I, II e III.

I e II, apenas.

II e III, apenas.

III, apenas.

I, apenas.

V − F − V.

V − V − V. 

V − V − F.

F − V − F.

F − F − V.

Tem o sentido de "porém" e estabelece uma relação de contraste, opondo o que foi posto antes e o que se insere na sequência.

Tem o sentido de "realmente" e estabelece uma relação de ênfase, reforçando o que foi posto antes.

Tem a função de articular ideias iguais, que não se contrastam, expressas no parágrafo anterior e após seu uso, apenas reforçando a ideia principal. 

Tem o sentido de "da mesma forma" e estabelece uma relação de comparação entre o que foi posto antes e o que se insere agora. 

Tem o sentido de "além disso" e estabelece uma relação de inclusão, adicionando uma nova ideia.

II e III, apenas.

I, apenas.

I e II, apenas.

I, II e III.

III, apenas.

I − parênteses;

II − vírgula (nas duas ocorrências).

I − ponto e vírgula (nas duas ocorrências);

II − vírgula (nas duas ocorrências). 

I − dois pontos (apenas na 1ª ocorrência) e ponto final (na 2ª ocorrência);

II − parêntese.

I − dois pontos (apenas na 1ª ocorrência) e ponto e vírgula (na 2ª ocorrência);

II − parênteses. 

I − vírgula (apenas na 1ª ocorrência) e ponto final (na 2ª ocorrência);

II − dois pontos (apenas na 1ª ocorrência) e ponto e vírgula (na 2ª ocorrência).

Participa da execução orçamentária e da definição de prioridades de gasto, deliberando sobre a aplicação direta dos recursos educacionais municipais.

Avalia a conformidade pedagógica dos projetos escolares, emitindo pareceres vinculantes sobre o uso de recursos financeiros na unidade educacional.

Realiza estudos e diagnósticos sobre políticas educacionais, encaminhando recomendações técnicas de caráter obrigatório ao Poder Executivo municipal.

Atua com organização e funcionamento independentes, acompanhando receitas, controlando aplicações e elaborando pareceres sobre prestações de contas do Fundeb.

Coordena as ações de avaliação da aprendizagem, propondo metas pedagógicas e relatórios de desempenho vinculados à rede municipal de ensino.

Representa ferramenta tecnológica disponível para práticas pedagógicas escolares, concentra oportunidades profissionais em capitais e metrópoles brasileiras e promove entretenimento através de produções nacionais e internacionais.

Serve como recurso educativo aplicável em atividades pedagógicas diversas, apresenta contribuição econômica limitada quando comparado a setores industriais tradicionais e reflete produções culturais desenvolvidas, principalmente em grandes centros urbanos do país.

Integra recursos audiovisuais aplicáveis em contextos educacionais formais, constitui setor cultural em processo de consolidação no país e permite expressão artística de comunidades urbanas e rurais brasileiras

Funciona como instrumento pedagógico quando utilizado para desenvolver pensamento crítico e criatividade, representa setor que contribuiu com dezenas de bilhões ao PIB brasileiro e atua como meio de promoção da imagem do país no exterior através do conceito de soft power (poder brando, não coercitivo).

Constitui linguagem contemporânea utilizada em processos educativos, depende fundamentalmente de políticas públicas para sustentabilidade financeira e possibilita registro de manifestações culturais de diferentes regiões brasileiras.

O tempo despendido em plataformas digitais por idosos contribui para a manutenção de vínculos sociais e previne o isolamento, compensando eventuais prejuízos cognitivos decorrentes da exposição prolongada.

A supervisão parental no ambiente virtual é menos relevante que no mundo físico, uma vez que os filtros de conteúdo dos aplicativos garantem proteção adequada contra materiais impróprios.

Jogos eletrônicos, canais de streaming e redes sociais operam sob lógica similar de gratificação imediata através de recompensas constantes, o que compromete o desenvolvimento da capacidade de postergar satisfação e planejar a médio e longo prazo. 

Crianças que utilizam dispositivos digitais por mais de cinco horas diárias apresentam melhor desempenho em avaliações de matemática quando comparadas àquelas com uso limitado a uma hora.

A privação do sono causada pelo uso noturno de celulares afeta negativamente a capacidade de concentração, mas fortalece o controle emocional e a resiliência em situações de frustração cotidiana.

O acolhimento institucional de crianças constitui a única modalidade de proteção legal prevista para crianças vulneráveis, enquanto o envelhecimento populacional implica em isolamento progressivo das pessoas idosas e priorização de recursos públicos para faixas etárias mais jovens.

O acolhimento institucional de crianças suspende temporariamente a frequência escolar durante processos judiciais, enquanto o envelhecimento populacional demanda políticas habitacionais voltadas para institucionalização crescente e atividades físicas limitadas para evitar riscos. 

O acolhimento institucional de crianças é medida provisória que busca reintegração familiar e garante direito à convivência comunitária através de atividades educativas, enquanto o envelhecimento ativo requer espaços de convivência que promovam autonomia, interação social e participação em atividades físicas, culturais e tecnológicas. 

O acolhimento institucional de crianças é solução definitiva que prioriza permanência em instituições até a maioridade, enquanto o envelhecimento populacional exige priorização de cuidados institucionais permanentes e atividades recreativas supervisionadas por profissionais de saúde.

O acolhimento institucional de crianças resulta prioritariamente em adoção em até 2 anos de institucionalização, enquanto o envelhecimento populacional requer adaptação de espaços urbanos exclusivamente para pessoas com dependência total e cuidados médicos especializados

Bumba meu boi, ciranda e frevo.

Maracatu, capoeira e congada. 

Samba de roda, jongo e tambor de crioula. 

Folia de reis, cavalhada e baião. 

Blocos e bandas de rua do Carnaval, festas juninas e forró.

A dança como linguagem organiza-se mediante sintaxe corporal que estrutura sequências de movimentos em composições expressivas, permitindo aos criadores e intérpretes comunicarem conteúdos artísticos através de recursos técnicos e estéticos da linguagem coreográfica.

A dança opera como linguagem não-verbal que comunica significados através de gestos, posturas e qualidades de movimento, articulando dimensões estéticas, simbólicas e culturais que permitem expressão de ideias, emoções e valores coletivos em diferentes contextos sociais e históricos.

A comunicação através da dança articula intenção expressiva do intérprete e percepção do espectador, processo mediado por códigos culturais que favorecem compreensão de significados simbólicos e dimensões estéticas das manifestações coreográficas em contextos específicos.

A linguagem da dança fundamenta-se em vocabulário gestual estruturado por elementos técnicos que constituem sistema expressivo reconhecível em diferentes gêneros, permitindo transmissão de mensagens corporais através de códigos compartilhados entre intérpretes e espectadores.

Os processos comunicativos na dança envolvem produção de sentidos através do corpo em movimento, articulando expressividade individual e códigos coletivos que caracterizam diferentes contextos culturais e abordagens estéticas nas práticas coreográficas contemporâneas.

O processo criativo constitui etapa complementar introduzida após aquisição de fundamentos técnicos consolidados, momento em que participantes aplicam habilidades motoras previamente desenvolvidas em experimentações coreográficas orientadas pelo professor.

O ensino prioriza reprodução tecnicamente precisa de repertórios coreográficos tradicionais, assegurando apropriação de padrões gestuais estabelecidos como fundamento necessário para desenvolvimento posterior de capacidades interpretativas e criativas dos participantes. 

A aprendizagem em dança ocorre mediante progressão técnica estruturada que inicia com domínio de elementos fundamentais, avançando gradualmente para experimentações criativas conforme consolidação das habilidades motoras e domínio do vocabulário gestual básico.

Aprender dança implica investigar o corpo em movimento através de experiências que transformam vivências corporais em conhecimento sensível e crítico, construído de forma processual, reflexiva e colaborativa mediante integração entre dimensões técnicas, expressivas e contextuais do movimento. 

O conhecimento corporal em dança desenvolve-se mediante observação sistemática de execuções realizadas por profissionais experientes, complementada por vivências práticas orientadas que favorecem internalização progressiva de técnicas e movimentos codificados. 

A estética da dança articula elementos formais do movimento mediante análise de estruturas compositivas que caracterizam diferentes gêneros, desenvolvendo nos participantes reconhecimento de padrões coreográficos através de processos de observação e reprodução técnica.

A técnica em dança desenvolve padrões gestuais mediante processos sistemáticos que priorizam precisão de execução e controle motor progressivo, estabelecendo fundamentos corporais necessários para posterior desenvolvimento de capacidades expressivas e interpretativas. 

O corpo na dança é compreendido como território de experiências sensíveis, em que técnica, percepção e imaginação se entrelaçam, integrando dimensões cognitivas, afetivas e motoras na construção do conhecimento através de pedagogia que transcende a separação entre forma técnica e conteúdo expressivo.

A corporeidade na dança fundamenta-se no desenvolvimento de eficiência biomecânica e domínio progressivo de gestos codificados, priorizando aprendizagem de posições, movimentos e deslocamentos conforme padrões estabelecidos por escolas técnicas reconhecidas.

A relação entre técnica e criação estabelece-se mediante progressão pedagógica que inicia com domínio de vocabulário gestual básico, avançando gradualmente para experimentações expressivas conforme consolidação das habilidades motoras fundamentais.

O processo compositivo em dança articula escolhas estéticas relacionadas a movimento, espaço, tempo e energia, constituindo vocabulário técnico que permite aos criadores expressarem ideias e conceitos através de composições corporais estruturadas, segundo princípios de organização formal.

A criação coreográfica desenvolve-se através de fases que incluem improvisação, seleção de materiais gestuais e refinamento expressivo, metodologia que favorece autonomia criativa e compreensão dos elementos constitutivos da linguagem da dança mediante processos investigativos colaborativos.

O processo coreográfico articula seleção de movimentos, organização espacial, estruturação temporal e definição de qualidades expressivas, integrando elementos técnicos e estéticos em composição que expressa intencionalidades artísticas, narrativas simbólicas ou explorações formais da linguagem corporal.

A elaboração coreográfica fundamenta-se em procedimentos sistemáticos que desenvolvem repertório gestual mediante experimentação de movimentos e exploração de possibilidades corporais, processos que favorecem desenvolvimento de competências criativas através da articulação entre improvisação, seleção e estruturação compositiva.

A elaboração coreográfica requer conhecimento de princípios compositivos como repetição, variação, contraste e transição, que organizam formalmente os movimentos em estruturas que caracterizam diferentes abordagens estéticas na criação em dança contemporânea e tradicional. 

A prática da dança favorece bem-estar físico e mental ampliado ao desenvolver consciência corporal refinada, equilíbrio emocional, integração social e autoestima, constituindo-se como prática promotora de saúde integral que transcende benefícios motores ao articular dimensões existenciais da experiência humana.

A dança contribui para a saúde mediante desenvolvimento de condicionamento cardiorrespiratório, força muscular e flexibilidade, benefícios mensuráveis através de indicadores fisiológicos que demonstram melhoria objetiva de capacidades físicas dos praticantes. 

A dimensão emocional nas práticas de dança deve ser controlada pedagogicamente para não comprometer precisão técnica da execução motora, mantendo foco no desenvolvimento de habilidades coordenativas através de exercícios estruturados progressivamente. 

A dança, como manifestação artística, proporciona experiências subjetivas de bem-estar relacionadas à fruição estética e expressão criativa, sem estabelecer correlações mensuráveis com indicadores objetivos de saúde física ou mental conforme critérios científicos.

O benefício da dança para a saúde relaciona-se primordialmente com aprimoramento estético corporal mediante desenvolvimento de postura adequada, consciência de alinhamentos corporais e domínio de movimentos que favorecem elegância e refinamento gestual.

O ritmo articula-se com elementos espaciais e dinâmicos na construção do movimento dançado, constituindo parâmetro fundamental que estrutura a experiência estética e comunicativa da dança através da organização temporal dos gestos e das qualidades expressivas do corpo.

A improvisação rítmica constitui estratégia pedagógica que favorece desenvolvimento de autonomia expressiva e compreensão criativa das estruturas temporais da música, permitindo aos participantes explorarem relações dinâmicas entre movimento e som através de experimentações corporais.

A musicalidade é experiência corporal complexa que envolve escuta ativa, antecipação temporal e improvisação expressiva, permitindo que o corpo se torne instrumento sensível do tempo e do espaço rítmico, estabelecendo diálogos dinâmicos entre movimento, som e significado. 

A sincronização entre corpo e estrutura sonora articula-se mediante processos de escuta sensível e resposta corporal criativa, desenvolvendo nos participantes capacidade de interpretação musical e expressão através do movimento que transcende reprodução mecânica de acentos rítmicos.

A coordenação rítmica desenvolve-se através de processos pedagógicos que articulam percepção auditiva e execução motora, integrando elementos musicais e corporais mediante vivências progressivas que favorecem domínio de padrões temporais e espaciais característicos de diferentes gêneros de dança.

As danças clássicas se caracterizam fundamentalmente pela ausência de contato físico direto entre os pares durante a execução coreográfica, sendo realizadas individualmente em formações espaciais paralelas que mantêm distanciamento corporal constante, privilegiando autonomia gestual e interpretação solista sobre interação relacional entre dançarinos.

A classificação dos ritmos constitui informação acessória irrelevante para o ensino escolar ou para a prática recreativa, pois a técnica corporal fundamental é universal e independente de contextos musicais específicos, estruturas rítmicas particulares ou características culturais das diferentes modalidades de dança.

As danças de salão compõem categoria homogênea e monorítmica internacionalmente padronizada, sem distinções históricas significativas, variações regionais relevantes ou especificidades técnicas que justifiquem classificações por estilos, origens geográficas ou períodos de desenvolvimento das diferentes modalidades coreográficas que as constituem.

As danças de salão podem ser agrupadas em clássicas, como valsa e tango, e latinas, como samba, rumba e cha-cha-cha, refletindo distintos contextos socioculturais, formações rítmicas específicas e expressividades corporais características de diferentes regiões e períodos históricos de desenvolvimento. 

As danças latinas derivam técnica e esteticamente de tradições europeias clássicas estabelecidas durante o período renascentista, sem incorporação significativa de contribuições culturais africanas, indígenas ou americanas em suas estruturas rítmicas, de padrões gestuais ou de significados simbólicos ao longo de seus processos históricos de formação. 

A inversão de papéis na dança de salão constitui prática exclusivamente pedagógica utilizada temporariamente durante processos de aprendizagem para desenvolvimento de compreensão técnica, devendo ser abandonada em contextos de prática social ou apresentações públicas que exigem manutenção de configurações tradicionais.

Os códigos de etiqueta da dança de salão contemporânea se mantêm idênticos aos estabelecidos nos salões europeus do século XIX, preservando hierarquias sociais, formalidades de vestuário e protocolos rígidos de interação que caracterizavam as práticas aristocráticas originais dessas danças.

Os papéis de condutor e conduzido na dança de salão se fundamentam em diferenças biomecânicas objetivas entre corpos masculinos e femininos, determinando naturalmente que homens conduzam por possuírem maior força física e mulheres sigam por apresentarem maior flexibilidade e sensibilidade cinestésica.

As convenções tradicionais da dança de salão estabeleciam papéis fixos de condução masculina e seguimento feminino baseados em hierarquias de gênero, enquanto abordagens contemporâneas reconhecem possibilidade de inversão de papéis, condução compartilhada e configurações não binárias que democratizam a relação entre parceiros mediante negociação consensual. 

A etiqueta tradicional da dança de salão estabelece protocolos de convite, aceitação e agradecimento que devem ser rigorosamente mantidos em contextos contemporâneos para preservar autenticidade histórica das práticas sociais, evitando descaracterização das convenções que constituem identidade cultural dessas manifestações.

A adaptação cultural da Dança de Salão no Brasil resultou na perda progressiva de seus elementos rítmicos originais europeus, que foram integralmente substituídos por padrões gestuais formais derivados exclusivamente das danças africanas, especialmente do lundu, jongo e batuque afro-brasileiro.

A introdução da Dança de Salão no território brasileiro ocorreu de forma isolada dos processos históricos de miscigenação cultural nacional, sendo mantida como manifestação artística importada sem ressignificações locais significativas ou incorporação de elementos da cultura popular durante o período colonial.

A prática da Dança de Salão permaneceu geograficamente restrita aos salões da nobreza colonial brasileira durante os séculos XVIII e XIX, sem penetração significativa nos ambientes populares urbanos ou rurais até o início do século XX, quando iniciou processo gradual de democratização. 

A Dança de Salão se manteve estruturalmente inalterada desde o Renascimento europeu, conservando rigorosamente seus códigos aristocráticos originais e evitando incorporação de influências populares regionais, o que garantiu preservação técnica integral e pureza estética dos padrões coreográficos estabelecidos pelas cortes.

A Dança de Salão, ao chegar ao Brasil, mesclou influências europeias, africanas e indígenas, gerando ritmos e estilos singulares como samba de gafieira e maxixe, expressando síntese cultural própria que simboliza a identidade plural do povo brasileiro e seus processos de formação.

As gafieiras tradicionais desapareceram completamente do cenário cultural brasileiro durante as décadas finais do século XX, sem passar por processos de reinterpretação cultural, revitalização de espaços tradicionais ou incorporação de novos públicos e significados no contexto urbano contemporâneo das grandes cidades. 

A dança permaneceu geograficamente restrita a círculos elitizados urbanos e clubes sociais exclusivos, não sofrendo influência significativa da cultura de massa, dos meios de comunicação ou dos processos de democratização cultural que caracterizaram as transformações sociais brasileiras das últimas décadas do século XX.

A Dança de Salão perdeu progressivamente sua relevância social e cultural com a ascensão das danças urbanas contemporâneas, como hip-hop, street dance e funk, sendo gradualmente substituída nas preferências das novas gerações por práticas corporais mais alinhadas aos códigos estéticos da juventude urbana. 

A popularização da Dança de Salão no Brasil, impulsionada pela mídia e por academias a partir dos anos 1980, ressignificou antigas gafieiras e ampliou a aceitação social da prática, integrando-a a contextos contemporâneos de lazer, saúde, estética e convivência intergeracional.

A Dança de Salão foi gradualmente substituída nas práticas corporais urbanas por modalidades esportivas competitivas regulamentadas, perdendo sua função cultural de sociabilidade e não mantendo relevância significativa como expressão artística, prática de lazer ou conteúdo educativo nos contextos escolares e comunitários atuais.