No Brasil, a aprendizagem de Arte é obrigatória pela LDB no Ensino Fundamental e no Ensino Médio. Ana Mae Barbosa, no entanto, afirma que a mera obrigatoriedade não é suficiente para garantir a existência da Arte no currículo. Em Inquietações e mudanças no ensino da arte (Cortez, 2002), a autora observa que algumas escolas incluem a Arte em apenas uma das séries porque a LDB não explicitou que o ensino de Arte é obrigatório em todas. No caso do Ensino Médio, algumas Secretarias de Educação usam o subterfúgio da interdisciplinaridade e incluem todas as Artes na disciplina de Literatura, “fazendo prevalecer o espírito educacional hierárquico da importância suprema da linguagem verbal e consequente desprezo pela linguagem visual”.

Nesse contexto, segundo a autora: 

"(...) Até o início dos anos 80 o compromisso da Arte na Escola era apenas com o desenvolvimento da expressão pessoal do estudante. Hoje, à livre-expressão, a Arte-Educação acrescenta a livre-interpretação da obra de Arte como objetivo de ensino. O slogan modernista de que todos somos artistas era utópico e foi substituído pela ideia de que todos podemos compreender e usufruir da Arte. (...) Outro aspecto importante da Arte na Escola em nossos dias é o fato de se reconhecer que o conhecimento da imagem é de fundamental importância não só para o desenvolvimento da subjetividade mas também para o desenvolvimento profissional. (...)".
BARBOSA, Ana Mae (org.), Inquietações e mudanças no ensino da arte. São Paulo: Cortez, 2002.

Considerando que muitas profissões estão direta ou indiretamente relacionadas à arte comercial e à propaganda, incluindo todos os campos do design para a moda e a indústria têxtil, a autora sugere que:

Em Uma Breve História da Música, Roy Bennett afirma que “a música do século XX constitui uma longa história de tentativas e experiências que levaram a uma série de novas e fascinantes tendências, técnicas e, em certos casos, também à criação de certos sons, tudo contribuindo para que este seja um dos períodos mais empolgantes da história da música” e observa que “à medida que aparece uma nova tendência, um novo rótulo surge imediatamente para defini-la, daí resultando um emaranhado de nomes terminados em ‘ismos’ e ‘dades’”.
No entanto, a maioria dos muitos rótulos surgidos para definir estilos, técnicas e tendências do século XX, segundo o autor, tem uma coisa em comum:

“(...) Em música, a partir dos anos 30 dominou o Canto Orfeônico, que teve à frente o compositor Villa-Lobos. Embora não tenha sido o primeiro programa de educação musical brasileiro sério, nem o único, pois coexistiu em um emaranhado de tendências diversas, notadamente a escola-novista (tratada a seguir), esse projeto pretendia levar a linguagem musical de maneira sistemática a todo o país. (...) O Canto Orfeônico acabou transformando a aula de música em uma teoria musical baseada nos aspectos matemáticos e visuais do código musical, com a memorização de peças orfeônicas que, refletindo a época, eram de caráter folclórico, cívico e de exaltação. Depois de cerca de 30 anos de atividades em todo o Brasil, o Canto Orfeônico foi substituído pela Educação Musical, criada pela Lei de Diretrizes e Bases da Educação Brasileira de 1961, vigorando efetivamente a partir de meados da década de 60. Entre os anos 20 e 70, muitas escolas brasileiras viveram também outras experiências no âmbito do ensino e aprendizagem de Arte, fortemente sustentadas pela estética modernista e com base nas tendências pedagógicas e psicológicas que marcaram o período. Contribuíram para essas influências os estudos de psicologia cognitiva, psicanálise, Gestalt, bem como os movimentos filosóficos que embasaram os princípios da Escola Nova. O ensino de arte volta-se para o desenvolvimento natural do aluno, centrado no respeito às suas necessidades e aspirações, valorizando suas formas de expressão e de compreensão do mundo. (...)”.
Fonte: Parâmetros Curriculares Nacionais Arte/ Secretaria de Educação Fundamental - Brasília: MEC/SEF, 1997.

De acordo com o documento, no período mencionado as práticas pedagógicas:

“O Maracatu é um dos ritmos populares mais importantes do Nordeste. Surgiu em meados de XVIII no estado de Pernambuco durante o período em que pessoas negras ainda eram escravizadas. É um movimento da cultura popular que envolve música, dança e história - além de figurinos extravagantes, que remetem à cultura africana, indígena e portuguesa. Desde 2018, foi instituído pela Câmara dos Deputados o dia 1º de agosto como Dia Nacional do Maracatu. A data comemorativa já é celebrada em Pernambuco desde 1997 em homenagem ao nascimento do Mestre Luiz de França, que comandou o Maracatu Leão Coroado por 40 anos. Ao tornar a data nacional, o objetivo é fortalecer os elementos desta manifestação cultural presente em quase todos os estados brasileiros.” Quanto às formas de celebração do Maracatu pernambucano, analise as afirmações a seguir:
I - Celebrado durante o Carnaval e o período de Páscoa, o Maracatu Rural - também conhecido como Maracatu de Baque Solto - tem como personagem central o Caboclo de Lança.
II - A tradição do Maracatu Rural é forte por toda Zona da Mata Norte de Pernambuco e configura-se numa fusão de diversos folguedos populares das áreas canavieiras no interior do Estado como o Pastoril, o Bumba-Meu-Boi e o Reisado.
III - Conhecido também como Maracatu de Baque Virado, o Maracatu Nação é composto por grupos musicais percussivos que se concentram nas comunidades de bairros periféricos da cidade do Recife. Os conjuntos apresentam-se um cortejo real, em trajes de seda, veludos, bordados e com pedrarias, que desfilam nas ruas evocando as antigas coroações de reis e rainhas do Congo africano. A celebração faz parte dos festejos carnavalescos.

Estão corretas as afirmações:

“Como toda obra de arte é uma forma sensível que chega a nós pela criação de “formas simbólicas do sentimento humano” (LAGER, 1980), a linguagem da arte propõe um diálogo de sensibilidades, uma conversa prazerosa entre nós e as formas de imaginação e formas de sentimento que ela nos dá. Nessa conversa, os signos artísticos são “apresentações” de metáforas aos nossos sentidos. (...) O objeto artístico é, ele próprio, uma metáfora.”.
MARTINS, Miriam Celeste; PICOSQUE, Gisa; GUERRA, M. Terezinha. Didática do Ensino da Arte – A Língua do Mundo. Poetizar, fruir e conhecer arte. São Paulo: FTD, 1998.
A respeito da natureza metafórica das obras de arte, considere as opões a seguir:

I - Por ser metáfora, os sentidos de uma obra são ilimitados e subjetivos, o que se coloca como um dificultador para o debate profícuo em contexto pedagógico, pois não há sentido objetivo a ser discutido.
II - Ainda que seja uma metáfora, a obra deve ser apresentada tendo em consideração os objetivos semânticos do artista que a criou, pois as intenções autorais contribuem para uma percepção mais objetiva da obra, evitando o excesso de subjetividade na abordagem pedagógica.
III - Por ser metáfora, a obra não traz uma resposta definida, mas provoca em nós uma profusão de perguntas que nos faz extrair dela novos, diferentes e mais profundos significados do que o nosso olhar contaminado pelo cotidiano vê sobre nós mesmos e o mundo.
IV - Ainda que seja em si uma metáfora, o olhar sobre a obra de arte em contexto escolar precisa se ater exclusivamente aos aspectos técnicos e compositivos de sua feitura, pois essa perspectiva privilegia uma formação em que os estudantes serão mais capazes de criar suas próprias obras com rigor e conhecimento.
V - Sendo uma metáfora, a obra pode produzir sentidos diferenciados conforme o repertório individual de cada um, no entanto, não podemos negar a abordagem objetiva da mesma no sentido de fazer os estudantes compreenderem que existe um sentido primordial a ser apreendido, que não é senão aquele segundo o qual o artista concebeu seu trabalho.

Estão corretas as afirmações: