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VALENTIM, Rubem. Composição 12 (1962). Óleo sobre tela, MASP.

Disponível em: <https://masp.org.br/acervo/obra/composicao-12>.

Acesso em: 4 ago. 2022.

Minha linguagem plástico-visual-signográfica está ligada aos valores míticos profundos de uma cultura afrobrasileira (mestiça-animista-fetichista). Com o peso da Bahia sobre mim – a cultura vivenciada; com o sangue negro nas veias – o atavismo; com os olhos abertos para o que se faz no mundo – a contemporaneidade.

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VALENTIM, Rubem. Manifesto ainda que tardio [1976]. In: ARAÚJO,

Emanoel (Org.). A mão afro-brasileira: significado da contribuição artística

e histórica. São Paulo: Tenenge, 1988, p.294-295, com adaptações.

Considerando esse relato de Rubem Valentim, assinale a alternativa que apresenta os principais componentes gráficos afrodescendentes na obra desse artista.

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ATAÍDE, Manoel da Costa. Nossa Senhora rodeada de anjos músicos

(1804). Forro da nave da Igreja de São Francisco, Ouro Preto.

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Disponível em: <https://www.hacer.com.br/igreja-de-sao-francisco>.

Acesso em: 4 ago. 2022.

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Considerando a imagem apresentada, assinale a alternativa que indica a principal característica da pintura barroca realizada em edifícios religiosos no Brasil oitocentista.

Em A obra de arte na era de sua reprodutibilidade técnica, de 1935, Walter Benjamin analisa as alterações provocadas pelas novas técnicas de produção artística – fotografia e cinema – na esfera da cultura. O principal elemento de seu texto é a tese de a reprodutibilidade técnica provocar a superação do caráter aurático da obra de arte. A autenticidade e a unicidade dão lugar à existência serial e à natureza aberta e fragmentária da obra de arte. A obra de arte pós-aurática passa a desempenhar, segundo Benjamin, uma nova função social.

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ARAÚJO, Bráulio Santos Rabelo de. “O conceito de aura, de Walter

Benjamin, e a indústria cultural”. In: Pós. São Paulo, v. 17 n. 28. p. 120-143,

dez. 2010, com adaptações.

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Tendo em vista o tema do texto, os dois princípios que fundamentam o conceito de aura de uma obra de arte são a

Em seu ensaio intitulado Do espiritual na arte e na pintura em particular, Wassily Kandinski escreveu: “A verdadeira obra de arte nasce do “artista” – criação misteriosa, enigmática, mística. Ela desprende-se dele, adquire vida autônoma, torna-se uma personalidade, um sujeito independente, animado de um sopro espiritual, o sujeito que vive uma existência real – um ser. Não é um fenômeno fortuito que surge aqui ou ali, indiferentemente, no mundo espiritual. Como todo ser vivo, ela é dotada de poderes ativos, sua força criadora não se esgota.”

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KANDINSKY, Wassily. “Do espiritual na arte e na pintura em particular”.

In: LICHESTEIN, Jacqueline, A pintura. São Paulo: Editora 34, p. 28-38.

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No texto de Wassily Kandinsky, o artista aproxima a obra pictórica às leis da necessidade interior, considerando a sua dimensão espiritual. Essas leis dizem respeito, sobretudo, à harmonia das formas e à autonomia das cores, no que tange à (ao)

Reivindicando para o artista o objetivo de traduzir, na obra de arte, a sensação visual imediata, independentemente, e mesmo em oposição, de toda noção convencional da estrutura do espaço e da forma dos objetos, o impressionismo afirmara o valor da sensação como fato absoluto e autônomo: o artista realiza, na sensação, uma condição de plena autenticidade do ser, atinge, na renúncia a qualquer noção habitual, um estado de liberdade total, fornece o exemplo daquela que deve ser a figura ideal do homem moderno, livre de preconceitos e pronto para a experiência direta do real.

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ARGAN, Carlos Giulio. As fontes da Arte Moderna. [Trad. Rodrigo Naves].

In: Novos Estudos. Edição 18, vol. 2. São Paulo: Cebrap, 1987, p. 49-56,

com adaptações.

Conforme esse texto de Carlos Giulio Argan, a maior ruptura ocorrida desde o surgimento do movimento do impressionismo, no que concerne aos movimentos artísticos anteriores, relaciona-se à -

O belo existe em toda parte ao redor de nós. Ele intervém, diz Hegel, “em todas as circunstâncias de vida” como neste “gênio amigo que encontramos em toda parte”. E – isto não deve nos espantar – o único belo que interessa é o belo artístico, o das produções humanas, com a exclusão do belo natural. Por quê? Simplesmente porque o belo artístico é sempre superior ao belo da natureza. É uma produção do espírito e “sendo (o espírito) superior à natureza, sua superioridade comunica-se igualmente a seus produtos e, por conseguinte, à arte”.

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JIMENEZ, Marc. O belo: um “gênio amigável”. In: O que é estética? [Trad.

Fulvia M. L. Moretto]. Col. Focus, vol. 3. São Leopoldo: Editora Unisinos,

[s/d] pp. 167-169, com adaptações.

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No texto apresentado, Marc Jimenez cita o filósofo Hegel, por meio do qual a figura do “gênio amigo” permite definir, de forma adequada, um dos maiores preceitos estéticos que norteiam as produções artísticas do fim do século 18. A que preceito específico o autor se refere?

Acerca da história do ensino das artes visuais no Brasil, assinale a alternativa correta.

Assinale a alternativa que indica os três eixos da abordagem triangular.

No que se refere às tendências contemporâneas e aos estudos da cultura visual no ensino das artes visuais no Brasil, assinale a alternativa correta.

Quanto à abordagem triangular, sistematizada por Ana Mae Barbosa, assinale a alternativa correta.

Com relação ao movimento Escolinhas de Arte, assinale a alternativa correta.

Acerca da criação da Academia Imperial de Belas Artes (AIBA), assinale a alternativa correta.

Cada período da arquitetura renascentista contou com um expoente diferente. Entre os mais notáveis arquitetos do renascimento estão:

“Artista mineira nascida em Belo Horizonte, no ano de 1900, teve um peso importante na arte moderna brasileira, sendo considerada precursora do modernismo em Minas Gerais. Participa da Semana de Arte Moderna de 1922, com oito obras sendo ‘Homens trabalhando’ (A sombra) 1922 o seu trabalho mais conhecido, tem excelente recepção na exposição. Em 1924, mudou-se para Itália, residindo em Nápoles até a sua morte, em 1967.” O trecho anterior se refere à pintora e ceramista mineira:

O ideal dadaísta teve origem quase simultânea em Zurique e Nova Iorque, desenvolvendo, assim, duas vertentes com uma relação próxima antes de se expandir para outros centros artísticos da Europa. O dadaísmo chegou a Nova Iorque com os franceses: 

Entre 1912 e 1914, os movimentos cromáticos de Fernand Léger (1881-1955), associados ao desenvolvimento da colagem por Pablo Picasso (1881-1973) e Georges Braque (1882-1963), ajudaram a precipitar as mudanças, bem como acelerar o interesse pelo movimento cubista. A segunda fase do cubismo se concentrava menos no método de observação e mais no processo de estruturação e planejamento. A segunda fase do cubismo denomina-se Cubismo: 

O nome “Grupo Santa Helena” surgiu devido à localidade. Afinal, muitos artistas que fundaram tal grupo contavam com ateliês que se localizavam na Praça da Sé, no edifício do Palacete Santa Helena, em São Paulo, no ano de 1934. São artistas do Grupo Santa Helena: 

Alberto da Veiga Guignard foi um dos poucos artistas a atingir, entre as décadas de 1930 e 1940, os propósitos da Antropofagia de “engolir” as culturas exógenas para produzir algo original e brasileiro. Em relação a Guignard, assinale a afirmativa correta.

Sobre a arte conceitual, analise as afirmativas a seguir.
I. Surgiu na década de 1960 como desafio às classificações impostas à arte por museus e galerias. II. Era uma reação à arte considerada mercadoria. III. Em 1961, o artista italiano Piero Manzoni produziu 90 latinhas com o rótulo “Merda do Artista”, criticando a produção em massa e o consumismo. IV. A arte conceitual costumava empregar palavras escritas ou declarações. O artista Joseph Beuys usou a linguagem escrita para expressar suas mensagens em obras como Uma e três cadeiras (1965).
Está correto o que se afirma apenas em 

Cândido Portinari, ao longo da trajetória de sua obra, estabeleceu diálogos mais ou menos intensos com os movimentos e os artistas que o marcaram durante sua formação. Na década de 1940, depois de ver Guernica (1937), de Picasso, no Museu de Arte Moderna de Nova Iorque, a admiração de Portinari pela obra do pintor espanhol, presente desde o início da carreira, é renovada. Um exemplo é o das pinturas com figuras esquematizadas, de forte cunho expressivo. São exemplos dessa fase: