Para Japiassú (2001), “estudos na linha de pesquisa denominada teatro e educação exigem familiaridade com o vocabulário e os saberes destes dois extensos e complexos campos do conhecimento humano: o teatro e a educação. (…) No entanto, o incremento de uma literatura caracterizada como especificamente debruçada sobre o binômio teatro-educação só passará de fato a existir a partir da segunda metade do século XIX.”

Para o autor, as origens da relação entre os dois campos já podem ser encontradas

Japiassú (2001) aponta a importância da teoria genética do desenvolvimento, de Piaget, aliada aos saberes sobre a função terapêutica do teatro, investigada e acompanhada pelos experimentos psicoterápicos conduzidos por J.L. Moreno (1890-1974), que abriram caminho para a utilização educativa do psicodrama aplicado ao treinamento de pessoal em empresas e ao ensino de conteúdos extrateatrais, denominado psicodrama

Para Japiassú (2001), as implicações pedagógicas da Teoria Crítica (Escola de Frankfurt) para o ensino pós-modernista de arte se fazem muito nítidas – embora não explícitas – na proposta metodológica triangular. Para o autor, como exemplo da perspectiva pós-modernista, as intervenções educacionais com a linguagem teatral passam a ser desenvolvidas, articulando-se

Ao elaborar a importância do jogo para sua abordagem de ensino teatral, Spolin aponta sua “forma natural de grupo que propicia o envolvimento e a liberdade pessoal necessários para a experiência. Para a autora, as habilidades pessoais são desenvolvidas no próprio momento em que a pessoa está jogando, divertindo-se ao máximo e recebendo toda a estimulação que o jogo tem para oferecer – é este o exato momento em que ela está verdadeiramente aberta para recebê-las”. (SPOLIN, 2003)

Dessa forma, resulta, segundo Spolin, que os jogos

Para Marques (2012), a produção coreográfica de Merce Cunningham e seu pensamento artístico podem ser considerados um início da era da dança pós-moderna, que rompe com o pensamento vigente desde o século XVIII, caracterizado por ser

Marques (2012) indica como característica da dança de Isadora Duncan

Segundo os PCN-Arte (1998), na primeira metade do século XX, “as atividades de teatro e dança não estavam incluídas no currículo escolar como práticas obrigatórias, e somente eram reconhecidas quando faziam parte das festividades escolares na celebração de datas como Natal, Páscoa ou Independência, ou nas festas de final de período escolar”. Ainda segundo o documento, o teatro era tratado com a única “finalidade de apresentação, na qual os alunos decoravam os textos, e os movimentos cênicos eram marcados com rigor. Apesar da rigidez gestual e vocal dessa atividade, a relação com a plateia era de alguma forma contemplada, tanto que se privilegiava a aprendizagem da dicção”.

No caso da dança, o documento indica que era

Marques (2012) aponta que é por meio de nossos corpos, dançando, que os sentimentos cognitivos se integram aos processos mentais e que se pode compreender o mundo de forma diferenciada, ou seja, artística e estética.

Segundo a autora, a dança na escola torna-se distinta de um baile de carnaval ou de um ritual catártico, resultando na necessidade de

Para Marques (2012), Rudolf Laban, na Inglaterra, e Margaret H’Doublet, nos Estados Unidos, foram, no início do século XX, as influências mais significativas na criação e difusão dos discursos e práticas da dança criativa em âmbito internacional que até os dias de hoje tratam de unificar o ensino de dança para crianças. Para a autora, ambos estão profundamente enraizados na filosofia da dança moderna do início do século, que acredita que

Na seleção de conteúdos em danças no contexto escolar, Marques (2012) questiona a respeito de que modalidades a escola poderia incorporar e sugere a improvisação e composição coreográfica como conteúdos.

Para a autora, essa escolha se deve porque