“(...) Na primeira metade do século XX, as disciplinas Desenho, Trabalhos Manuais, Música e Canto Orfeônico faziam parte dos programas das escolas primárias e secundárias, concentrando o conhecimento na transmissão de padrões e modelos das culturas predominantes. Na escola tradicional, valorizavam-se principalmente as habilidades manuais, os “dons artísticos”, os hábitos de organização e precisão, mostrando ao mesmo tempo uma visão utilitarista e imediatista da arte. Os professores trabalhavam com exercícios e modelos convencionais selecionados por eles em manuais e livros didáticos. O ensino de Arte era voltado essencialmente para o domínio técnico, mais centrado na figura do professor; competia a ele “transmitir” aos alunos os códigos, conceitos e categorias, ligados a padrões estéticos que variavam de linguagem para linguagem mas que tinham em comum, sempre, a reprodução de modelos. A disciplina Desenho, apresentada sob a forma de Desenho Geométrico, Desenho do Natural e Desenho Pedagógico, era considerada mais por seu aspecto funcional do que uma experiência em arte; ou seja, todas as orientações e conhecimentos visavam uma aplicação imediata e a qualificação para o trabalho. As atividades de teatro e dança somente eram reconhecidas quando faziam parte das festividades escolares na celebração de datas como Natal, Páscoa ou Independência, ou nas festas de final de período escolar. O teatro era tratado com uma única finalidade: a da apresentação. As crianças decoravam os textos e os movimentos cênicos eram marcados com rigor. Em Música, a tendência tradicionalista teve seu representante máximo no Canto Orfeônico, projeto preparado pelo compositor Heitor Villa-Lobos, na década de 30. Esse projeto constitui referência importante por ter pretendido levar a linguagem musical de maneira consistente e sistemática a todo o País. O Canto Orfeônico difundia ideias de coletividade e civismo, princípios condizentes com o momento político de então. Entre outras questões, o projeto Villa-Lobos esbarrou em dificuldades práticas na orientação de professores e acabou transformando a aula de música numa teoria musical baseada nos aspectos matemáticos e visuais do código musical com a memorização de peças orfeônicas, que, refletindo a época, eram de caráter folclórico, cívico e de exaltação. (...)”.
Ministério da Educação, Parâmetros Curriculares Nacionais. Arte/ Secretaria de Educação Fundamental - Brasília: MEC/SEF, 1997 Ao recuperar, mesmo que brevemente, a história do ensino de Arte no Brasil, pode-se observar a integração de diferentes orientações quanto às suas finalidades, à formação e atuação dos professores, mas, principalmente, quanto às políticas educacionais e os enfoques filosóficos, pedagógicos e estéticos. Analise as afirmações a seguir:
I - O Canto Orfeônico foi substituído pela Educação Musical, criada pela Lei de Diretrizes e Bases da Educação Brasileira de 1961, vigorando efetivamente a partir de meados da década de 60. II - As práticas pedagógicas com ênfase nos processos de desenvolvimento do aluno e sua criação devem ser redimensionadas, deslocando-se a ênfase para a repetição de modelos e para professor. III - Com a Educação Musical, incorporaram-se nas escolas também os novos métodos que estavam sendo disseminados na Europa. Contrapondo-se ao Canto Orfeônico, passa a existir no ensino de música um outro enfoque, quando a música pode ser sentida, tocada, dançada, além de cantada. IV - Foi marcante para a caracterização de um pensamento modernista a “Semana de Arte Moderna de São Paulo”, em 1922, na qual estiveram envolvidos artistas de várias modalidades: artes plásticas, música, poesia, dança, etc.
Na perspectiva dos Parâmetros Curriculares Nacionais pode-se afirmar que estão corretas as opções: 

Em Dançando na Escola, Isabel A. Marques aponta para a falta de bibliografia especializada e para a formação de professores que atuam na área de dança como pontos críticos no que diz respeito ao ensino desta arte em nosso sistema escolar. Na prática, segundo a autora, tanto professores de educação física, de educação infantil, assim como de educação artística, vêm trabalhando com dança nas escolas sem que tenham necessariamente tido experiências prático-teóricas como intérpretes, coreógrafos e diretores de dança.
“(...) A dissociação entre o artístico e o educativo que geralmente é enfatizada na formação destes profissionais nos cursos de licenciatura / pedagogia / magistério tem comprometido de maneira substancial o desenvolvimento do processo criativo e crítico que poderia estar ocorrendo nas escolas básicas. Não poderia deixar de mencionar a escassez de bibliografia especializada na área e, até mesmo, a recusa de muitas editoras conhecidas em publicar trabalhos que certamente contribuiriam para um desenvolvimento mais crítico da área, alegando "falta de mercado". Aquilo que temos publicado no Brasil, na maioria das vezes traduzido - e mal traduzido - geralmente apresenta uma visão romântica e pouco crítica do que é a dança e seu ensino, deixando frequentemente de enfatizar seus aspectos artísticos / estéticos em prol de uma abordagem em que a dança aparece somente como meio, ou recurso educacional. (...)”.
MARQUES, Isabel A. Dançando na Escola. A respeito das possíveis contribuições da escola para o aprendizado da Dança, na perspectiva da autora, assinale V (verdadeiro) ou F (falso) para as afirmações a seguir:
( ) A escola pode, sim, dar parâmetros para sistematização e apropriação crítica, consciente e transformadora dos conteúdos específicos da dança e, portanto, da sociedade.
( ) A escola tem o papel não de reproduzir, mas de instrumentalizar e de construir conhecimento em/através da dança com seus alunos(as), pois ela é forma de conhecimento, elemento essencial para a educação do ser social.
( ) O ensino da Dança no contexto escolar é fundamental para o desenvolvimento integral dos estudantes, de modo que não é necessário que haja preocupação com os aspectos artísticos e estéticos das produções nem com a realização de um produto final, visto que o importante é a expressão individual, e não a criação de obras acabadas.
( ) A Dança na escola é um instrumento útil para ajudar o estudante a expressar-se espontaneamente, conter a agressividade e desenvolver a coordenação motora, e por isso é que precisamos da dança na escola. Outras disciplinas não satisfariam a estas necessidades de maneira tão efetiva.
A alternativa que apresenta a sequência correta para preenchimento dos parênteses é:

“(...) Sabemos que o ensino de artes no Brasil tem sofrido as consequências de posturas racionalistas e dualistas arraigadas ao pensamento pedagógico brasileiro. Nossa escola formal está fundada em valores que há séculos têm valorizado o conhecimento analítico / descritivo / linear em detrimento do conhecimento / sintético/ sistêmico / corporal / intuitivo. Já em 1978, Ana Mae Barbosa apontava para a divisão entre o trabalho manual e a intelectual instaurada no país desde os primórdios da colonização como uma das causas do status secundário (às vezes inexistente) das artes no currículo escolar brasileiro. As artes, frequentemente associadas ao trabalho manual, foram também associadas à condição de "escravos". Não é de se admirar, portanto, que uma arte como a dança, que trabalha direta e primordialmente com o corpo, tenha sido durante séculos "presa nos porões e escondida nas senzalas": foi banida do convívio de outras disciplinas na escola, ou então atrelada ao tronco e chicoteada, até que alguma alma boa pudesse convencer "o feitor" de sua "inocência". Passados alguns anos desde que pesquisadores começaram a estudar e analisar a situação das artes no país, percebo que a dança, todavia parece representar um risco muito grande para a educação formal, pois ela continua sendo uma desconhecida da / para a escola. Propostas com dança que trabalhem seus aspectos criativos, portanto imprevisíveis e indeterminados, ainda "assustam" aqueles que aprenderam e são regidos pela didática tradicional. Os processos de criação em dança acabam não se encaixando nos modelos tradicionais de educação que ainda são predominantes em nossas escolas que permanecem advogando por um ensino "garantido" (sabemos onde vamos chegar), conhecido (já temos experiências de muitos anos na área), determinado e pré-planejado (não haverá surpresas) (...)”.
MARQUES, Isabel A. Dançando na Escola.
A partir da leitura do texto, compreende-se que, na perspectiva da autora:

“(...) Sempre que alguma coisa é projetada e feita, esboçada e pintada, desenhada, rabiscada, construída, esculpida ou gesticulada, a substância visual da obra é composta a partir de uma lista básica de elementos. Não se devem confundir os elementos visuais com os materiais ou o meio de expressão, a madeira ou a argila, a tinta ou o filme. Por poucos que sejam, são a matéria-prima de toda informação visual em termos de opções e combinações seletivas. A estrutura da obra visual é a força que determina quais elementos visuais estão presentes, e com qual ênfase essa presença ocorre. (...) São muitos os pontos de vista a partir dos quais podemos analisar qualquer obra visual; um dos mais reveladores é decompô-la em seus elementos constitutivos, para melhor compreendermos o todo. Esse processo pode proporcionar uma profunda compreensão da natureza de qualquer meio visual, e também da obra individual e da pré-visualização e criação de uma manifestação visual, sem excluir a interpretação e a resposta que a ela se dê. (...)”. DONDIS, Donis A. A sintaxe da linguagem visual. São Paulo: Martins Fontes, 1991.
A respeito dos elementos da visualidade e suas relações compositivas, pode-se afirmar corretamente que: 

“Simbolizado por uma antena parabólica instalada na lama, sendo esse símbolo a expressão da união do tradicional com o moderno, mas que também apontaria uma crítica ao inovador (as tecnologias) estabelecendo-se em meio à miséria existente em Pernambuco, o Manguebeat foi um movimento de contracultura surgido na década de 1990. Idealizado por Chico Science, buscava promover uma renovação cultural ao mesmo tempo em que denunciava injustiças sociais, fazendo a mescla de elementos da cultura regional de Pernambuco, como o maracatu, o coco e a ciranda, com elementos da cultura pop, como o hip-hop e o rock”.
A respeito do movimento Manguebeat, pode-se afirmar corretamente que:

“(...) Os conteúdos gerais de Arte estão propostos para serem trabalhados da primeira a oitava séries, seguindo os critérios para seleção e ordenação dos conteúdos circunscritos neste documento. Os conteúdos de primeira a quarta séries serão definidos nas modalidades artísticas específicas. Assim, os conteúdos gerais do ensino fundamental em Arte são:
• a arte como expressão e comunicação dos indivíduos;
• elementos básicos das formas artísticas, modos de articulação formal, técnicas, materiais e procedimentos na criação em arte;
• produtores em arte: vidas, épocas e produtos em conexões;
• diversidade das formas de arte e concepções estéticas da cultura regional, nacional e internacional: produções, reproduções e suas histórias;
• a arte na sociedade, considerando os produtores em arte, as produções e suas formas de documentação, preservação e divulgação em diferentes culturas e momentos históricos.

Fonte: http://portal.mec.gov.br/seb/arquivos/pdf/livro06.pdf
Com base nos Parâmetros Curriculares Nacionais, a respeito do Ensino Fundamental, pode-se afirmar que:

Durante os anos 1960, período de grande efervescência na música brasileira, além da bossa nova que surgia como uma forma jazzística de tocar os sambas brasileiros, novos movimentos e compositores surgiram no contexto marcado pela Ditadura Militar. Em meio à repressão e ao intenso controle do Estado sobre as produções artísticas do período, surgiram os Festivais da Música Popular Brasileira, que reuniram muitos dos principais artistas da época. Nesse contexto surgiu o Tropicalismo, ou Tropicália, influenciando diversos campos da arte além da música, como o cinema, o teatro, a poesia e as artes plásticas. Com o fim da Segunda Guerra Mundial, ideias como progresso, desenvolvimento, racionalidade, entre outras, relacionadas à modernidade, passaram a ser fortemente questionadas diante dos resultados traumáticos dos conflitos que marcaram a primeira metade do século XX, além das experiências totalitaristas, sobretudo o nazifascismo. Nas artes, floresciam movimentos cujo objetivo concentrava-se na observação política e no debate estético, além de um forte espírito de contestação dos próprios pressupostos modernos.

A respeito das características e contribuições da Tropicália para a arte brasileira, analise as afirmações a seguir:
I – o artifício da alegoria foi uma das ferramentas mais importantes e inventivas utilizadas pelo Tropicalismo como forma de comportar suas visões críticas sobre a realidade política e social do Brasil e contornar o aparelho da censura.
II – o Tropicalismo destaca-se como um marco na história da arte no Brasil, trazendo tanto novas discussões políticas e estéticas, como também resgatando debates e abordagens artísticas que tiveram início na Semana de Arte Moderna de 1922.
III – A Tropicália rejeitou a proposta antropofágica dos modernistas, preferindo resgatar aspectos estéticos e temáticos tradicionais, o que fica comprovado pela ausência de influência de estilos e termos estrangeiros nas composições.
IV – Na Manifestação Contra a Guitarra Elétrica, ocorrida em 1967, integrantes da MPB questionaram o uso desse instrumento entre os artistas da nascente música tropicalista. Como símbolo estrangeiro, o instrumento em certa medida macularia a originalidade da tradição musical brasileira. Contudo, o uso de instrumentos e influências externas dava-se de forma antropofágica e crítica. 

O teatrólogo e diretor Augusto Boal, refletindo sobre as funções da arte e da ciência, em seu livro Teatro do Oprimido observa que, segundo Aristóteles, a Natureza tende à perfeição, mas nem sempre a alcança. Nas palavras do autor, “o corpo humano tende à saúde, mas pode enfermar-se. Os homens tendem gregariamente ao Estado perfeito e à vida comunitária, mas podem ocorrer guerras. Diríamos melhor, portanto, que a Natureza tem certos fins em vista, perfeitos, e a eles tende, mas às vezes fracassa. Para isso serve a arte e serve a ciência: para, recriando o princípio criador das coisas criadas, corrigir a natureza naquilo em que haja fracasso. Alguns exemplos: o corpo humano tenderia a resistir à chuva, ao vento e ao sol, mas tal não se dá e a pele não é suficientemente resistente para isso. Entra, pois, em ação a arte da tecelagem, que permite a fabricação de tecidos para a proteção da pele. A arte da arquitetura constrói edifícios e pontes para a habitação do homem e para que cruze os rios. A medicina prepara os medicamentos necessários quando determinado órgão deixe de funcionar como deve. E a política serve igualmente para corrigir as falhas que os homens possam cometer, ainda que tendam todos à vida comunitária perfeita. Esta é a função da arte e da ciência: corrigir as falhas da natureza, utilizando para isso as próprias sugestões da Natureza. (...)”. BOAL, Augusto. Teatro do oprimido. Rio de Janeiro: Civilização Brasileira, 1991. A partir da análise do texto, pode-se afirmar corretamente que, na perspectiva do Teatro do Oprimido:

“(...) A pesquisadora e professora Ana Mae Barbosa, refletindo sobre a democratização do conhecimento em arte vinculado a uma educação descontextualizada, percebeu a relevância de conhecer o processo histórico do ensino no Brasil e no mundo para intervir no mesmo conscientemente. Com base em seus estudos, Ana Mae Barbosa, no final da década de 80, por meio de reflexões sobre o contexto modernista e seguindo os ensinamentos de Paulo Freire (2010) de recusa à colonização hegemônica, sistematizou um posicionamento teórico-metodológico, conhecido como Metodologia Triangular, Proposta Triangular, ou ainda Abordagem Triangular. Barbosa, em seu livro A imagem no ensino da arte (2014), afirma:

“A Abordagem Triangular se referiu à melhoria do ensino de arte, tendo por base um trabalho pedagógico integrador, em que o fazer artístico, a análise ou leitura de imagens (compreendendo o campo de sentido da arte) e a contextualização interagem ao desenvolvimento crítico, reflexivo e dialógico do estudante em uma dinâmica contextual sociocultural. (...)”.

DA SILVA, THARCIANA GOULART & LAMPERT, JOCIELE. Reflexões sobre a Abordagem Triangular no Ensino Básico de Artes Visuais no contexto brasileiro.

A respeito da Abordagem Triangular, proposta por Ana Mae Barbosa, pode-se afirmar que:

Lucimar Bello P. Frange, em Inquietações e mudanças no ensino da arte, afirma:

“(...) O multiculturalismo no ensino da Arte tem chegado ao Brasil por muitos caminhos, vindo de preocupações e discussões que se iniciaram nos Estados Unidos e na Europa, a partir dos problemas sociais que se acumulam naquelas sociedades. Como essas preocupações relacionavam-se principalmente com os conflitos étnicos presentes naqueles países a educação multicultural enfocou especialmente esse aspecto. No entanto, tal enfoque foi sendo ampliado, tendo em vista as numerosas culturas presentes em toda sociedade, baseadas em aspectos como religião, idade, gênero, ocupação, classe social, etc, sendo que a questão étnica é apenas uma das características de um indivíduo. Ana Mae Barbosa salienta “a ideia de reforçar a herança artística e estética dos alunos com base em seu meio ambiente” e adverte que se essa proposta “não for bem conduzida, pode criar guetos culturais e manter grupos amarrados aos códigos de sua própria cultura sem possibilitar a decodificação de outras culturas (...)”.

A respeito do multiculturalismo, na perspectiva das autoras Lucimar Bello e Ana Mae Barbosa, é correto afirmar: 

“(...) O compromisso com a diversidade cultural é enfatizado pela Arte-Educação Pós-moderna. Não mais somente os códigos europeus e norte-americanos brancos, porém mais atenção à diversidade de códigos em função de raças, etnias, gênero, classe social, etc. (...) Enquanto os termos “Multicultural” e “Pluricultural” pressupõem a coexistência e mútuo entendimento de diferentes culturas na mesma sociedade, o termo “Intercultural” significa a interação entre as diferentes culturas. Esse deveria ser o objetivo da Arte-Educação interessada no desenvolvimento cultural. (...) Todas as classes têm o direito de acesso aos códigos da cultura erudita, porque esses são os códigos dominantes – os códigos do poder. (...) A mobilidade social depende da inter-relação entre os códigos culturais das diferentes classes sociais e o entendimento do mundo depende de uma ampla visão que integre o erudito e o popular. (...)”.
BARBOSA, Ana Mae (org.), Inquietações e mudanças no ensino da arte. São Paulo: Cortez, 2002.

A respeito das tendências da Arte-Educação Pós-moderna contemporânea, na perspectiva de Ana Mae Barbosa, assinale V (verdadeiro) ou F (falso) para as afirmações a seguir:

( ) Grande ênfase vem sendo dada aos projetos de Arte-Educação que demonstram o mesmo valor apreciativo pela produção erudita e pela produção do povo e que estabelecem um relacionamento entre a Cultura da Escola e a Cultura da Comunidade, por mais pobre que seja a Comunidade.

( ) O conceito de criatividade permanece inalterado desde o século XX. A criatividade deve ser desenvolvida por intermédio do fazer artístico, sendo para isso prescindíveis a leitura e a interpretação das obras de Arte, bem como a elaboração e a flexibilidade. A visão Modernista prevalece e dos fatores envolvidos na criatividade o de máximo valor é a originalidade.

( ) A necessidade de alfabetização visual se relaciona com a importância do papel da Arte na Escola na medida em que a leitura do discurso visual prioriza a análise de forma, cor, linha, volume, equilíbrio, movimento e ritmo, sendo secundário, portanto, considerar a significação que esses atributos, em diferentes contextos, conferem à imagem.

( ) Arte-Educação baseada na Comunidade é uma tendência contemporânea que tem apresentado resultados muito positivos em projetos de educação para a reconstrução social, quando não isolam a cultura local, mas a discutem em relação com outras culturas.

A sequência correta para preenchimento dos parênteses, de cima para baixo, é: 

Em Inquietações e mudanças no ensino da arte, Ana Mae Barbosa sustenta que a mera obrigatoriedade não basta para garantir a exitência da Arte no currículo e tampouco as leis garantem um ensino-aprendizagem que torne os estudantes aptos para entender a Arte ou a imagem na condição pós-moderna contemporânea. A autora afirma que “os poderes públicos, além de reservarem um lugar para a Arte no currículo, precisam propiciar meios para que os professores desenvolvam a capacidade de compreender, conceber e fruir arte. Sem a experiência do prazer da Arte, por parte de professores e alunos, nenhuma teoria da Arte-Educação será reconstrutora. (...) A chamada livre-expressão, praticada por um professor realmente expressionista ainda é uma alternativa melhor que as anteriores, mas sabemos que o espontaneísmo apenas não basta, pois o mundo de hoje e a Arte de hoje exigem um leitor informado e um produtor consciente. A falta de uma preparação escolar para entender Arte antes de ensiná-la é um problema crucial, nos levando muitas vezes a confundir improvisação com criatividade. (...)”.
A respeito da formação de professores de Arte, segundo a autora:

“Na arte ________ surgida a partir dos anos 1960, é possível utilizar o corpo como meio para realizar ações fora de convenções tradicionais que podem se relacionar com diferentes linguagens artísticas, como artes visuais, música e teatro”.
Assinale a alternativa que preenche corretamente a lacuna do trecho acima.

Sobre um determinado movimento, tem-se que ocorreu nas décadas de 1960 e 1970 por meio de artistas que trabalhavam com diferentes linguagens como música, cinema, dança, performance, happenings, instalações e outras. Tais artistas encontravam significado no próprio material de arte, podendo ser seus corpos, as cordas de um piano ou a película de um filme. A descrição trata do:

Leia o trecho abaixo:
“(...) é o teatro de um homem só e coerente. De um homem que teve ideias e acreditou nelas até o fim. Por essa coerência, ficou muito tempo sem trabalhar em teatro. Havia nele uma total indiferença por estar na crista da onda, essa vaidade tão mortal para tantos e bons artistas. Não queria ser o único, não queria ser o primeiro, não queria ser o melhor. Queria ser apenas mais um. (...) Era um homem prático. O senso comum e a capacidade de ser objetivo, direto, de entender o que acontece e por que acontece, fazia com que ele tivesse uma visão muito especial do teatro brasileiro. (...) Tinha uma visão orgânica do teatro. Nesse sentido, não se consegue saber onde começava a sua preocupação política ou terminava a preocupação estética. Embora tenha trabalhado espetáculos à maneira de Joan Littlewood (Oh, que delícia de guerra!), à maneira de Peter Brook (Marat/Sade), à maneira de Brecht (Aracelli, um dos espetáculos mais brechtianos que eu vi), ele acolheu todas essas tendências, experimentou todas, mas nunca se limitou a elas. Trabalhou com dança, televisão, shows de música, enfim, experimentou todas as linguagens e deu uma cor profundamente brasileira a todas essas áreas”. (GUZIK in MENDES, 1997, p. 194).

O trecho acima se refere à: 

Cohen (2007) aborda uma prática que amplia as fronteiras da investigação e da experimentação artística. Sobre essa arte de fronteira, ele diz o seguinte:
”A ________ está ontologicamente ligada a um movimento maior, uma maneira de se encarar a arte; A live art. A live art é a arte ao vivo e também a arte viva. É uma forma de se ver arte em que se procura uma aproximação direta com ________, em que se estimula o espontâneo, o natural, em detrimento do elaborado, do ensaiado. (COHEN, 2007)”.

Assinale a alternativa que preenche, correta e respectivamente, as lacunas do trecho acima.

Para Stanislavski, “todos os que trabalham no teatro, desde o porteiro, o vendedor de ingressos, a moça do vestiário, o ‘vaga-lume’, todas as pessoas com as quais o público entra em contato quando vai ao teatro, até os diretores, a equipe e, finalmente, os próprios atores, todos eles são co-criadores com o autor, o compositor, que conseguem reunir a plateia. Todos eles servem, e estão sujeitos ao objetivo principal da nossa arte. Todos participam da produção”. (STANISLAVSKI, 2001, p. 352). Acerca das ideias do autor, é correto afirmar que:

“Músico, escritor e artista norte-americano foi responsável por provocar mudanças nas noções de forma e obra musical no século XX por meio da música casual. Em seu estudo, o significado do silêncio é reinterpretado. É autor do trabalho 4’33” em que um pianista permanece em frente ao instrumento sem tocá-lo durante o tempo mencionado no título da obra. Durante a experiência, surgem os sons não intencionais oriundos do público, os quais se tornam parte da obra”. Esse trecho refere-se à qual artista? 

Observe a imagem abaixo:
Figura 2 - Geometria à brasileira chega ao paraíso tropical, 2018 impressão digital, colagem e monotipia sobre papel. 48 x 33 cm Disponível em: https://dasartes.com.br/de-arte-a-z/em-exposicao-no-texas-artistas-refletem-sobre-estruturasopressoras-no-brasil/

Essa imagem é uma obra da artista:

O Teatro do Oprimido de Augusto Boal permite que o povo seja protagonista e transformador da arte dramática, tornando o espectador um sujeito ativo na ação teatral. Alguns dos elementos que compõem a “árvore” do teatro do oprimido são:
1. Teatro Jornal. 2. Teatro Fórum. 3. Teatro Imagem. 4. Teatro Fotográfico. 5. Teatro Debate.

O resultado da somatória dos números correspondentes às afirmações corretas é: