No fim do século XIX, houve uma reação contra as regras que predominavam em toda a arte. Procurava-se, novamente, a emoção, a paixão. Surgiram os impressionistas e tinha início a desconstrução da figura real. A preocupação em copiar a realidade tornou-se cada vez mais frágil e predominava a busca das impressões, das sensações. Foi um período muito produtivo, em que inúmeros artistas deram sua contribuição para que as fronteiras da arte se expandissem. Teve início a primeira ruptura, com a arte predominantemente imitativa, naturalística, realista. O surgimento da fotografia impulsionou essas transformações, encorajando os artistas a se liberarem da cópia fiel da realidade, e, assim, pesquisarem outros caminhos. Logo, os pintores reconheceram que a pintura não expressa apenas o que representa como figura e foramNo fim do século XIX, houve uma reação contra as regras que predominavam em toda a arte. Procurava-se, novamente, a emoção, a paixão. Surgiram os impressionistas e tinha início a desconstrução da figura real. A preocupação em copiar a realidade tornou-se cada vez mais frágil e predominava a busca das impressões, das sensações. Foi um período muito produtivo, em que inúmeros artistas deram sua contribuição para que as fronteiras da arte se expandissem. Teve início a primeira ruptura, com a arte predominantemente imitativa, naturalística, realista. O surgimento da fotografia impulsionou essas transformações, encorajando os artistas a se liberarem da cópia fiel da realidade, e, assim, pesquisarem outros caminhos. Logo, os pintores reconheceram que a pintura não expressa apenas o que representa como figura e foram 

Nas primeiras décadas do século XX, as transformações industriais, econômicas e sociais têm um profundo impacto sobre as artes. Nesse novo mundo em que existe fotografia, cinema, rádio, telefone, automóvel, avião e fábricas, tudo tem que ser repensado. A arte se multiplica em várias vertentes que refletem a perplexidade do homem diante de suas próprias possibilidades. Todos estão em busca de novas linguagens, que possam expressar os sentimentos contraditórios da modernidade. É um tempo de liberdade total de criação, de pesquisa de novos materiais, de rompimento das regras já estabelecidas, de independência do realismo e da cópia da natureza, da valorização da subjetividade e do inconsciente... e muitas outras propostas criativas. A partir de 1900, há grande multiplicidade de caminhos, correntes, movimentos e manifestações estéticas e começam a surgir novos "ismos" na Era da Arte Moderna. A partir do século XX, fazem parte desses novos estilos o

De Chirico (1888-1978) nasceu na Grécia, filho de pais italianos, e estudou pintura em Munique, na Alemanha. Morou em Paris, onde logo começou a pintar paisagens muito estranhas, com grandes vazios, lugares desertos, pessoas representadas com sombras deformadas. Chirico influenciou muitos pintores, um deles foi Salvador Dali.



Uma de suas obras importantes é “Enigma de um Dia” (Mac-Usp, SP), de 1914. Nela, o artista retrata uma praça obscura e vazia, ladeada por arcadas e perspectivas modificadas; ao centro, um homem torna-se uma estátua. A esse estado de pintura, que De Chirico desenvolveu com seus colegas Giorgio Morandi e Carlo Carrà, em que já parecia mergulhar no lado obscuro e misterioso da mente humana, deu-se o nome de

Tarsila do Amaral pintou muitas telas da fase antropofágica, como Antropofagia (Coleção Fundação José e Paulina Nemirovsky), obra parecida com Abaporu, só que exibindo dois corpos em vez de um, além de obras como Urutu (1928), A Lua (1928), Sol Poente (1929). Essas obras parecem estabelecer um diálogo entre a paisagem e as histórias brasileiras com as influências europeias que Tarsila recebeu em aulas com artistas como André Lhote, Fernand Léger, além do contato com os surrealistas.
O movimento da antropofagia influenciou muitos artistas, escritores e poetas brasileiros envolvidos com o modernismo. A ideia era formar uma linguagem inovadora, capaz de retratar a identidade nacional e afinar-se com os projetos modernos da vanguarda contemporânea. O movimento antropofágico

Diferente dos fovistas e expressionistas, que buscavam a libertação da cor e da emoção a fim de beirar a abstração como uma forma de evocar espiritualidade, os cubistas perseguiam uma nova construção para a forma. As pesquisas cubistas não se ligavam a um interesse emocional ou espiritual, e sim a uma intensa curiosidade racional e analítica. Um dos artistas que geraram essa pesquisa cubista foi Pablo Picasso (1881-1973). Nascido em Málaga, na Espanha, Picasso foi morar em Paris, que, no começo do século XX, era o centro da arte moderna, e lá começou a pintar e esculpir de diferentes maneiras, partindo de pesquisas anteriores, realizadas por mestres impressionistas e pós-impressionistas. Pensando nisso tudo, Picasso foi modificando sua maneira de representar figuras. Em 1907, realizou uma pintura que se tornou marcante para a história do cubismo e de toda arte ocidental: Les Demoiselles d'Avignon (As Senhoritas de Avignon). Essa obra é considerada o começo do cubismo. Mas Picasso não estava sozinho nessa maneira de pensar e trabalhar. Nesse ano conheceu o francês Georges Braque (1882-1963). Os dois perceberam que estavam buscando questões e projetos análogos e resolveram trabalhar juntos. Além desses dois grandes nomes do cubismo, outro artista que se manteve fiel ao estilo cubista, literalmente, na sua essência até o final de sua carreira, foi 

Em 1949, o fotógrafo Gjon Mili fez uma visita a um determinado pintor e mostrou algumas de suas fotografias, de patinadores com pequenas luzes afixadas aos patins, pulando em uma sala escura. O artista, então, deu a Mili 15 minutos para experimentar a técnica e ficou tão fascinado que posou para cinco ensaios, criando no ar cerca de 30 imagens de centauros, touros, perfis e sua própria assinatura com a técnica da fotografia de light painting. Publicadas pela revista LIFE, essas imagens são quase desconhecidas, ofuscadas por seu imenso legado na arte pictórica, sem deixar, porém, de ser igualmente estimulantes. Esses relatos de experiências fotográficas são do artista 

No TEXTO 1, presente na Sintaxe da Linguagem Visual, a ordem contribui enormemente para a síntese visual: uma técnica visual que envolve a imediatez e a uniformidade da forma elementar, livre de complicações ou elaborações secundárias. O autor sugere a

Na pesquisa “Sintaxe da Linguagem Visual”, em que Donis A. Dondis diz que o TEXTO 2 compreende uma dificuldade visual constituída por inúmeras unidades e forças elementares e resulta num difícil processo de organização do significado no âmbito de um determinado padrão, que Donis denomina de

Se observarmos com atenção as dimensões (altura e largura) de uma figura, veremos que há relações entre esses dois dados. Se desejarmos desenhá-la, temos que observar essas relações, ou seja, as relações matemáticas que existem entre as medidas de um objeto observado, onde essas relações continuam congruentes mesmo que o nosso desenho seja reduzido para o tamanho de um selo ou ampliado para o tamanho de uma parede. Quando não respeitamos essas relações, nossos desenhos ou trabalhos podem apresentar problemas. Mas há artistas que exploram justamente a falta ou quebra dessa relação para darem aos seus trabalhos um aspecto estranho e inquietante. Essa relação de ajustamento de medidas para ampliação ou redução de um desenho para que ele fique visualmente adequado à realidade visual do objeto representado é conhecida como 

Artista da fotografia que usou sua linguagem para criar imagens para além do real. Tentou antes, várias vezes, atravessar as fronteiras da realidade e misturá-la com o sonho. Ele próprio disse certa vez: “Acredito no invisível, não acredito no visível...” e “Para mim, a realidade reside na intuição e na imaginação e na voz da minha cabeça que diz: Isto não é extraordinário?!” Entre 1951 e 1953, estudou na Universidade de Denver e, em 1956, frequentou a Parson School of Design de Nova lorque. Tirou as primeiras fotografias em 1958, numa viagem pela União Soviética. No fim dos anos cinquenta, estabeleceu-se em Nova lorque como fotógrafo independente, trabalhou para revistas de moda e entretenimento, como a Vogue, Esquire, Mademoiselle, Show ou New York Times e especializou-se em fotografia de retrato. Já a essa altura, manifestou o seu sentido para produções críticas, por vezes semelhantes a sonhos, revelando um interesse pelo Surrealismo. Em 1963, visitou René Magritte, cujas pinturas o tinham entusiasmado. A série de retratos deste artista é considerada o seu apogeu, dado que conseguiu retratar não só Magritte, a pessoa, mas também o seu mundo de ideias artísticas. 




Sua obra beira a irrealidade ilusória e até hoje inspira muitos outros artistas da fotografia. Ele é