Esta música popular romântica contemporânea é marcada por uma fusão de estilos; a incorporação de ritmos regionais e o suporte da música eletrônica a partir dos anos 1980; a preferência de temas como o ciúme, o exagero sentimental, a dor de cotovelo, a melancolia e os romances “água com açúcar”.
A definição acima se refere a um estilo musical conhecido como

(Mestre Didi em seu atelier em Salvador (BA).) 

Mestre Didi (1917-2013) foi escultor, escritor e sacerdote de culto ligado à tradição nagô. A respeito de sua produção artística, assinale V para a afirmativa verdadeira e F para a falsa.
( ) A tecnologia industrial é aplicada para reproduzir em série máscaras e objetos da arte africana, cuja fabricação em grande escala permite difundir a cultura afro no Brasil. ( ) As esculturas são inspiradas em objetos de culto e transmitem costumes, concepções estéticas e mitologias da religiosidade afro-brasileira. ( ) Os elementos ancestrais da cultura africana são recriados pela intervenção artística, expressando ao mesmo tempo uma experiência estética e sagrada.
As afirmativas são, respectivamente, 

Relacione os elementos da paisagem sonoro-musical às suas respectivas definições.

1. Amplitude.

2. Melodia.

3. Ritmo.

4. Timbre.

( ) Característica de um som que distingue um instrumento de outro, na mesma frequência e intensidade.

( ) Variação de intensidade do som usada em música como um recurso expressivo.

( ) Mudança de altura obtida pelo movimento do som por diferentes frequências.

( ) Divisão do som em partes, regulares ou irregulares, articulada durante o transcorrer do tempo.

Assinale a opção que inidca a relação correta, de cima para baixo.

O Romantismo foi um estilo artístico que se desenvolveu entre os séculos XVIII e XIX em várias linguagens da arte, como a literatura, a música, a pintura e a escultura. Assinale a alternativa que contém obras e artistas pertencentes ao Romantismo.

“O modo de ser da linguagem musical tem como matérias-primas sons e silêncios articulados em pensamentos musicais. Assim, compor implica imaginar, relacionar e organizar sons, ouvindo-os internamente. Beethoven, por exemplo, continuou compondo, mesmo após a sua perda de audição, pois operava com seu pensamento musical, transcendendo a realidade física do som.” (MARTINS; PICOSQUE; GUERRA, 2009) Segundo as autoras, para experenciar e desenvolver-se na linguagem musical é necessário que o professor envolva o aluno com o pensamento musical, imaginando, relacionando, organizando – intencional e expressivamente – sons e silêncios, no contínuo espaçotempo, devendo utilizar diversos materiais e recursos. Nesse contexto, são orientações sobre materiais e recursos para a prática da educação musical na escola, EXCETO:

É a área de maior concentração de sítios pré-históricos do continente americano e Patrimônio Cultural da Humanidade - UNESCO. Contém a maior quantidade de pinturas rupestres do mundo. Estudos científicos confirmam que este local foi povoado em períodos pré–históricos. Os artefatos encontrados apresentam vestígios do homem há 50.000 anos, os mais antigos registros nas Américas.

Estas afirmações referem-se ao(s)

"A arte de cada cultura revela o modo de perceber, sentir e articular significados e valores que governam os diferentes tipos de relações entre os indivíduos na sociedade" (PCN: Arte/MEC, 20). No interior do Ceará, surgiu uma dança folclórica, provavelmente por influência dos cangaceiros, na qual os dançarinos portam pedaços de madeira que são batidos no chão, seguindo o ritmo das músicas que são cantadas pelos participantes.

A qual das danças abaixo o texto se refere?

Dentre as obras camerísticas estreadas ao piano no século XX, John Cage compôs 4’33’’. Essa obra foi um marco da composição vanguardista por trazer apenas o silêncio para o palco dentro de uma estética musical denominada pelo próprio Cage como indeterminação em discordância ao termo usual aleatoriedade. A obra, que tem duração de 4 minutos e 33 segundos, está dividida em três movimentos: I – tacet; II – tacet; e III – tacet. Essa obra foi estreada pelo jovem pianista David Tudor em agosto de 1952. Nessa apresentação, qual a disposição correta de tempo disposto em cada um dos três andamentos?

Nas discussões acerca da diversidade cultural na arte, é recorrente ouvir-se falar sobre interculturalidade no sentido de reciprocidade. Nestor Canclini é um autor que na atualidade tem apresentado estudos aprofundados dos processos culturais presentes hoje nos países da América Latina. Para ele, é necessário pensar em processos que abarquem as distintas misturas interculturais para suprir a necessidade de uma visão mais abrangente no que concerne ao conhecimento, na qual não exista oposição entre o tradicional e o moderno, entre o culto, o popular e o massivo. O termo utilizado comumente por Canclini para representar essa abrangência cultural é

O ensino de arte vem-se desenvolvendo a partir de vários caminhos que contribuem, cada vez mais, para a diversidade de possibilidades de pensamento e ação. Na atualidade, estudos e pesquisas apontam o deslocamento da linha da arte como linguagem para a arte imagética. Dessa forma, esse ensino não se daria por comunicação, mas por metáfora.

Segundo Efland, em Art and cognition: integriting the visual arts in the curriculum, é a metáfora que constrói ligações as quais nos permitem entender e estruturar o conhecimento em diferentes domínios para estabelecer conexões entre coisas aparentemente não relacionadas.

De acordo com o autor, a metáfora possui três partes, que são:

Usando uma definição ampla, mas flexível, pode-se dizer que Estudos Críticos são a esfera do ensino que transforma os trabalhos de arte em percepção precisa e não casual, analisando neles a presença estética, os processos formativos, causas espirituais, sociais, econômicas, políticas e os efeitos culturais. Os Estudos Críticos alertam, assim, para o perigo de uma análise ingênua que prime somente pelas combinações de forma, cor, textura e outros aspectos, isentando a obra de outras questões importantes presentes na origem delas.

Marque a alternativa em que há exemplos de obras que trazem, respectivamente, a crítica social ao trabalho opressivo e à existência marginal, e fatos histórico-políticos.

Na análise de uma obra de arte, é comum levarmos em conta questões como, por exemplo, Virtuosismo, poder de criação, intensidade de sentimentos, estilo de mestre, integridade artística, originalidade de visão e profundo senso de valores humanos. Esses elementos são encontrados em pinturas, tais como:  
I. Escola de Atenas de Rafael.
II. A Descida da Cruz de Rubens.
III. A Ronda da Noite de Rembrandt.
IV. Enterro em Ornans de Courbet.
V. O Jardim das Delícias Terrenas de Bosch.
Dentre essas obras, aquelas que pertencem ao Barroco estão nas alternativas:  

Técnica de estamparia, tradicional da Indonésia, que faz uso de cera derretida para delimitar o desenho e isolá-lo do tingimento. Pode fazer uso de um instrumento chamado tjanting.

Essa técnica é conhecida como

Antes mesmo da invenção do tecido, o ser humano produzia pinturas sobre a própria pele. No século VI e V antes de Cristo, surgiram as primeiras técnicas de estamparia, utilizando substâncias ácidas e corantes naturais. Desde então, nunca mais a estamparia deixou de evoluir.

No que se refere a processos de estamparia em tecidos feitos a partir de processos artesanais e manuais, destacam-se os seguintes:

Em sua obra, Henry Giroux destaca que a cultura e o currículo são elementos inseparáveis. Se a cultura é um campo de lutas e conflitos por imposição de significados e se o currículo está envolvido em uma política cultural, então ele é terreno privilegiado de lutas, conflitos e contestações na busca de significados e sentidos. Portanto, é fundamental entender o currículo como um instrumento, um espaço, um campo de produção e criação de significados, no qual se fazem presentes os interesses das camadas sociais.

De acordo com esse texto, são ações de suma importância para os processos constantes de ensino de arte no que se refere ao currículo:

Segundo Heloísa Buarque de Hollanda e Adrian Izel, no quadro da intensificação da produção cultural de caráter urbano, no final do século XX, um segmento que vem surpreendendo é o da atuação de coletivos de artistas plásticos, que são associações de pessoas que têm interesses comuns. A finalidade de um coletivo é integrar pessoas para trocar experiências e enriquecer seus trabalhos e conhecimentos.

Os coletivos propagam-se em proporção geométrica pelo Brasil, configuram-se por ações conjuntas, mas não constituem cooperativas, tampouco apresentam número de participantes determinados. Sua forma de organização é independente e, para cada ação ou conjunto de ações, os coletivos buscam patrocínio, oferecendo cursos e vendendo trabalhos.

São exemplos de Coletivos de Arte em Pernambuco os seguintes:

A cor oferece um vocabulário enorme e de grande utilidade para o alfabetismo visual.

A variedade de significados possíveis vem expressa neste fragmento do poema “The People, yes”, de Carl Sandburg:

Sendo vermelho o sangue de todos os homens de todas as nações, a Internacional Comunista fez vermelho o seu estandarte. O papa Inocêncio IV deu aos cardeais seus primeiros capelos vermelhos dizendo que o sangue de um cardeal pertencia à Santa Madre Igreja. O vermelho, cor de sangue, é um símbolo.

Referência no estudo da arte e do desing, Donis Dondis, em sua obra A sintaxe da linguagem Visual, propõe que a cor possui três dimensões que podem ser definidas e medidas. São elas:

O ramo da História da Arte que estuda as questões relativas aos temas ou às mensagens das obras de arte em contraposição à sua forma, descrevendo e classificando as imagens, intitula-se:

Na pós-modernidade, ensinar e aprender a arte implica envolver o educando na construção de conhecimentos ligados diretamente a esse universo, tornando-se essencial aproximar o estudante da obra por meio do exercício de ver, pensar e fazer. Assim, é correto afirmar-se que, em relação ao processo de ensino-aprendizagem na pós-modernidade, o conceito de arte está ligado à

Em relação ao ensino de arte no currículo escolar, legislação e prática, apresentam-se as seguintes proposições:

I. Até aproximadamente fins da década de 1960, existiam pouquíssimos cursos de formação de professores no campo da arte. Assim, professores de quaisquer disciplinas, artistas e pessoas vindas de curso de Belas Artes, Escolas de Artes Dramáticas e Conservatórios poderiam assumir as aulas de Desenho, Desenho Geométrico, Artes Plásticas, Música e Arte Dramática.

II. Em 1971, pela Lei de Diretrizes e Bases da Educação Nacional, a arte é incluída no currículo escolar com o título de Educação Artística, mas é considerada “atividade educativa” e não disciplina, tratando de maneira indefinida o conhecimento.

III. De maneira geral, entre os anos de 1970 e 1980, os antigos professores de Artes Plásticas, Desenho, Música, Artes Industriais, Artes Cênicas e os recém-formados em Educação Artística viam-se responsabilizados por educar alunos (em escola de Ensino Fundamental) em todas as linguagens artísticas, o que configurava a formação do professor polivalente em Arte.

IV. Com a Lei Nº 9.394/96, revogam-se as disposições anteriores e a Arte é considerada obrigatória na educação básica. “O ensino de arte constituirá componente curricular obrigatório nos diversos níveis da Educação Básica de forma a promover o desenvolvimento cultural dos alunos”.

V. Segundo a resolução 246/2016, “O ensino de arte só será obrigatório durante a Educação Infantil e o Ensino Fundamental, ficando o Ensino Médio isento dessa responsabilidade”.

Estão corretas, apenas, as proposições: