou empresário, unicamente como pessoa física, diretamente ou por meio de procuração.

artista ou grupo artístico como pessoa física ou jurídica, porém de modo direto, sem intermédio de empresário ou procuração.

prioriza o resultado final obtido pelo aluno cuja concretização se dá por meio da capacidade de produzir boas obras de arte.

privilegia os símbolos linguísticos para representação dos sentimentos.

contrapõe propostas didáticas modernas de associar o aprendizado à vivência cotidiana.

usa elementos do cotidiano como sons e imagens para promover o desenvolvimento cognitivo e afetivo individual de maneira autônoma.

atua essencialmente na construção de saberes acerca de técnicas materiais e sua aplicação no cotidiano.

a fragmentação do processo de ensino-aprendizagem, com cada disciplina sendo trabalhada dentro de sua especificidade.

privilegiar a criatividade em detrimento de outras funções da arte.

o foco no ensino das linguagens e da história da arte de modo dissociado de outras áreas de conhecimento.

a utilização da arte com fim específico de despertar o lúdico de modo objetivo e prático.

favorecer o aluno à aplicação de vários conhecimentos integrados na solução de problemas

O grafite e a pichação constituem as linguagens específicas da arte urbana.

A inclusão de nomes como os irmãos Pandolfo (Os Gêmeos), nos circuitos artísticos, tem contribuído para a difusão do grafite em diversas esferas, incluindo a educação, em que constitui recurso para o desenvolvimento artístico e expressivo do aluno.

O caráter individual e a obediência a padrões estéticos prédefinidos marcam a linguagem do grafite.

O fato de os autores estarem associados exclusivamente a questões específicas de grupos e comunidades a que pertencem limita a expansão da arte urbana.

A cultura urbana e a popular têm em comum o fato de suas manifestações artísticas serem aceitas como tal somente a partir do reconhecimento acadêmico.

Tambor de Crioula, no Maranhão, e o Modo de Fazer Viola-de-Cocho, comum na região Centro-Oeste

Pão de Açúcar e o Cristo Redentor, no Rio de Janeiro.

Feira de Caruaru, em Pernambuco, e o Centro Histórico de Manaus – AM.

Festa do Divino Espírito Santo, em Pirenópolis – GO, e o Conjunto Histórico de Paracatu – MG.

Serra da Piedade, em Minas Gerais, e a Igreja Positivista, no Rio de Janeiro.

O isopor é o mais indicado para maquetes de edificações, pois sua composição permite a utilização de qualquer tipo de cola ou tinta.

O uso da escala e o tamanho da maquete são determinantes na escolha dos materiais a serem utilizados.

Por se tratar de uma mera representação do objeto imaginado, o uso de escala em uma maquete é dispensável.

Uma maquete deve, obrigatoriamente, obedecer a uma escala que reproduza fielmente as proporções do objeto real e seus detalhes.

Na construção de uma maquete, independentemente do tamanho, é aconselhável o uso dos mesmos materiais e cores a serem utilizados no objeto original.

gráficos ou lineares.

diagramáticos.

matemáticos.

simbólicos.

icônicos.

possui uma estrutura racional, cujas formas geométricas são inadequadas à configuração encontrada no Planalto Central.

apresenta uma configuração arquitetônica subordinada às condições locais, como a paisagem e os recursos materiais disponíveis.

não provocou agressões ou alterações no meio ambiente, característica marcante da arquitetura moderna e contemporânea.

demonstra um planejamento adequado à topografia e vegetação locais e as formas geométricas da cidade conferem um sentido de ordem.

conjugou um planejamento racional das vias e quadras a formas orgânicas e livres dos edifícios como maneira de adequar a arquitetura à natureza.

Tunga e Adriana Varejão.

Romero Brito e José Lins do Rego.

Hélio Oiticica e Almeida Júnior.

Lígia Clark e Victor Brecheret.

Vick Muniz e Mestre Valentim.

Na Era Vargas, o ímpeto revolucionário dos modernistas foi resgatado e valorizado, sobretudo por inspirar a liberdade e a prosperidade tão almejadas pelo Estado Novo.

O panorama político de exaltação à nacionalidade durante o Estado Novo fez com que novos expoentes do Modernismo, entre os quais Djanira, Lígia Pape e Hélio Oiticica, usufruíssem do apoio governamental e contassem, inclusive, com o financiamento estatal para o desenvolvimento de seus trabalhos.

A partir de 1930, surgiram grupos de artistas focados em estudos acerca de novas técnicas, na profissionalização como artista. Eram, em sua maioria, oriundos da classe média, do operariado. Entre esses grupos, destacam-se o Santa Helena, em São Paulo, o Núcleo Bernadelli e o Guanabara, no Rio de Janeiro, e artistas como Rebolo, Volpi, Mário Zanini e Pancetti.

Integrantes da Semana de Arte Moderna, como Tarsila do Amaral, Portinari e Di Cavalcanti, usufruíram de ampla liberdade nesse período, tendo em vista o caráter social de suas obras.

Enquanto a pintura moderna, sobretudo o muralismo de Portinari, gozava do apoio do governo Vargas, segmentos como a música e a arquitetura não apresentaram evolução no período, fato decorrente talvez pela rejeição ao experimentalismo e falta de uma orientação estética nessas duas linguagens.

Além da ânsia pela modernização da arte no país, a Semana de 1922 significou uma tentativa de firmar uma identidade brasileira por meio da valorização dos tipos nacionais e da cultura popular.

Antes mesmo de anunciar o Modernismo na Semana de 1922, Tarsila do Amaral, Anita Malfatti, Di Cavalcanti e Oswald de Andrade haviam se dirigido a Paris para, assim como os acadêmicos do século 19, afirmar os cânones da arte predominantes no país.

A realização da Semana de 1922, em São Paulo, foi um provocativo contraponto em relação à cidade então tradicionalista e sem o desenvolvimento urbano característico de outras capitais à época.

Assim como a vanguarda europeia, o Modernismo brasileiro surgiu dotado de forte apelo popular, fato decorrente da própria origem de grande parte dos integrantes da Semana de Arte Moderna de 1922, vindos das classes baixas da sociedade, filhos de operários e camponeses.

Tarsila do Amaral foi a artista que melhor incorporou o espírito modernista brasileiro. Primeira a ter contato com a vanguarda europeia, teve participação fundamental na Semana de Arte Moderna de 1922 e nos movimentos Pau-Brasil, de 1924, e Antropofágico, de 1928.

A técnica do modelado consiste na criação de moldes em argila e gesso para a produção de obras em metal.

O uso de policromia nas esculturas em madeira por artistas barrocos, como Aleijadinho, foi um recurso para aumentar a expressividade das obras e também sanar imperfeições decorrentes dos nós e veios da peça utilizada.

A técnica de cera perdida, por sua simplicidade, é ideal para a produção de esculturas em madeira e argila.

A utilização de instrumentos como buril, brocas e cinzel é específica do trabalho com esculturas em bronze e mármore.

Entre as técnicas comuns aos ateliês, o vazado em bronze é a mais simples e funcional, pois depende unicamente do trabalho isolado do artista para modelar a forma final.

O processo de planejamento e construção de uma escultura é totalmente diferente da elaboração de um desenho, pois acontece explorando elementos e estruturas distintos.

Materiais tradicionais, de maior plasticidade e praticidade no manuseio, como o granito e o bronze, facilitam a construção de obras ricas em detalhes e realismo.

Altos e baixos relevos em paredes e colunas diferenciam-se da escultura por se aproximarem mais do desenho e da pintura e não propiciarem a exploração do espaço tridimensional.

O uso da cor e da luz em uma escultura serve para gerar volume e também reforçar aspectos objetivos e subjetivos da obra, como o realismo ou simbolismo presente.

Embora contribua para a percepção de características como volume, textura e expressão, a escolha do material não interfere na transmissão de sensações como peso em uma escultura.

valorização do artesão e o uso de motivos orgânicos nos objetos elaborados.

desenvolvimento de propostas racionais funcionalistas como norteadoras do design.

enaltecimento ao desenvolvimento da indústria e da sociedade capitalista.

recusa ao apelo estético e aos materiais inovadores oferecidos pela indústria.

retorno ao modelo de produção artesanal medieval e o uso de formas racionais nos objetos.

A exploração das formas sobre as superfícies gera equilíbrio por homogeneidade nas três composições.

A distribuição simétrica dos elementos predomina nas três obras.

Na obra de Tintoretto, predomina o desequilíbrio decorrente da assimetria e da concentração dos pesos visuais na porção esquerda da composição.

Na gravura de Escher, o uso de formas diferenciadas e contrastantes dinamiza a composição, porém desestabiliza a imagem.

As três obras apresentam maneiras diferenciadas para obtenção do equilíbrio visual.

perspectiva oblíqua por Leonardo da Vinci na pintura A última ceia, para distribuir as formas em planos distintos.

a técnica do trompe l’oeil pelos três artistas como recurso para criar ilusão de ótica e propiciar ao observador a sensação de estar diante de um objeto real, tridimensional.

contraste entre claro e escuro por Goya para gerar distinção entre figura e fundo e a sensação de profundidade espacial.

perspectiva linear por Tarsila para propiciar a diminuição das formas e a percepção de distância em sua pintura.

técnica do trompe l’oeil por Tarsila em sua obra para planificar a paisagem.