Professores não estão diante de alunos iguais, mas de jovens ou crianças que são singulares e heterogêneos socioculturalmente.

A autora expõe uma fala segregadora, que exclui alunos que não tenham preferências musicais semelhantes.

O enfoque na atuação dos professores em sala de aula direcionado às diferenças, à pluralidade e à inclusão é mais benéfico em detrimento de abordagens baseadas em uma única cultura ou estilo.

A consciência a respeito das práticas sociais dos alunos e as interações com o lugar de espaço de viver, de habitar, do uso, do consumo e do lazer, enquanto situações vividas, são valorosas referências para analisar como experimentam, vivenciam, e assimilam a música e a compreendem de algum modo.

O foco da autora está em elucidar a pluralidade dos alunos que, através da diversidade e particularidade de suas próprias experiências, constroem o seu ser.

Heitor Villa-Lobos.

José Mauricio Nunes Garcia.

Antônio Carlos Gomes.

Alberto Nepomuceno.

Henrique Oswald.

Apenas I, II e IV.

Apenas I, III e V.

Apenas I, IV e V.

Apenas II, III e IV.

Apenas II, III e V.

Capaz de relacionar na imagem as suas partes e o todo.

Que baseia a sua interpretação na sua memória, intuição e nas informações da imagem.

Familiarizado com a arte, com experiência e criticidade na análise de obras.

Pouco habituado com a arte, que se interessa mais em eleger alguns elementos para análise.

Que busca pistas e informações para decodificar a imagem em busca da sua compreensão.

Produção.

Apreciação

Interação

Contextualização

Estruturação

Linha.

Forma.

Textura.

Composição.

Massa.

O uso de formas rebuscadas e exageradas.

A Lei da Frontalidade na expressão pictórica.

A preocupação paisagística no entorno arquitetônico como parte do conjunto artístico.

O estudo da influência da luz sobre a cor no ambiente.

O surgimento do estilo pessoal do artista.

Formalismo e exaltação do belo.

Ruptura e inovação.

Melodrama e poesia.

Perfeição e pureza.

Comercialização e vitalidade.

apesar de ser um produto da fantasia e imaginação, a arte não está separada da economia, da política e dos padrões sociais que operam na sociedade.

a arte só pode ser compreendida a partir de relações subjetivas, sendo resultado de pura emoção, ligada à história pessoal.

não é necessário o estudo da história da arte, porque o importante na produção artística é o aprimoramento técnico a partir das experiências de vida do/da artista.

a expressão artística tem origem nos elementos memorialísticos, servindo como base a própria vivência do/da artista, registrada em desenhos, diários, fotografias.

a evolução no campo artístico se dá a partir do desenvolvimento de tecnologias de produção de imagem e isso é o que deve ser conteúdo das aulas de arte.

Participação e desenvolvimento nos jogos de atenção, observação, improvisação, etc.

Reconhecimento e utilização dos elementos da linguagem dramática: espaço cênico, personagem e ação dramática.

Experimentação e articulação entre as expressões corporal, plástica e sonora.

Experimentação na improvisação a partir de estímulos diversos (temas, textos dramáticos, poéticos, jornalísticos, etc., objetos, máscaras, situações físicas, imagens e sons).

Experimentação na improvisação, sem necessidade de regras e independente da atividade proposta.

Articulando os elementos de matriz africana, a história dos afrodescendentes e o cotidiano das ruas, o hip hop difundiu-se em festas com o propósito de diminuir as brigas de gangues que assolavam os bairros pobres de Nova York.

Breaking, vogue e locking são os principais estilos da dança hip hop.

No Brasil, a primeira manifestação do hip hop remonta a meados dos anos de 1990 com a dança break.

Os termos dança de rua, street dance e danças urbanas são sinônimos e englobam os mesmos estilos e as mesmas modalidades de dança.

MC e DJ significam, respectivamente, a pessoa que conduz as músicas em festas e bailes e a pessoa que entretém os convidados.

Os pés apresentam como principais características a agilidade e a determinação, predominando o esforço médio, na dança do orixá Exu.

Os pés entranhados na terra, com esforço máximo, predominam nos caboclos, e é constante, na sua dinâmica de movimentos, a utilização dos apoios das bordas internas.

Os pés penetram a terra e, em seguida, são impulsionados para cima; no batuque no Moçambique, durante o sapateio, não ocorre a impulsão, e os pés deixam a força concentrada no solo.

No maracatu, são utilizadas gungas nos tornozelos, representando os antigos grilhões dos escravos, e os pés entram no solo empregando um esforço máximo.

Os pés exercem a função de sintonizar cada indivíduo consigo próprio e de estabelecer a relação com o espaço ritual, nas giras da umbanda e nos ritos de candomblé.

caboclinho, frevo e capoeira possuem matrizes indígenas.

as danças populares são sempre danças sociais.

tango, maracatu e salsa têm origem europeia.

jongo, capoeira e samba têm origem em matrizes africanas.

forró, zouk e catira são danças consideradas de salão.

Chinita Ullmann e Eros Volúsia são exemplos de artistas da dança moderna, que se influenciaram por temas da cultura popular, com atuação no Rio de Janeiro e em São Paulo, respectivamente, na década de 1980.

Na dança moderna brasileira, os temas folclóricos passam a ter lugar garantido. As interações entre dança popular e dança teatral erudita, a partir da década de 1930, apresentam-se como um forte componente de renovação estética.

O Teatro Experimental do Negro, criado por Abdias do Nascimento, e o Teatro Folclórico Brasileiro, fundado por Miécio Askanasy, na década de 1970, dedicaram-se à criação de peças com temas brasileiros.

O Ballet Stagium, o Balé do IV Centenário e o Grupo Corpo são exemplos de grupos de dança clássica, que utilizaram temas da cultura popular em seus trabalhos, a partir dos anos de 1980.

O Ballet Folclórico Mercedes Baptista foi criado na década de 1930, no Rio de Janeiro. A artista também influenciou os desfiles das escolas de samba com coreografias de alas.

A Quasar Cia de Dança é dirigida por Alejandro Ahmed e foi criada em 1995 na cidade de Florianópolis, em Santa Catarina.

A Companhia de Dança Deborah Colker foi criada em São Paulo, em 1994.

O Grupo Cena 11 Cia de Dança é uma companhia de dança contemporânea goiana, fundada por Henrique Rodovalho em 1988.

O Balé da Cidade de São Paulo foi fundado em 1968 como companhia de repertório clássico, passando por uma reformulação a partir de 1974, realizando espetáculos de balé contemporâneo e dança contemporânea.

A Companhia/Núcleo Alaya Dança foi fundada em Brasília pela artista Luciana Lara, em 1989.

Utilização do espaço cênico como um campo aberto, dos elementos cênicos de forma independente, do acaso e da ausência de encadeamento lógico são características das composições de Cunningham.

Twyla Tharp, Lucinda Childs e Trisha Brown são representantes da dança pós-moderna alemã.

Pina Bausch é uma artista da dança americana, que fundou o Wuppertal Dança-Teatro na década de 1970.

Alwin Nikolais, Paul Taylor e Alvin Ailey são representantes da dança contemporânea americana.

Steve Paxton criou o contato improvisação na França na década de 1980.

O Ballet Stagium foi fundado em Belo Horizonte por Rodrigo e Paulo Pederneiras, na década de 1970.

O Ballet do IV Centenário foi uma companhia de dança criada em comemoração aos 400 anos da cidade do Rio de Janeiro, na década de 1950.

O Grupo Corpo é uma companhia de dança criada em São Paulo por Ivaldo Bertazzo, na década de 1980.

Klauss Vianna e Angel Vianna criaram a Escola Klauss Vianna no Rio de Janeiro, na década de 1950.

Maria Duschenes, Renée Gumiel, Yanka Rudzka e Rolf Gelewski são artistas estrangeiros da dança moderna, que desenvolveram trabalhos artísticos e pedagógicos no Brasil, na segunda metade do século 20.