O grafite e a pichação constituem as linguagens específicas da arte urbana.

A inclusão de nomes como os irmãos Pandolfo (Os Gêmeos), nos circuitos artísticos, tem contribuído para a difusão do grafite em diversas esferas, incluindo a educação, em que constitui recurso para o desenvolvimento artístico e expressivo do aluno.

O caráter individual e a obediência a padrões estéticos prédefinidos marcam a linguagem do grafite.

O fato de os autores estarem associados exclusivamente a questões específicas de grupos e comunidades a que pertencem limita a expansão da arte urbana.

A cultura urbana e a popular têm em comum o fato de suas manifestações artísticas serem aceitas como tal somente a partir do reconhecimento acadêmico.

Tambor de Crioula, no Maranhão, e o Modo de Fazer Viola-de-Cocho, comum na região Centro-Oeste

Pão de Açúcar e o Cristo Redentor, no Rio de Janeiro.

Feira de Caruaru, em Pernambuco, e o Centro Histórico de Manaus – AM.

Festa do Divino Espírito Santo, em Pirenópolis – GO, e o Conjunto Histórico de Paracatu – MG.

Serra da Piedade, em Minas Gerais, e a Igreja Positivista, no Rio de Janeiro.

O isopor é o mais indicado para maquetes de edificações, pois sua composição permite a utilização de qualquer tipo de cola ou tinta.

O uso da escala e o tamanho da maquete são determinantes na escolha dos materiais a serem utilizados.

Por se tratar de uma mera representação do objeto imaginado, o uso de escala em uma maquete é dispensável.

Uma maquete deve, obrigatoriamente, obedecer a uma escala que reproduza fielmente as proporções do objeto real e seus detalhes.

Na construção de uma maquete, independentemente do tamanho, é aconselhável o uso dos mesmos materiais e cores a serem utilizados no objeto original.

gráficos ou lineares.

diagramáticos.

matemáticos.

simbólicos.

icônicos.

possui uma estrutura racional, cujas formas geométricas são inadequadas à configuração encontrada no Planalto Central.

apresenta uma configuração arquitetônica subordinada às condições locais, como a paisagem e os recursos materiais disponíveis.

não provocou agressões ou alterações no meio ambiente, característica marcante da arquitetura moderna e contemporânea.

demonstra um planejamento adequado à topografia e vegetação locais e as formas geométricas da cidade conferem um sentido de ordem.

conjugou um planejamento racional das vias e quadras a formas orgânicas e livres dos edifícios como maneira de adequar a arquitetura à natureza.

Tunga e Adriana Varejão.

Romero Brito e José Lins do Rego.

Hélio Oiticica e Almeida Júnior.

Lígia Clark e Victor Brecheret.

Vick Muniz e Mestre Valentim.

Na Era Vargas, o ímpeto revolucionário dos modernistas foi resgatado e valorizado, sobretudo por inspirar a liberdade e a prosperidade tão almejadas pelo Estado Novo.

O panorama político de exaltação à nacionalidade durante o Estado Novo fez com que novos expoentes do Modernismo, entre os quais Djanira, Lígia Pape e Hélio Oiticica, usufruíssem do apoio governamental e contassem, inclusive, com o financiamento estatal para o desenvolvimento de seus trabalhos.

A partir de 1930, surgiram grupos de artistas focados em estudos acerca de novas técnicas, na profissionalização como artista. Eram, em sua maioria, oriundos da classe média, do operariado. Entre esses grupos, destacam-se o Santa Helena, em São Paulo, o Núcleo Bernadelli e o Guanabara, no Rio de Janeiro, e artistas como Rebolo, Volpi, Mário Zanini e Pancetti.

Integrantes da Semana de Arte Moderna, como Tarsila do Amaral, Portinari e Di Cavalcanti, usufruíram de ampla liberdade nesse período, tendo em vista o caráter social de suas obras.

Enquanto a pintura moderna, sobretudo o muralismo de Portinari, gozava do apoio do governo Vargas, segmentos como a música e a arquitetura não apresentaram evolução no período, fato decorrente talvez pela rejeição ao experimentalismo e falta de uma orientação estética nessas duas linguagens.

Além da ânsia pela modernização da arte no país, a Semana de 1922 significou uma tentativa de firmar uma identidade brasileira por meio da valorização dos tipos nacionais e da cultura popular.

Antes mesmo de anunciar o Modernismo na Semana de 1922, Tarsila do Amaral, Anita Malfatti, Di Cavalcanti e Oswald de Andrade haviam se dirigido a Paris para, assim como os acadêmicos do século 19, afirmar os cânones da arte predominantes no país.

A realização da Semana de 1922, em São Paulo, foi um provocativo contraponto em relação à cidade então tradicionalista e sem o desenvolvimento urbano característico de outras capitais à época.

Assim como a vanguarda europeia, o Modernismo brasileiro surgiu dotado de forte apelo popular, fato decorrente da própria origem de grande parte dos integrantes da Semana de Arte Moderna de 1922, vindos das classes baixas da sociedade, filhos de operários e camponeses.

Tarsila do Amaral foi a artista que melhor incorporou o espírito modernista brasileiro. Primeira a ter contato com a vanguarda europeia, teve participação fundamental na Semana de Arte Moderna de 1922 e nos movimentos Pau-Brasil, de 1924, e Antropofágico, de 1928.

A técnica do modelado consiste na criação de moldes em argila e gesso para a produção de obras em metal.

O uso de policromia nas esculturas em madeira por artistas barrocos, como Aleijadinho, foi um recurso para aumentar a expressividade das obras e também sanar imperfeições decorrentes dos nós e veios da peça utilizada.

A técnica de cera perdida, por sua simplicidade, é ideal para a produção de esculturas em madeira e argila.

A utilização de instrumentos como buril, brocas e cinzel é específica do trabalho com esculturas em bronze e mármore.

Entre as técnicas comuns aos ateliês, o vazado em bronze é a mais simples e funcional, pois depende unicamente do trabalho isolado do artista para modelar a forma final.

O processo de planejamento e construção de uma escultura é totalmente diferente da elaboração de um desenho, pois acontece explorando elementos e estruturas distintos.

Materiais tradicionais, de maior plasticidade e praticidade no manuseio, como o granito e o bronze, facilitam a construção de obras ricas em detalhes e realismo.

Altos e baixos relevos em paredes e colunas diferenciam-se da escultura por se aproximarem mais do desenho e da pintura e não propiciarem a exploração do espaço tridimensional.

O uso da cor e da luz em uma escultura serve para gerar volume e também reforçar aspectos objetivos e subjetivos da obra, como o realismo ou simbolismo presente.

Embora contribua para a percepção de características como volume, textura e expressão, a escolha do material não interfere na transmissão de sensações como peso em uma escultura.

valorização do artesão e o uso de motivos orgânicos nos objetos elaborados.

desenvolvimento de propostas racionais funcionalistas como norteadoras do design.

enaltecimento ao desenvolvimento da indústria e da sociedade capitalista.

recusa ao apelo estético e aos materiais inovadores oferecidos pela indústria.

retorno ao modelo de produção artesanal medieval e o uso de formas racionais nos objetos.

Cubismo.

Simbolismo.

Fovismo.

Impressionismo.

Realismo.

verificada especificamente nos filmes e câmeras analógicas.

percebida somente por meio dos sensores das câmeras digitais.

determinada pelo índice de sensibilidade dos filmes ou dos sensores das câmeras digitais à luz.

resultante do trabalho com ferramentas como o histograma e as curvas na fotografia digital.

verificada exclusivamente no registro de imagens tridimensionais em ambientes com pouca luz.

capacidade da argila de oferecer várias tonalidades em relação à temperatura e ao tempo de exposição ao calor durante o processo de secagem.

diminuição do volume após a evaporação da água.

aumento do volume da argila com o processo de queima.

estado de consolidação da argila por meio do acréscimo de elementos como areia, óxido de ferro e matéria orgânica.

capacidade da argila de ser modelada pela aplicação de uma força e de conservar a forma adquirida após a retirada forma.

Na litografia, assim como nos demais processos de gravação, a matriz não apresenta característica plana, pois os sulcos gerados pelo encavo inevitavelmente constroem formas em alto e (ou) baixo relevos.

Além da ponta seca e do buril, na calcogravura podem ser utilizados recursos químicos, como a água-forte e água-tinta, para a gravação do desenho da matriz.

A técnica da calcogravura surgiu em meados do século 19 e tornou-se o meio de reprodução de imagens mais adaptado ao sistema industrial.

A versatilidade e a qualidade superior das imagens criadas por meio do linóleo fez com que essa técnica se difundisse durante no início do século 20 e fosse utilizada tanto pela indústria quanto pela mídia impressa.

Embora permita a reprodução de várias cópias de um original, a gravura não elimina o caráter único da obra, uma vez que o valor artístico está somente na matriz.

A avaliação do autor mostrou-se equivocada. O rádio entrou em decadência e deixou de ser uma mídia de massa com a popularização da internet.

Populares na América do Norte e na Europa, as rádios exclusivas para web ainda não foram implantadas no Brasil.

Ao contrário do rádio, a televisão não tem sido impactada pelas inovações da internet.

A simplicidade operacional e a agilidade do rádio levam a crer que esse veículo coexistirá com as mídias modernas.

Ao mesmo tempo em que aumentam a oferta de conteúdo, as novas mídias restringem a expressão das opiniões do público.

As mídias mais recentes trazem, entre suas características, a produção colaborativa, inovativa e multimodal.

As mídias digitais nada mais são do que a incorporação do rádio e da TV pela informática.

O impacto das mídias digitais é percebido na indústria do entretenimento, mas é quase nulo na educação.

A TV digital apresenta melhorias técnicas, mas não estimula a interatividade entre quem produz e quem recebe conteúdo.

O que especialistas convencionaram chamar de Web 2.0 é a evolução da internet discada para as conexões em banda larga.

Antes refém do videotape, a televisão passou a transmitir ao vivo nos anos de 1970.

Em programas de TV ao vivo, o uso do teleprompter é vetado. O ideal é que apresentadores memorizem textos para transmitir as informações com mais naturalidade.

Do ponto de vista operacional, não há diferenças entre a exibição de programas gravados e a de transmissões ao vivo.

A relativa complexidade do rádio impede que matérias programadas sejam substituídas por conteúdo mais urgente.

O gerenciamento apurado do tempo é indispensável para qualquer transmissão ao vivo.

As obras de dramaturgia sempre foram gravadas. Obras cênicas ao vivo são inexequíveis em rádio ou TV.

A fim de minimizar a possibilidade de erros, as apresentações dos telejornais de maior audiência no Brasil são gravadas.

O fator tempo é desprezado em programas gravados. Em caso de falhas, basta reiniciar a gravação.

A tendência na transmissão de eventos esportivos em TV aberta é a apresentação gravada, o que ocorre pela falta de espaço para outros de gêneros.

O trabalho de edição requer um refinamento técnico. Editores costumam ser os profissionais com mais experiência nos veículos de comunicação.

Por grade de programação entende-se a sequência de exibição de atrações em rádio e TV estabelecidas pelo controle do Estado.

A internet não trouxe impacto sobre os hábitos tradicionais de telespectadores e ouvintes.

As grades de programação são elaboradas de acordo com a legislação vigente, sem considerar o público disponível em cada faixa de horário.

Consolidada nos anos de 1970, a fórmula que intercala dramaturgia e jornalismo em horário nobre ainda prevalece na televisão brasileira.

Os canais de TV por assinatura oferecem programação menos segmentada que os de TV aberta.